Ausstellungskalender Juli -Dezember 2013

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Ausstellungstitel, Ort, Zeit

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Ausstellung / Institution

Thomas Hirschhorn

Gramsci Monument

Dia Art Foundation New York, Monday, July 1, 2013 - Sunday, September 15, 2013

Gramsci Monument is the fourth and final work in Thomas Hirschhorn’s series of “monuments” dedicated to major writers and thinkers, which initiated in 1999 with Spinoza Monument (Amsterdam, The Netherlands) and was followed by Deleuze Monument (Avignon, France) in 2000 and Bataille Monument (Kassel, Germany) in 2002. Gramsci Monument will be located on the grounds of a housing development and take the form of a temporary pavilion with a theater stage, a library of Antonio Gramsci’s books, a public lounge, an internet corner, a workshop area with carpentry tools, and a food kiosk.
Daily and weekly programs will include: lectures by scholars on Antonio Gramsci, poetry readings and workshops, open microphone event, art workshops led by Thomas Hirschhorn, field trips organized by the ambassador, and a play, titled Gramsci Theater.

Selections from the history of Chinese Painting

National Palace Museum Taipeh, 2013/07/01~2013/09/30

The history of Chinese painting can be compared to a symphony. The styles and traditions in figure, landscape, and bird-and-flower painting have formed themes that continue to blend to this day into a single piece of music. Painters through the ages have made up this "orchestra," composing and performing many movements and variations within this tradition.

It was from the Six Dynasties (222-589) to the Tang dynasty (618-907) that the foundations of figure painting were gradually established by such major artists as Gu Kaizhi and Wu Daozi. Modes of landscape painting then took shape in the Five Dynasties period (907-960) with variations based on geographic distinctions. For example, Jing Hao and Guan Tong depicted the drier and monumental peaks to the north while Dong Yuan and Juran represented the lush and rolling hills to the south in Jiangnan. In bird-and-flower painting, the noble Tang court manner was passed down in Sichuan through Huang Quan's style, which contrasts with that of Xu Xi in the Jiangnan area.

In the Song dynasty (960-1279), landscape painters such as Fan Kuan, Guo Xi, and Li Tang created new manners based on previous traditions. The transition in compositional arrangement from grand mountains to intimate scenery also reflected in part the political, cultural, and economic shift to the south. Guided by the taste of the emperor, painters at the court academy focused on observing nature combined with "poetic sentiment" to reinforce the expression of both subject and artist. Painters were also inspired by things around them, leading even to the depiction of technical and architectural elements in the late eleventh century. The focus on poetic sentiment led to the combination of painting, poetry, and calligraphy (the "Three Perfections") in the same work (often as an album leaf or fan) by the Southern Song (1127-1279). Scholars earlier in the Northern Song (960-1126) thought that painting as an art had to go beyond just the "appearance of forms" in order to express the ideas and cultivation of the artist. This became the foundation of the movement known as literati (scholar) painting.

The goal of literati painters in the Yuan dynasty (1279-1368), including Zhao Mengfu and the Four Yuan Masters (Huang Gongwang, Wu Zhen, Ni Zan, and Wang Meng), was in part to revive the antiquity of the Tang and Northern Song as a starting point for personal expression. This variation on revivalism transformed these old "melodies" into new and personal tunes, some of which gradually developed into important traditions of their own in the Ming and Qing dynasties. As in poetry and calligraphy, the focus on personal cultivation became an integral part of expression in painting.

Starting from the Ming dynasty (1368-1644), painting often became distinguished into local schools that formed important clusters in the history of art. The styles of "Wu School" artists in the Suzhou area, for example, were based on the cultivated approaches of scholar painting by the Four Yuan Masters. The "Zhe School" consisted mostly of painters from the Zhejiang and Fujian areas; also active at court, they created a direct and liberated manner of monochrome ink painting based on Southern Song models.

The late Ming master Dong Qichang from Songjiang and the Four Wangs (Wang Shimin, Wang Jian, Wang Hui, and Wang Yuanqi) of the early Qing dynasty (1644-1911) adopted the lofty literati goal of unifying certain ancient styles into a "grand synthesis" so that all in mind and nature could be rendered with brush and ink. The result was the vastly influential "Orthodox School," which was supported by the Manchu Qing emperors. The court also took an interest in Western painting techniques (brought by European missionaries) that involved volume and perspective, which became known to and used by some Chinese painters to create a fused style. Outside the court, the major commercial city of Yangzhou developed the trend toward individualism to become a center for "eccentric" yet professional painters. It also spread to Shanghai, where the styles of artists were also inspired by "non-orthodox" manners, which themselves became models for later artists.

Thus, throughout the ages, a hallmark of Chinese painting has been the pursuit of individuality and innovation within the framework of one's "symphonic" heritage. This exhibition represents a selection of individual "performances" from the Museum collection arranged in chronological order in order to provide an overview of some major traditions and movements in Chinese painting.

Paralell with:

Selections from the History of Chinese Calligraphy

To meet the need for recording information and ideas, unique forms of calligraphy (the art of writing) have been part of the Chinese cultural tradition through the ages. Naturally finding applications in daily life, calligraphy still serves as a continuous link between the past and the present. The development of calligraphy, long a subject of interest in Chinese culture, is the theme of this exhibit, which presents to the public selections from the National Palace Museum collection arranged in chronological order for a general overview.

The dynasties of the Qin (221-206 BCE) and Han (206 BCE-220 CE) represent a crucial era in the history of Chinese calligraphy. On the one hand, diverse forms of brushed and engraved “ancient writing” and “large seal” scripts were unified into a standard type known as “small seal.” On the other hand, the process of abbreviating and adapting seal script to form a new one known as “clerical” (emerging previously in the Eastern Zhou dynasty) was finalized, thereby creating a universal script in the Han dynasty. In the trend towards abbreviation and brevity in writing, clerical script continued to evolve and eventually led to the formation of “cursive,” “running,” and “standard” script. Since changes in writing did not take place overnight, several transitional styles and mixed scripts appeared in the chaotic post-Han period, but these transformations eventually led to established forms for brush strokes and characters.

The dynasties of the Sui (581-618) and Tang (618-907) represent another important period in Chinese calligraphy. Unification of the country brought calligraphic styles of the north and south together as brushwork methods became increasingly complete. Starting from this time, standard script would become the universal form through the ages. In the Song dynasty (960-1279), the tradition of engraving modelbook copies became a popular way to preserve the works of ancient masters. Song scholar-artists, however, were not satisfied with just following tradition, for they considered calligraphy also as a means of creative and personal expression.

Revivalist calligraphers of the Yuan dynasty (1279-1368), in turning to and advocating revivalism, further developed the classical traditions of the Jin and Tang dynasties. At the same time, notions of artistic freedom and liberation from rules in calligraphy also gained momentum, becoming a leading trend in the Ming dynasty (1368-1644). Among the diverse manners of this period, the elegant freedom of semi-cursive script contrasts dramatically with more conservative manners. Thus, calligraphers with their own styles formed individual paths that were not overshadowed by the mainstream of the time.

Starting in the Qing dynasty (1644-1911), scholars increasingly turned to inspiration from the rich resource of ancient works inscribed with seal and clerical script. Influenced by an atmosphere of closely studying these antiquities, Qing scholars became familiar with steles and helped create a trend in calligraphy that complemented the Modelbook school. Thus, the Stele school formed yet another link between past and present in its approach to tradition, in which seal and clerical script became sources of innovation in Chinese calligraphy.

Hans Thoma

„Lieblingsmaler des deutschen Volkes“

3. Juli bis 29. September 2013, Städel Museum Frankfurt

Im Sommer 2013 widmet sich das Städel Museum in einer umfangreichen Werkschau dem einst von Publikum und Kunsthistorikern als „der größte deutsche Meister“ gefeierten Maler und Grafiker Hans Thoma (1839–1924). Das Städel besitzt mit etwa neunzig Gemälden und mehreren hundert Arbeiten auf Papier eine der umfangreichsten Thoma-Sammlungen weltweit. Die Ausstellung wird den Künstler, der nach 1945 immer mehr in Vergessenheit geriet, erstmals kritisch als Wegbereiter der Moderne vorstellen und zeigen, dass Thoma weit mehr war als nur der Maler pittoresker Schwarzwald-Landschaften. Bis heute irritieren die Strenge und Präzision seiner Werke. Thomas Malerei verbindet realistische und symbolistische Tendenzen und nimmt wichtige Elemente des Jugendstils, der Neuen Sachlichkeit und des Surrealismus vorweg. Diese künstlerische Vielfalt sowie Thomas Rolle als Schlüsselfigur einer „deutschen Kunst“ um 1900 – eine Instrumentalisierung, die sich bis in den Nationalsozialismus fortsetzte – machen ihn zu einem Phänomen, das eine Neubewertung erfordert.

Kurator: Dr. Felix Krämer (Städel Museum)


The National Art Center, Tokyo, July 3 - September 16, 2013

A solo exhibition of Andreas Gursky (1955-), Germany’s leading contemporary photographer, is to be held for the first time in Japan at the National Art Center Tokyo, followed by an exhibition at The National Museum of Art in Osaka. With roots in traditional German photography, Gursky has received world wide attention for his unique visual representation of modern day society.

The exhibition will comprise approximately 65 photographs selected by the artist, ranging from early works from the 1980’s to such masterpieces as 99 Cent (1999), Rhine II (1999), F1 Pit Stop IV (2007), Pyongyang I (2007), Tokyo Stock Exchange (1990) and Kamiokande (2007) – both taken in Japan – and his latest work Qatar (2012). The most recent series of works – ’Ocean’ (2010) produced with the aid of satellite imagery and ’Bangkok’ (2011), which contemplates the surface of a river, display increasingly conceptual concerns where the artist is more akin to a painter using photographs.

Casting aside a chronological display, the exhibition will instead uniquely aim to show the entire body of work as a single unified entity with both old and new and small and large formats displayed side by side.

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist

Tate Modern London, 3 July – 22 September 2013

The first Tate Modern exhibition dedicated to African Modernism traces the life and work of Ibrahim El-Salahi. This major retrospective brings together 100 works from across more than five decades of his international career. The exhibition highlights one of the most significant figures in African and Arab Modernism and reveals his place in the context of a broader, global art history.

Artist Ibrahim El-Salahi discusses his work Reborn Sounds of Childhood Dreams 1, a large-scale oil painting recently acquired by Tate, with TateShots in his Oxford studio

The exhibition outlines the artist’s personal journey, beginning in Sudan in the 1950’s and followed by his international schooling at the Slade School in London. After a period of research and self-discovery, he returned to Sudan in 1957. There, he established a new Sudanese visual vocabulary, which arose from his own pioneering integration of Islamic, African, Arab and Western artistic traditions. El-Salahi lived in Qatar before settling in England in the 1990s. His recent paintings reflect his joy for life, his deep spiritual faith, and a profound recognition of his place in the world.

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist is organised by the Museum for African Art, New York, in association with Tate Modern, London. It is curated by Salah M Hassan, Goldwin Smith Professor of African and African diaspora art history and visual culture and Director of the Institute for Comparative Modernities at Cornell University, and will be curated at Tate Modern by Elvira Dyangani Ose, Curator of International Art, Supported by Guaranty Trust Bank Plc. The exhibition first opened at the Sharjah Art Museum in May 2012 and travelled to the Katara Cultural Village Foundation, Doha, Qatar in October 2012. An illustrated catalogue accompanies the exhibition, edited by Salah M Hassan with contributions by Sarah Adams, Ulli Beier, Iftikhar Dadi, Hassan Musa and Chika Okeke-Agulu, as well as special texts by El-Salahi.


Centre Pompidou Paris, 3 JULY - 4 NOVEMBER 2013

Through an exceptional selection of over a hundred major works, the Centre Pompidou will present the first complete Roy Lichtenstein retrospective (1923-1997) in France. This show will invite the public to acquire a new perspective on this emblematic figure of American Pop Art, going “beyond Pop” precisely in order to reconsider Lichtenstein as one of the first post-modern painters. From his very first iconic paintings inspired by comics and 1960s popular culture, to works displaying his ongoing dialogue with the Grand Masters of modern painting and classical art, the exhibition offers a new take on the highlights in the career of a leading figure of the postwar art scene.A pop painter, Roy Lichtenstein was also eager to experiment with materials, to invent icons and pictorial codes which blurred the lines between figurative and abstract art, between pictorial and 3-dimensional objects. His work as a painter kept feeding upon his early practice of sculpture and ceramics as well as his passion for prints. A connoisseur of modern art, he was fascinated above all by Picasso, Matisse and Léger – all of whom he quotes in a number of his works. Towards the end of his life, Lichtenstein returned to the traditional genres of classical painting: the nude, still-life and landscape. ...

Manchester International Festival 2013

4 – 21 July 2013 Manchester

Nach der Oper „Il Tempo del Postino“ (MIF07) and „11 Rooms“ u.a. mit Robert Wilson und Marina Abramovic (MIF11), präsentiert das MIF „do it 2013“. Wiederum kuratiert von Hans Ulrich Obrist, werden dabei geschriebene Instruktionen von Künstlern in Szene gesetzt. Anweisungen von bekannten und interessanten Künstlern werden umgesetzt: Richard Wentworth, Christian Boltansky, Yoko Ono und viele mehr.

Simon Denny

The Personal Effects of Kim Dotcom

MUMOK Wien, 05.07.2013- 13.10.2013

04.07.2013–19.00 Uhr

Simon Dennys Arbeiten zur Geschichte und zu den Widersprüchen der Neuen Medien wurden in den letzten Jahren international viel diskutiert. In einer eigens für seine Ausstellung im mumok geschaffenen Rauminstallation widmet sich der in Berlin lebende Künstler (geb. 1982 in Auckland, Neuseeland) der Megaupload- Affäre um den Internettycoon Kim Dotcom. The Personal Effects of Kim Dotcom beleuchtet die strittige Natur von Eigentum und Information in Zeiten des globalen Datenaustausches.

Kim Dotcoms Internetdienst Megaupload
Der Fall hat international für Aufsehen gesorgt. Kim Dotcoms Filehoster Megaupload, früher einer der populärsten Plattformen zum Austausch von Daten, hatte und hat beispiellose Folgen für den internationalen Datenverkehr, für internationale Rechtsfragen und für die lokale Medienlandschaft in Neuseeland. Nach Ermittlungen des FBI wurden Megaupload und Megavideo im Januar 2012 auf Betreiben eines US-amerikanischen Gerichts geschlossen. Begründet wurde dieser Schritt mit der Notwendigkeit, „eine weltweit operierende kriminelle Organisation zu stoppen, deren Mitglieder in krimineller Weise Copyrightverletzungen und Geldwäsche im großen Rahmen betreiben, wobei sich der geschätzte Schaden auf mehr als 500 Millionen US-Dollar beläuft“.
Als die neuseeländische Polizei eine Razzia im Wohnhaus des gebürtigen Deutschen Kim Dotcom durchführte, ihn festnahm und seine Filesharingwebsite lahmlegte, stellte sie auch diverse Gegenstände sicher, die sich in seinem Besitz befanden. Konfisziert wurden unter anderem 175 Millionen US-Dollar, 60 Dell-Server, 22 Luxusfahrzeuge sowie zahlreiche Bildschirme, Fernsehgeräte, Betten und Kunstwerke. Die Legitimität dieser Aktion wurde später infrage gestellt, und angesichts der Verbrechen, deren Dotcom bezichtigt wurde, entstand eine sonderbare Diskussion um den Besitz und die Weitergabe von Daten.

Die Ausstellung
Im mumok verschränkt Simon Denny die bei Kim Dotcom konfiszierten Objekte mit Musik- und Videoproduktionen, mit Dotcoms aktivem und populärem Twitter-Feed und mit verschiedenen Infografiken, die dessen Rechtsstreitigkeiten und umstrittene Geschäftsmodelle aufzeigen. Das Ergebnis ist eine raumgreifende Installation, die sich, so Denny, „aus einer Ansammlung von Kopien, Plagiaten und Imitaten der ‚echten‘ rechtswidrig erworbenen Gegenstände zusammensetzt und einen konkreten Anhaltspunkt für eine der zur Zeit wohl wichtigsten juristischen Debatten bietet: Für eine Auseinandersetzung mit nationalen Grenzen, Gesetzen und Unterhaltung; damit, was es bedeutet zu stehlen, was es bedeutet überwacht zu werden und nicht zuletzt damit, wer im Zeitalter des globalen Datenverkehrs eigentlich was besitzt.“ Neue Medien als zentrales Thema
Simon Dennys Interesse gilt der Entwicklung und den Widersprüchen unserer durch und durch mediatisierten Gesellschaft. Der 2012 mit dem Baloise Kunst-Preis ausgezeichnete Künstler untersucht die ästhetischen Verwandlungen von Fernsehgeräten und anderen Telekommunikationsdisplays im Lauf der letzten Jahrzehnte, beleuchtet Fehler oder Aussetzer im reibungslosen Fluss massenmedialer Information oder widmet sich den strittigen Geschichten unserer Rundfunk- und Internetanbieter. Seine Installationen, Objekte und Projekte rücken immer wieder die Verbindungen von neuen Medien, Kommerz, Ästhetik und Politik sowie die nur allzu schnell überholt wirkenden Verheißungen des Neuen in den Mittelpunkt der Auseinandersetzung.



Neue Pinakothek München, 04.07.2013 - 30.09.2013

In Paris formierte sich 1888 die Künstlergruppe der »Nabis« (hebräisch Propheten). Zu ihren Mitgliedern zählten Bonnard, Vallotton oder Maillol. Auf der Suche nach neuen, »echten« Ausdrucksformen gestalteten sie intime Interieurs, Bühnenbilder, Theaterplakate, Zeitschriften oder Bücher und standen mit den Dichtern der Pariser Avantgarde in engem Kontakt. Kunst und Leben sollten einander durchdringen, so die Maxime der jungen Maler, die das Leben auf den Boulevards und hinter den Türen der Boudoirs in atmosphärisch dichten Bildern festhielten. Meisterwerke aus der Neuen Pinakothek und der Staatlichen Graphischen Sammlung zeigen die Nabis als Wegbereiter der Moderne zu Zeiten der Belle Époque.

The Spirit of Utopia

Whitechapel Gallery London, 4 July - 5 September 2013

Who are we? Where are we going?
What are we waiting for?

Ernst Bloch, The Principle of Hope, 1954–59

Ten artists and collectives from around the world speculate on alternative futures for the economy, the environment and society itself, asking, ‘what if?’ From a live studio pottery, to a verdant greenhouse, a remarkable series’ of installations and events engage us in playful, provocative and creatively pragmatic models for social change.

In a new iteration of his Soul Manufacturing Corporation (2011–ongoing) Chicago-based Theaster Gates creates a studio for making pottery, training apprentices and investigating skill, teaching and craft. In the spirit of William Morris, labour becomes both communal and uplifting. Mexican artist Pedro Reyes invites visitors to enter a Sanatorium offering therapy for the urban dweller. A highlight of dOCUMENTA 13, his utopian clinic is manned by therapists who can guide us through a sequence of rooms and objects, dedicated to ‘Sociatry’, the science of art and healing society.

Our relationship to the environment is explored by London collective, Wayward Plants who use experimental greenhouses to grow tomatoes, potatoes and mustard plants. They fuse new possibilities in food production with scientific narratives, from futuristic seed gardens to sending plants to space. The humble earthworm, crucial to agriculture, is at the heart of an installation by US-based artist Claire Pentecost whose apothecaryjars full of soil examine bacterial life and thelink between the health of the soil and thehealth of our bodies.

Alternative economies are a focus for Time/Bank, founded by Julieta Aranda and Anton Vidokle who work between Berlin and New York. Visualising micro-economies based on the exchange of time, their research is complemented by a series of lectures by academics who propose alternative modes of exchange. Danish collective Superflex promote self-organisation and countereconomic strategies with their film, The Financial Crisis, showing a hypnotist addressing the financial meltdown of 2008.

French-Moroccan artist Yto Barrada’s installation asserts individual narratives within historic structures of colonial power. Just as early twentieth century avant-garde artists deployed graphics and cinema as aesthetic activism, Barrada’s Say Don’t Say posters use terms which subversively react to bureaucratic demands. Scale-model cinemas evoke her cinema club in Rif, where the rich heritage of Arab film can be viewed and discussed.

UK-based Peter Liversidge asks institutions to join him in making utopian proposals. Some of his ideas for performances and artworks can only be imagined. Others are made concrete, so that snow may fall on a summer’s day and comedy is performed in the white cube. In the forest of directive and incentivising signs that are the hallmarks of a capitalist culture, he interjects with expressions of pure freedom.

What kind of social groups can be formed outside of work, politics or religion? For Turkish collective Ha Za Vu Zu it is sound that brings people together to create and resist, using pure noise to spark interest and participation. Once a crowd has formed they are structured to continue to make sound together, documenting the process.

The Russian design lab Ostengruppe make their contribution to the cultural life of Moscow by publicising cultural events with dazzling posters that combine new technologies with drawing and collage. Evoking the graphic legacies of artists such as John Heartfield or El Lissitzky, they have created a poster for each of the exhibitors in The Spirit of Utopia.


5. Juli – 1. September 2013, Wien Secession

Thomas Locher, dessen Werk seit den späten 1980er-Jahren als richtungsweisend für die neokonzeptuelle Kunst gilt, untersucht in seinen Arbeiten das Regelwerk von Sprache und die Komplexität ihrer Funktionsweise. Seine Auseinandersetzung mit Zeichen- und Kommunikationssystemen zielt darauf ab, ihre politischen Implikationen und die Auswirkungen auf das Zusammenleben und Handeln der Menschen aufzuzeigen. In Text-Bild-Konstruktionen und installativen Situationen koppelt er Bilder und Sprachfelder, um die in der Sprache eingeschriebenen Strukturen sichtbar zu machen, das Allgemeingültige und Gesetzmäßige zu relativieren und alternative Bedeutungen aufzuzeigen.
Bereits mit seinen frühen abstrakten Zahlenbildern übte Locher Kritik an der vermeintlichen Eindeutigkeit von Bedeutungssystemen, indem er Farbfelder und Ziffern derart kombinierte, dass ein mathematisch-logisches Referenzsystem zwar nahegelegt, aber nicht eingelöst wird. Für Politics of Communication (2000) verknüpfte er auf monochrom lackierten Wandtafeln Fotos von anonymen Büroräumen, genormten Arbeitsplätzen und seriell hergestellten Sitzmöbeln mit Textfeldern, die das Zusammenspiel von Sender, Empfänger, Botschaft, Code und Kontext hinterfragen. Die Zuordnung gestaltet sich als ein vieldeutiges, offenes Wechselspiel, das die Gleichförmigkeit ebenso wie die hierarchischen Strukturen in der Bürokommunikation sichtbar werden lässt.
In neueren Arbeiten thematisiert Locher wiederholt das Verhältnis von Sprache und Ökonomie. Die Text-Bild-Serie GIFT. TO GIVE. GIVING. GIVEN. GIFT, IF THERE IS ANY … (J.D.) (2006) beispielsweise besteht aus allgemein zugänglichen Medienbildern, die vorwiegend das Motiv des Gebens, der Übergabe, Gesten der Handreichung etc. beinhalten. Diesen Bildern stellt Locher handschriftlich bearbeitete Textfragmente gegenüber, die Jacques Derridas Schrift „Donner le temps“ entnommen sind, in der sich Derrida mit der Gabe als widersprüchlichem Phänomen auseinandersetzt.

Eingeladen vom Vorstand der Secession
Kuratorin: Annette Südbeck
Thomas Locher, geboren 1956 in Munderkingen (DE), lebt und arbeitet in Berlin.

Zeitgleich mit:


5. Juli – 1. September 2013

2004 hat Rossella Biscotti den 1937 von Mussolini zur Eröffnung der römischen Filmstudios Cinecittà verwendeten Slogan „La cinematografia é l’arma più forte“ für eine Wandarbeit aufgegriffen. Damit hat sie zum einen eine Parallele zur politischen Situation in Italien unter der Führung des Medientycoons Berlusconi gezogen und zum anderen die Risiken durch politische und ökonomische Indienstnahme des künstlerischen Feldes reflektiert.

In Videos, Skulpturen, Installationen und räumlichen Interventionen beschäftigt sich Biscotti mit Erinnerung und den Grenzen objektiver Geschichtsschreibung. Ausgangspunkt ihrer Arbeit ist die Rekonstruktion historischer Ereignisse, oft aus der jüngeren italienischen Geschichte und der politischen Linken. Indem sie persönliche Erinnerungen z. B. in Form von Interviews und Gesprächen und scheinbar objektive historische Dokumente gegenüberstellt, dekonstruiert sie den Mythos objektiver Wahrheit und stellt hegemonialer Geschichtsschreibung individuelle Vielfalt und Uneindeutigkeit entgegen.

Die 2010 begonnene und bislang fortgeführte multimediale Installation Il processo (Der Prozess) behandelt das politische Klima Anfang der 1980er-Jahre in Italien, als die Regierung repressiv gegen linke Bewegungen wie die außerparlamentarische Gruppierung Autonomia Operaia vorging. Zahlreiche Intellektuelle, Autoren, Lehrer u.a. wurden terroristischer und staatsfeindlicher Handlungen beschuldigt. Zu den bekanntesten Verurteilten des sogenannten „7.-April-Prozesses“ gehören die Philosophen Antonio Negri und Paolo Virno, zwei im gegenwärtigen Kunstdiskurs einflussreiche Denker. Zeugenaussagen in Form von Text- und Audiodokumenten sind ebenso Teil der Arbeit wie Performancedokumentationen und Abgüsse von jenen Bauteilen des heute nicht mehr als Gericht genutzten Gebäudes, die bei der Adaption der ursprünglichen Fechtschule in ein Hochsicherheitsgericht eingebaut wurden. Die Abgüsse nehmen im Ausstellungskontext wiederum eine ambivalente Position zwischen minimalistischer Skulptur, historischer Dokumentation und politischem Mahnmal ein. Die Wechselbeziehung zwischen Werk, Kunstdiskurs und politischem Kontext hat Biscotti schon in früheren Arbeiten wie z.B. After Four Rotations of A, B Will Make one Revolution (2009) thematisiert, für die sie das jeweilige Material und Gewicht figurativer sozialistischer Skulpturen in minimalistische Formen übertragen hat.
Die Ausstellung im Grafischen Kabinett der Secession ist Biscottis erste Einzelausstellung in Österreich.
Eingeladen vom Vorstand der Secession
Kuratorin: Bettina Spörr
Rossella Biscotti, geboren 1978 in Molfetta (I) lebt und arbeitet in Amsterdam.

Cerith Wyn Evans

The What If?... Scenario (after LG)

Thyssen- Bornemisza Art Contemporary Wien, July 5 - November 3, 2013

In The What If?... Scenario (after LG), Wyn Evans literally sets the stage for a multitude of potentialities, contingencies, and uncertainties about given conditions and structures of what we see and what we know and how we come to know without ever solidifying his position into a positivist affirmation but rather remaining suspended in "weak connections". His luminous works, collected by TBA21 over 10 years and here shown together for the first time, unfold a spider web of artistic, literary, and referential signifiers, waiting to be glimpsed and grasped by a viewer who cannot but become an active performer in a play of multiple meanings and speculations. Wyn Evans’s artistic strategy interrupts our habitual access to the world of objects and meanings by disrupting our associative and (re-)cognitive patterns, locating gaps, hinting at subliminal associations, anecdotal slippages, contingencies, and errors in translation.

Edvard Munch in der Staatsgalerie

Vom ersten Kuss bis in den Tod

06. Jul. – 06.Okt. 2013, Stuttgart Staatsgalerie

Durch gezielte Ankäufe seit 1911 kann die Staatsgalerie das Schaffen Munchs in allen Techniken und Themen vorstellen. Munch beginnt ab dem Spätherbst 1894 in Berlin mit dem Tiefdruck, d.h. mit Radierungen und Kaltnadelarbeiten, im gleichen Jahr entstand seine erste Lithographie. 1896 wieder in Paris widmete er sich bereits sehr früh dem Holzschnitt, wie auch etwa Félix Vallotton und Paul Gauguin, die sich mit dem Farbholzschnitt auseinandersetzten. Edvard Munch verwendete eine besondere Technik, indem er seine Holzstöcke zum Teil auseinander sägte, um mehrere Farben zu drucken. Probe- und Frühdrucke sowie Kombinationen aus Farblithographie und Farbholzschnitt, auch dies eine besondere Spezialität des Künstlers, sind gleichermaßen in der Ausstellung vertreten. Die Blätter spiegeln Munchs Werk und seine Themen in allen Entwicklungsstufen wider: Das zentrale Element seiner Kunst ist die »Erinnerung«, meist melancholisch aufgefächert in Krankheit, Angst und Tod, Liebe, Eifersucht und Verzweiflung sowie wiederkehrend das »Mysterium Frau«.

Exquisite Craftsmanship : Japanese Cloisonné Enamels and Embroideries of the Meiji Period from the Collections of the Ise Foundation

University Museum and Art Gallery Hongkong, 6 July to 1 September 2013

The University Museum and Art Gallery is honoured to present an exhibition of 56 cloisonne enamels and 16 embroidered textiles from the collections of the Ise Foundation in Tokyo, Japan. These treasures are executed in sophisticated techniques and exemplary of the high skill and exquisite craftsmanship for which the Meiji Period (1868–1912) is celebrated.

During the second half of the nineteenth century, following Japan’s opening to the West during the Bakumatsu period (1853–1867) at the eve of the Edo reign, the country transformed itself from an isolated feudal nation to a world power. In this rapid social development and modernization of its industries, Japan’s traditional arts were neither suppressed nor extinguished but, after the young Emperor Meiji (1852–1912) assumed the throne in 1867, Japan’s new leadership realised that the historic skills of the metalworker, lacquerer, enameller and ceramic and textile artist could assume an important role in an open and more accessible international consumer market.

In subsequent years, enamelled objects (shippo) were made on the orders of the Imperial Household—they often show the kikumon or chrysanthemum symbol indicating that they were commissioned by the Emperor as gifts for foreign dignitaries and royalty—or for merchants who supplied local and overseas markets. Japanese manufacturers participated in regularly organized international expositions and World Fairs in Europe and America, where they displayed an array of artistic creativity and technical virtuosity (the Nagoya Cloisonné Company won a first prize at the Vienna Exhibition of 1873). Among the most important technical advance in Japanese enamel making was the development of the Yusen-shippo by Tsunekichi Kaji (1803–1883) in 1833, who glued thin filigree wires of brass, gold or silver onto the base metal, which became both an integral part of the design, and prevented the enamels from running during firing. In 1868 Tsukamoto Kaisuke (1828–1887) fired Jitai-shippo, a ceramic pottery he decorated with filigree wires and fired enamels. A decade later, Namikawa Sōsuke (1847–1910) created Musen-shippo in 1879, an enamel ware without wires that allowed the artist to compose landscape designs with more fluid outlines.

Like the shippo wares, Japanese embroidered textiles were first produced during the Nara period (710-794) and became known for their technical innovation. They testify to artistic exchanges between Japan and the West in the late nineteenth- and early twentieth-centuries. An evolution of original dyeing technology from the Nara to the Edo period (1615–1868), led to the development of so-called “embroidery pictures” that stand out by their usage of glossy silk thread, which allowed Japanese needleworkers to compose new expressions superseding though historically related to conventional paintings with thread. Ribbed silk (shioze) and metallic threads on silk brocades are but few of the precious techniques and materials that make this handicraft a modern and internationally appreciated art form that uses and re-interprets an abundance of traditional iconographic compositions, symbols and figures.

We thank the Ise Foundation for giving us the opportunity to share their masterpieces with the public and to show together for the first time two very different but equally sophisticated and innovative art forms. May the dazzling colours and opulent lustre provide evidence for the world-wide changes in social and domestic life towards the end of the nineteenth century and the longing for luxury that characterises the bourgeois society of that era.

Seeing the Sound, Hearing the Picture

July 6 – July 31 , 2013

Part II August 2 – September 1, 2013, Hara Museum Gumma JP,

As you might envision a landscape while listening to music, do you sometimes feel you can hear the sounds depicted in a picture? That is what these selected works of art entice you to do: to view the wind, water, a cheering crowd, animals, and to hear them in your mind's e

ar. They say art is made by the heart to be enjoyed by the heart. This exhibition invites you to enjoy art from a slightly different perspective.

Mexico: A Revolution in Art, 1910-1940

6 July—29 September 2013

Royal Academy London, In The Sackler Wing of Galleries, Burlington House

In 1910, revolution brought years of instability to Mexico but, in its aftermath, the artistic community flourished under state sponsored programmes designed to promote the ideals of the new regime.

This exhibition will bring together work by Mexican artists at the forefront of the artistic movement including Diego Rivera, José Clemente Orozco and David Alfaro Siqueiros. Also on display will be work by international artists and intellectuals who were drawn to the country by its political aspirations and the opportunities afforded to artists. Among them were Marsden Hartley, Josef Albers, Edward Burra, Paul Strand, Henri Cartier-Bresson, André Breton and Robert Capa.

'Mexico: A Revolution in Art, 1910-1940' will reveal a cultural renaissance that drew in some of the most seminal figures of the 20th century, all of whom were inspired by the same subject: Mexico.

Thomas Schütte & Danh Vo: Das Reich ohne Mitte

Kunsthalle Mainz, 5. Juli – 6. Oktober 2013

Eröffnung: Donnerstag, 4. Juli 2013, 19 Uhr

Staatliche Gemeinwesen schaffen sich bildhafte Beständigkeit: Herrscherbildnisse, Siegeszeichen, Allegorien und Tempel. Besonders an öffentlichen Orten sind Statuen Sinnbild politischer Selbstbehauptung. Sie markieren Plätze, urbane Prägepunkte und politische Herrschaftsordnung. Einmal aufgestellt dienen sie der zeitlosen Demonstration mit dem Nachdruck unumstößlicher Geltung. Wie aber steht es mit der Darstellung der Macht heute? Sind Standbilder demokratisch vertretbar? Wie verhalten sich Staatsbilder im heutigen Europa?

Die Ausstellung vermittelt einen Streifzug durch die Geschichte staatlicher Monumente seit der Aufstellung der „Germania" in Rüdesheim im Jahr 1877. Ein historischer und dokumentarischer Teil, der mit der Darstellung von Thomas Hobbes' „Leviathan" beginnt, steht zwei eindrucksvollen Beiträgen aus der Gegenwart gegenüber. Thomas Schüttes mächtiger „Vater Staat" ist eine grimmige Personifikation. Fast vier Meter hoch zeigt sich die Figur ohne Insignien und Gebärden und dennoch in patriarchaler Gegenwart und Gewalt. Die Fragmente, die Danh Vo, von der Freiheitsstatue anfertigt, liegen vergessen wie in einem archäologischen Trümmerfeld, ein Erinnerungsort an die Geschichte von Freiheitsgedanken und Selbstbestimmung im Zeitalter der Globalität.

Die Kunsthalle Mainz zeigt im Rahmen des Kultursommers 2013, der unter dem Motto „Eurovisionen" steht, die Ausstellung mit dem Titel „Das Reich ohne Mitte" vom 5. Juli bis 6. Oktober 2013.

Felix Vallotton. Schöne Zeiten

Kunsthaus Zürich, 5. Juli – 15. September 2013

Das Kunsthaus Zürich präsentiert rund 50 Gemälde von Félix Vallotton unter dem Titel «Schöne Zeiten». Mit Werken, die je zur Hälfte aus einer privaten Sammlung und im Depot verbliebenen eigenen Beständen des Kunsthauses stammen, ist dieser temporäre Dialog eine Entdeckung.

Es ist kein Geheimnis, dass das Kunsthaus Zürich eine sehr bedeutende Sammlung von Gemälden Félix Vallottons besitzt, darunter sind Hauptwerke wie das einst skandalumwitterte «Bain au soir d'été» (1892/93). Im Jahr 2007 versammelte die Ausstellung «Idylle am Abgrund» viele seiner schönsten und manche seiner skurrilsten Bilder. Überraschend ist, dass es neben der Kunsthaus-Sammlung, die durch gezielte Ankäufe und Schenkungen heranwuchs, in Schweizer Privatbesitz noch eine zweite, ebenso bedeutende Vallotton-Sammlung gibt. Der Umfang dieses Schatzes ist der Öffentlichkeit bis jetzt verborgen geblieben. Das Sammlerpaar zog es vor, anonym zu bleiben.

Color Gone Wild: Fauve and Expressionist Masterworks from the Merzbacher Collection

Israel Museum Jerusalem, July 5, 2013-November 2, 2013

Location: Lotte and Walter Floersheimer Gallery for Impressionist Art
Curator: Color Gone Wild is curated by Dr. Adina Kamien-Kazhdan, David Rockefeller Curator, The Stella Fischbach Department of Modern Art at the Israel Museum.
The Israel Museum, Jerusalem, will showcase Fauve and Expressionist paintings from one of the world’s most notable private collections of modern art in the exhibition Color Gone Wild: Fauve and Expressionist Masterworks from the Merzbacher Collection. On view through November 2, 2013, the exhibition features works by major Fauve and Expressionist artists from high points in their careers, including paintings by Georges Braque, André Derain, Alexej Jawlensky, Wassily Kandinsky, Henri Matisse, and Maurice Vlaminck, among others. Fifteen years following the collection’s public debut at the Israel Museum, Color Gone Wild provides a focused examination of forty-two collection highlights, including important works acquired since then, all linked by a vivid use of vibrant color as a vehicle for emotional expression.

“Since its first public presentation at the Israel Museum in 1998, the Merzbacher Collection has been universally embraced for its exceptional quality, comprising paintings that trace the history of color in the 20th century,” said James S. Snyder, the Anne and Jerome Fisher Director of the Israel Museum. “The works on view in Color Gone Wild are linked by their intensity of color and their emotional expressiveness—reflecting Werner and Gabrielle Merzbacher’s persisting passion for collecting artworks by some of the most pioneering artists of the 20th century. We are deeply grateful to the Merzbachers for making the presentation of this extraordinary display possible.”

Color Gone Wild reflects the Merzbachers’ aesthetic passions. Their interest in collecting was spurred initially by Mrs. Merzbacher’s grandparents,
staunch supporters of the avant-garde who amassed a small but stunning collection of modern art. The modern masterpieces on view in this presentation are unified by their brilliantly contrasting hues and energized brushwork. Though differing in subject matter, the paintings all demonstrate a freedom from the social and artistic conventions of their time and a vision of art as socially and spiritually transforming. The exhibition opens with Fauve painting, leading then to the two groups of Expressionists, The Bridge (Die Brücke) and the Blue Rider (Der Blaue Reiter), emphasizing the contemporaneous preoccupation of these painters with expressive color, bold brushstrokes, and innovative composition.
Included in the exhibition are two keystones of the Merzbacher collection: Blooming Trees (1909) by Karl Schmidt Rottluf and Interior at Collioure (1905) by Henri Matisse. The acquisition of Blooming Trees marked a significant break in the Merzbachers’ earlier collecting practice, which initially favored works by Social Realists and colorful Impressionists. Shortly thereafter, the arrival on loan from Mrs. Merzbacher’s parents of Matisse’s Interior at Collioure further established the foundation for the Merzbachers’ new collecting focus and fueled their search for seminal Fauve and Expressionist works, as well as paintings from related art movements.
Approximately one quarter of the works in Color Gone Wild were purchased following the collection’s public debut in 1998 and have never been seen in Israel. Among the newly acquired works in the exhibition is Wassily Kandinsky’s Two Hoursemen and a Lying Person (1909-1910), an early work that demonstrates the artist’s inclination towards abstraction with its bold simplification of figures and heightened use of color. Also on view are Girl with Cat (1910) and Two Nudes on a Blue Sofa (1910-20) by Ernst Ludwig Kirchner, which in their crude, non-naturalistic depictions of contemporary bohemian life reflect the artist’s attempts to break from the traditional
academic style of the age. Another work that marks a shift in artistic practice is Maurice de Vlaminck’s Potato Pickers (ca. 1905-07), an example of the artist’s trend towards “deconstructing” the physical landscape into violent streaks of color that convey a sense of motion. The exhibition will also showcase newly acquired paintings by Erich Heckel, Emil Nolde, and Max Beckmann.
“Gabrielle and I are deeply grateful for the opportunity to share our collection with the Israel Museum’s public and to spread the joy that emanates from these works,” said Werner Merzbacher. “As long-time friends of the Israel Museum, we consider this exhibition a kind of homecoming, fifteen years following our collection’s public debut in Jerusalem, and a gesture of our ongoing support for a museum that is dear to us.”
Color Gone Wild will be on view within the Museum’s collection galleries, as a preamble to its permanent display of the art of the 20th century. The exhibition is an extension of a longstanding relationship between the Israel Museum and the Merzbachers, dating back to Mr. Merzbacher’s extended term as the Founding President of the Swiss Friends of the Israel Museum. In 1986, the Merzbacher’s gifted the Dr. Julius and Hilde Merzbacher Gallery for Israeli Art.
The exhibition and catalogue are made possible by the donors to the Museum’s 2013 Exhibition Fund: Claudia Davidoff, Cambridge, MA, in memory of Ruth and Leon Davidoff, Hanno D. Mott, New York, and The Nash Family Foundation, New York. Additional support is provided by The Ministry of Culture and Sport, Israel.



Kunstmuseum Luzern, 6. Juli – 13. Okt. 2013

Mit Revolution greift das Kunstmuseum Luzern das Jahresthema des Lucerne Festival auf und reflektiert diesen kraftvollen Begriff in der bildenden Kunst. Die Werke des Amerikaners John Chamberlains (1927–2011) werden den grossformatigen Gemälden der Schweizerin Christine Streuli (*1975) und den grosszügigen Gesten in Malerei wie Plastik von der Norwegerin Ida Ekblad (*1980) gegenübergestellt. Hinsichtlich Kraft, Energie und Intensität handelt es sich bei den drei Positionen eindeutig um verwandte Geister. Der Umgang des Künstlers und der beiden Künstlerinnen mit Farbe und Material ist rau, direkt, unvermittelt und ungeschönt. Die Werke haben etwas Gewaltiges an sich, eine grosse, überbordende Kraft wird spürbar. Sie sprechen den Intellekt und die Sinne gleicher massen an, sie vermögen zu faszinieren, doch fordern sie auch viel: Die Schichten, die rohen Spuren, die haptische Beschaffenheit der Werke bleiben rätselhaft und unverständlich. Die Überforderung, dass nicht alles bis ins letzte Detail erklärt werden kann, ist die Qualität dieser Kunst.



Mudam Luxemburg, 06/07/2013 - 19/01/2014

Seit 1996 arbeiten Andres Lutz und Anders Guggisberg an einem vielfältigen Werk, das sich mit großer Freiheit aller möglichen Träger und Medien bedient. Gemeinsam realisieren sie Skulpturen, Gemälde, Installationen, Videos oder auch Konzerte und Performances. Ihre abwechslungsreiche Produktion ist geprägt von ihren sprühenden, erfinderischen Ideen, in denen sich die kuriose aber vollkommen stimmige Weltsicht der Künstler spiegelt. Lutz und Guggisberg arbeiten wie Alchimisten, deren Kunst des freudigen Kombinierens sich aus einem formalen und konzeptuellen Durcheinander speist. Jede ihrer Arbeiten ist intensiv geprägt von der Poesie des Irrationalen.

Zeitgleich mit:

Thea Djordjadze

Thea Djordjadze, die insbesondere durch ihren Beitrag auf der Documenta 13 in Kassel 2012 für Aufmerksamkeit gesorgt hatte, realisiert Skulpturen und Installationen mit bescheidenen Materialien, die sie sowohl aus der traditionellen Skulptur entlehnt wie aus der alltäglichen Umgebung. Die Ausstellung im Mudam ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit mit der Malmö Konsthall und dem Kunstverein Lingen.

Das 20. Jahrhundert
Werke von Max Ernst aus der Schneppenheim-Stiftung

Max Ernst Museum Brühl, 07.07.-24.11.2013

Seit Eröffnung des Max Ernst Museums in Brühl im September 2005 besteht eine enge Beziehung zur Stiftung Schneppenheim zur Förderung des Max Ernst Museums. Die vom Stifter Dr. Peter Schneppenheim nach dem Verkauf seiner umfangreichen Sammlung von illustrierten Büchern und Druckgrafiken von Max Ernst ab 2001 noch ergänzend zusammengetragenen grafischen Werke fanden hier ihren Ort und stehen dem Museum als Leihgaben zur Verfügung.

Im Zusammenhang mit der im Januar 2013 durch Peter Schneppenheim erfolgten Schenkung des bedeutenden Max Ernst-Gemäldes »The Twentieth Century« (Das zwan-zigste Jahrhundert) von 1955 an das Max Ernst Museum Brühl des LVR ist auch die Vergrößerung des Kunstbestandes seiner Stiftung zu sehen, die wenige Monate zuvor durch exquisite Gemälde des Künstlers eine außerordentliche Bereicherung erfuhr. Dem dadurch
gesetzten Signal einer erweiterten Förderung des Max Ernst Museums durch Leihgaben entsprechend, wird nun dieser Fundus erstmals in Form einer Ausstellung der Öf-fentlichkeit präsentiert. Damit wird zugleich das subjektive Profil der Sammlung Schneppenheim jenseits seiner in die Stiftung Max Ernst eingegangenen, umfangreichen grafischen Kollektion gewürdigt.

Für Peter Schneppenheim war das Schlüsselerlebnis seiner Sammlertätigkeit der Besuch der Retrospektive, die 1951 von der Stadt Brühl zum 60. Geburtstag des Künstlers im Schloss Augustusburg veranstaltet wurde. Es war die bis dahin größte Ausstellung von Max Ernst überhaupt. Sie vermittelte einen umfassenden Überblick über das Schaffen von Max Ernst. Schneppenheims Faszination für die Bilder, die er überwiegend zum ersten Mal im Original bewundern konnte, war groß. Aus dieser spontanen
Begeisterung heraus wurde schließlich – von Max Ernst – „eine vorab gar nicht geplante, dann jahrzehntelange Sammlertätigkeit" ausgelöst: „Aus dem anfangs interessierten Laien wurde bald ein lernbegieriger, passionierter Sammler."

Der Titel »Das 20. Jahrhundert« verweist nicht nur auf die vieldeutig dunkle Darstellung des Gemäldes, sondern auch auf das Jahrhundert, in dem Max Ernst seine einzigartigen labyrinthischen Bildwelten schuf, die auch heute noch, im 21. Jahrhundert, von ihren formalen wie inhaltlichen Erfindungsreichtum künden und uns immer wieder in den Bann ziehen. Das Motiv der Landschaft ist ein grundlegendes Thema des Künstlers. Peter Schneppenheims erstes Ölbild von Max Ernst in seiner Sammlung ist »Les antipodes du paysage« (Die Antipoden der Landschaft), bei dessen Erwerbung seine Ehefrau Edith Schneppenheim eine ungewöhnliche Rolle spielt. Es war Ausgangspunkt für sein anhaltendes Interesse für dieses malerische Sujet. Ist doch die Landschaft besonders in der Tradition der Romantik zugleich Spiegel der Seele und öffnet den Blick nicht nur zur Außen-, sondern auch zur Innenwelt. Und in der Aufforderung der Bilder, diese Bezüge zu aktivieren und ohne rationale Selbstbeschränkung darin einzutauchen, liegt sicherlich auch die Möglichkeit, dem fordernden Arbeitsalltags eines Sammlers, der als Arzt tätig ist, etwas entgegenzusetzen.

Alexander Gutke

Kunsthalle Winterthur, July 7 – August 25 2013

Vanessa Beecroft
VB 67

Centre for Contemporary Art Ujazdowsly Castle Warszaw,July 8, 2013 - July 28, 2013

"VBmarmi.carrara" – is a performance by Vanessa Beecroft, an Italian artist residing in the United States, implemented within the frame of the International Sculpture Biennale of Carrara in 2010, which now renders as a video work. The piece is inspired by Studi Nicoli, the oldest sculpture studio in Carrara, in which hundreds of works were created using the famous white marble. The nude female bodies, which have always been used by artists as an element of strong stage presence as well as a medium, intersperse in this work with antique as well as modern statues in the Nicoli Sculpture Studio. "VBmarmi.carrara" becomes a pretext for the juxtaposition of unattainable aesthetic canons of fashion models with those of everyday women, to show that beauty is rarely found in perfection, but rather in particularities, which conclude a specific body as being unique. The canons of beauty are being brought up for discussion once again, with reference to history as well as occurring changes.
Each performance from Vanessa Beecroft is rooted in the artist's complex inner world, but remains strongly fastened in our times - as a reflection on woman's identity, on nature and the mystery of human existence. In her tableau vivants, the artist touches the deepest and most universal of human desires, employing a mix between classical and contemporary languages, between mystery, theatre, photography, painting, and fashion. The work is a recording of the artist's performance at the International Sculpture Biennale of Carrara.

Laura Knight

National Portrait Gallery London, 11 July . 13 Sept 2013

Dame Laura Knight (1877 –1970) was one of the most popular and pioneering British artists of the twentieth century. Her artistic career took her from Cornwall to Baltimore, and from the circus to the Nuremburg Trials. She painted dancers at the Ballet Russes and Gypsies at Epsom races, and was acclaimed for her work as an official war artist.

Knight used portraiture to capture contemporary life and culture, and her paintings are remarkable for their diverse range of subjects and settings. This exhibition of over 30 portraits will reveal Knight’s highly distinctive and vivid work, and also illustrate her success in gaining greater professional recognition for women in the arts.


Mus. Kuppersmühle Dusburg, 12. Juli bis 20. Oktober 2013

Die Werkschau setzt die Ausstellungsreihe „AKADEMOS“ fort, die in loser Folge die Arbeiten renommierter Professoren der Kunstakademie Düsseldorf im Museum Küppersmühle vorstellt. Eberhard Havekost ist seit 2010 Professor in Düsseldorf und gilt als Shootingstar der deutschen Malerei. In seinen Arbeiten reflektiert er die Welt, die Zivilisation, die Architektur, den Konsum und die Verhaltensweisen unserer von den Medien geprägten Gesellschaft auf unterschiedliche malerische Art und Weise. Seine Malerei basiert auf digitalem Fotomaterial von Menschen, Objekten oder Landschaften als Relikten unserer Zivilisation. Zuvor am Computer verändert, entzieht er die Aufnahmen ihrem ursprünglichen Kontext, die dann auf diese Art verfremdet Eingang in seine Werke finden. So entstehen Gemälde, die stets den Wahrheitsgehalt des auf den ersten Blick Wahrnehmbaren hinterfragen und den Betrachter sensibilisieren wollen für die Subjektivität unserer (Medien-)Welt.

Gironcoli: Context

André | Bacon | Barney | Beuys | Bourgeois | Brus | Klauke | Nauman | Schwarzkogler | West
Wien Orangerie, 12. Juli bis 27. Oktober 2013

Suzuki Osamu : Image in Clay

National Museum of Modern Art Kyoto, July 12 - August 25, 2013

One of the most representative potters of post-war Japan, SUZUKI Osamu (19262001) was born in the Gojo-zaka district of Kyoto, as the third son of the pottery wheel worker SUZUKI Ugenji, who worked for the Eiraku-kobo atelier, one of the ten craftsmen families for the House of Sen. Trained in pottery throwing techniques by his father from an early age, he decided to become a ceramic artist after World War-II, and established the avant-garde ceramist group "Sodeisha" in 1948, together with other young talented artists such as YAGI Kazuo and YAMADA Hikaru, in order to develop a new sculptural expression through ceramics. Their works did not have any practical use as containers, but pursued purely artistic quality in three-dimensional art. These works were received with astonishment by the people of the time, and were called "objet-yaki (non-functional ceramic objects)." However, SUZUKI continued to create his artworks with clay and fire, not as objects. His use of words such as "Deizo (lit., "clay statue 泥像")" or "Deisho (lit., "clay image 泥象")" in the titles of his works express his philosophy, thoughts and feelings toward his own pottery-making, and indeed might be considered as his answer to the enigma that is ceramic art.

Created with two different techniques such as "biscuit firing" which is applied with red engobe and fresh-colored "bluish white porcelain," SUZUKI's works are represented by gentle "forms" inspired by animals such as horses and birds, and natural phenomena such as the wind and clouds, which are expressed with a sharp, creative sensitivity. His rich and unique world of art, where the forms of his works, their titles and the images they suggest to the viewers correspond with one another, has deepened year by year, incorporating with literary elements. The first, full-scale retrospective after his death, this exhibition features approximately 150 works ranging from his early pieces to unpublished works from his later years. We trace the history of SUZUKI Osamu's ceramic art, which has transformed from "pottery for use" into "pottery for viewing" and eventually became "poetry ceramics."

Ernst Wilhelm Nay - Das Polyphone Bild

Gouachen, Aquarelle, Zeichnungen
Mönchehaus Goslar, 13.07. - 29.09.2013

(Kooperation mit dem Kunstmuseum Bonn und dem
Museum Liner Appenzell)
Eröffnung Sa. 13. 07. - 18 Uhr

The Beauty of Japanese-style Calligraphy

National Museum Tokyo, Heiseikan Special Exhibition July 13, 2013 - September 8, 2013

The history of Japanese calligraphy developed under the influence of Chinese calligraphy techniques. As Japanese styles of social systems and culture evolved in the mid-Heian period (around the 10th century), the renowned calligraphers Ono no Tofu, Fujiwara no Sari, and Fujiwara no Kozei appeared, who established the Japanese style of calligraphy. From then on, the tradition of Japanese-style calligraphy became central in the history of calligraphy in Japan. This exhibition introduces the allure of calligraphy by looking at its history, through an array of Japanese-style calligraphy masterpieces.

From Guercino to Caravaggio. Sir Denis Mahon and Seventeenth-Century Italian Art

13 July 2013 - 1 September 2013, Hermitage St. Petersburg, The Armorial Hall, the Winter Palace

Beautiful Mount Tianshan

National Art Museum of China, Bejing, 2013, July 13 – 19

Eiichiro Sakata - Enoshima

Hara Museum Tokyo, July 13 – September 29, 2013

The Hara Museum of Contemporary Art is pleased to present the first public showing of

Eiichiro Sakata's Enoshima

a photo series comprised mainly of landscapes encountered by the famed photographer during visits to Enoshima. Sakata, a master of portrait photography, began taking photos of summer beach goer s at the seaside resort south of Tokyo during the latter half of the 1990s. The results after 16 years of shooting are vibrant portraits of Japanese youth and vivid still lifes of their various belongings lying casually on picnic sheets ,scenes that may be thought of as ′′portraits without people.′′

Together, they show the truly variegated character and rapidly changing face of contemporary Japan. In total, some 40 color photographs will be shown (including about 10 portraits). "I hope people living in these complicated and unpredictable times will feel a positive energy in these images of young people, and that that energy will lift up their spirits.′′ Instilled in the exhibition is the sincere hope for the future, of a photographer who through his full engagement with his subjects and his sharp and perceptive eye has captured and recorded the genuine spirit of his times.

Unter vier Augen

Por­träts sehen, lesen, hören.

Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, 13. Juli bis 20. Ok­to­ber 2013

Wovon er­zäh­len Por­träts? Wie kön­nen wir über sie spre­chen? Diese Fra­gen ste­hen hin­ter dem Aus­stel­lungs- und Buch­pro­jekt „Unter vier Augen. Por­träts sehen, lesen, hören“. Es ver­wan­delt die Kunst­hal­le in der Zeit vom 13.7. bis 20.10.2013 in einen Raum, in dem Bild und Spra­che gleich­be­rech­tigt wahr­ge­nom­men wer­den.

Die Aus­stel­lung bringt 50 Spit­zen­wer­ke der Karls­ru­her Samm­lung aus 500 Jah­ren zur Spra­che: Nam­haf­te deutsch­spra­chi­ge Schrift­stel­ler/-in­nen, In­tel­lek­tu­el­le, Kunst- und Kul­tur­wis­sen­schaft­ler/-in­nen haben sich von Por­träts zu Tex­ten in­spi­rie­ren las­sen.

Es ent­stan­den viel­fäl­ti­ge An­nä­he­run­gen – in Form von Es­says, Ge­schich­ten und Ge­dich­ten, ver­fasst von Hans Bel­ting, Gott­fried Boehm, Wil­helm Ge­na­zi­no, Bri­git­te Kro­nau­er, Mi­cha­el Kumpf­mül­ler, Frie­de­ri­ke May­rö­cker, Eva Me­n­as­se, Herta Mül­ler, Silke Scheu­er­mann, Lutz Sei­ler, Peter Slo­ter­di­jk, Mar­tin Wal­ser, Juli Zeh u. v. a.

Die Texte öff­nen dem Be­trach­ter die Augen für Schön­hei­ten und Ei­gen­ar­ten der Bil­der und der Por­trä­tier­ten. Ne­ben­bei er­gibt sich ein Streif­zug durch die Ent­wick­lung der nie­der­län­di­schen, deut­schen und fran­zö­si­schen Por­trät­ma­le­rei von etwa 148o bis 198o.

Die Aus­stel­lung ver­eint unter an­de­rem Ge­mäl­de von Lucas Cra­nach d. Ä., Peter Paul Ru­bens, Rem­brandt Har­mensz. van Rijn, Eugène De­lacroix, Fried­rich Over­beck, Adolph von Men­zel, Edouard Manet, Au­gus­te Re­noir, Otto Dix, Ernst Lud­wig Kirch­ner u. v. a.

Retrospektive Kiki Kogelnik

Kunsthalle Krems, 14/07 - 06/10/2013

Opening Sa, 13/07/2013, 18:00

Kiki Kogelnik (1935–1997) zählt zu den international bedeutendsten Positionen der österreichischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Ihr facettenreiches Schaffen brachte ein Kaleidoskop von Bildwelten hervor: von wenig bekannten grafischen Arbeiten, abstrakt-informellen Kompositionen und von der Pop-Art beeinflussten Malereien über skulpturale „Hangings“ aus Vinyl bis hin zu den Werkgruppen der 1980er-/1990er-Jahre, die sich durch zunehmende körperliche Fragmentierung und Abstrahierung auszeichnen.

Bereits in den 1950er-Jahren zählt Kogelnik mit Rainer, Hollein, Mikl und Lassnig zum Kreis der jungen Avantgarde im Umfeld der Wiener Galerie nächst St. Stephan. Ihr malerisches Frühwerk zeigt Einflüsse nachmoderner Abstraktion, bewegt sich jedoch schnell hin zu informellen, gestisch formulierten Bildentwürfen. 1961 übersiedelt sie nach New York, freundet sich mit Lichtenstein, Oldenburg, Warhol und Wesselmann an und entwickelt eine eigenständige Variation der Pop-Art. Fasziniert von der Urbanität und Vitalität New Yorks widmet sie sich Fortschrittsthemen wie der Weltraumfahrt, ohne über gesellschaftspolitische und militärische Aspekte hinwegzusehen. Auf die erste Welle des Feminismus antwortet Kogelnik in den 1970er-Jahren mit Frauenbildern, in denen sie weibliche Klischees auf ironische Weise demontiert und sexuelle Attribute und Schönheitsideale der Medienwelt paraphrasiert.

Kurator(inn)en: Brigitte Borchhardt-Birbaumer,
Hans-Peter Wipplinger

The Biennial of the Americas

Denver, Colorado, 16th July

The Biennial of the Americas is an international festival of ideas, art, and culture hosted in Denver, Colorado, that provides a nonpartisan platform for leaders in business, government, civil society, and the arts to examine the significant issues impacting life in the Americas.

Beginning on July 16, the Biennial will bring together leaders from throughout the Americas for four days of thought-provoking symposia and peer-to-peer workshops (called clínicas) to explore the theme – Unleashing Human Potential: Reinventing Communities, Business, and Education. The Biennial will also present a public exhibition of art and architectural installations, titled Draft Urbanism, and will work with local institutions to highlight the innovation and creativity of the region.

The Present Order is the Disorder of the Future

Kurhaus Kleve, 14.07.2013–15.09.2013

In einer thematischen Gruppenausstellung vereint das Museum Kurhaus Kleve Werke von insgesamt elf Vertretern der internationalen Gegenwartskunst: Saâdane Afif, Edgar Arceneaux, Birgit Brenner, Lutz Dammbeck, Sam Durant, Ian Hamilton Finlay, Michael Kunze, Atelier van Lieshout, Olaf Nicolai, Tejal Shah und Artur Żmijewski.

Der Titel der Ausstellung, „The Present Order is the Disorder of the Future“, bezieht sich auf einen Ausspruch des französischen Revolutionärs und Schriftstellers Saint-Just – ein Bekenntnis zur Veränderbarkeit gesellschaftlicher Verhältnisse, in dem auch das Risiko aller Utopien aufscheint: die Gefahr, dass Tugend in Terror umschlägt und alte Machtstrukturen von neuen abgelöst werden.

Die Künstler der Ausstellung thematisieren diese Spannung zwischen Vision und Wirklichkeit mit den Mitteln und den Medien unserer Zeit – offen in ihren Urteilen und Referenzen. Gleichsam die Basis liefert dabei eine Arbeit des schottischen Konzeptkünstlers Ian Hamilton Finlay, die das Zitat von Saint-Just in Stein gemeißelt zeigt.


Leum Samsung Museum Seoul, 2013, July 18 – Oct. 20

Richard Rogers RA: Inside Out

Royal Acadeny London, 18 July—13 October 2013

In Burlington Gardens

Richard Rogers RA is one the most successful and influential architects in the world. He is responsible for some of the most radical designs of the 20th century, including the Pompidou Centre in Paris (with Renzo Piano), Lloyd’s of London and the Law Courts in Bordeaux. 'Inside Out' will reveal the man and the ideas behind these pioneering buildings.

Contemporary Art Collections from Fundació MACBA and Fundació "la Caixa"

Fundació MACBA Barcelona, 19 July 2013 to February 2014

Opening: 18 July 2013

In the last two years, MACBA has been running a programme of exhibitions centred round its collection and works on deposit. First it was decided to dedicate the first floor of the Museum to the showing of the Collection and to turn this into the foundation of the institution’s mission. Now a more intensive notion of the contemporary heritage has been set in motion in order to write a set of narratives centred on the recent past.

The exhibition will continue in a third venue at CaixaForum Barcelona. The two institutions wish to bring Barcelona closer to other contemporary art European capitals thanks to the 2010 agreement to unite the collections of MACBA and the Fundació La Caixa.

You Guanlin Photograhy Exhibition,

National Art Museum of China, Bejing, 2013, July 19 – Aug. 2

Walker Evans American Photographs

MoMA New York, July 19, 2013–January 26, 2014

This installation celebrates the 75th anniversary of the first one-person photography exhibition at MoMA, and the accompanying landmark publication that established the potential of the photographer’s book as an indivisible work of art. Together and separately, through these projects Walker Evans created a collective portrait of the Eastern United States during a decade of profound transformation—one that coincided with the flood of everyday images, both still and moving, from an expanding mass culture and the construction of a Modernist history of photography.

Comprising approximately 60 prints from the MoMA collection that were included in the 1938 book or exhibition, the installation maintains the bipartite organization of the originals: the first section portrays American society through images of its individuals and social contexts, while the second consists of photographs of American cultural artifacts—the architecture of Main streets, factory towns, rural churches, and wooden houses. The pictures provide neither a coherent narrative nor a singular meaning, but rather create connections through the repetition and interplay of pictorial structures and subject matter. The exhibition's placement on the fourth floor of the Museum—between galleries featuring paintings by Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jackson Pollock, and Andy Warhol—underscores the continuation of prewar avant-garde practices in America and the unique legacy of Evans’s explorations of signs and symbols, commercial culture and the vernacular.

R. B. Kitaj

Die Retrospektive

19. Juli bis 27. Oktober 2013
Kunsthalle Hamburg, Galerie der Gegenwart, 2. Obergeschoss

Gelten R. B. Kitajs komplexe und mysteriös anmutende Werke bisweilen als verrätselt, viel-schichtig und provokant, zeigt die Ausstellung, aus welchen Elementen, Vorbildern und Inspirationen seine Bilder komponiert sind. R. B. Kitaj (1932-2007) gehört zusammen mit David Hockney, Frank Auerbach und anderen Künstlern zu den zentralen Vertretern der School of London, die in den frühen sechziger Jahren begannen, mit einer farbintensiven, figürlichen Malweise Alternativen zur vorherrschenden Stilrichtung der Abstraktion zu formulieren. Präsentiert werden in dieser ersten umfassende Retrospektive seit Kitajs Tod vor fünf Jahren die rätselhaften Gemälde der frühen sechziger Jahre, die in Vergessenheit geratenen Materialcollagen, die großformatigen Pop Art-ähnlichen Gemälde, die Siebdrucke der zweiten Hälfte der sechziger Jahre und die späten Los Angeles-Bilder. Die Ausstellung zeigt, wie Kitajs jüdische Identitätssuche einer künstlerischen Spurensuche nach den Bedingungen der Existenz im 20. Jahrhundert gleicht, die von Entfremdung und der Erschütterung aller existentiellen Sicherheiten geprägt ist. Kitaj entwickelte die Vorstellung von einem ‚künstlerischen Diasporismus' als Grundlage für seine radikal neuen figürlichen Formfindungen, die reiche Bezüge sowohl zu literarischen Vorbildern als auch zur Alltagskultur seiner Zeit herstellen: „Ganz und gar Amerikaner, im Herzen Jude, zur ‚London School' gehörig, verbringe ich meine Jahre weit entfernt von den Ländern, an denen mein Herz hängt [...] In der Diaspora habe ich erfahren, dass man frei ist, alles zu wagen; an vielen anderen Orten kann man das nicht."
Bisher unveröffentlichte Bild- und Textvorlagen aus dem Nachlass Kitajs bieten die Gelegenheit, die Bildquellen des Künstlers zu studieren und so einen völlig neuen Einblick in sein dichtes künstlerisches Werks zu gewinnen. Ein besonderes Augenmerk gilt vor allem dem in Hamburg geborenen Kulturwissenschaftler Aby Warburg, von dessen vergleichender ikonologischer Methode Kitajs Malerei seit seiner Studienzeit in Oxford stark beeinflusst ist.

In Zusammenarbeit mit dem Jüdischen Museum Berlin, dem Jewish Museum London, Pallant House Gallery in Chichester, GB, und der Kulturprojekte Berlin GmbH.

Micha Bar-Am: Dividing Line
Photographs from the Yom Kippur War

Tel Aviv Museum of Art, 19 July 2013 - 26 October 2013

The exhibition, which marks the 40th anniversary of the Yom Kippur War, comprises forty photographs taken by Micha Bar-Am before, during and within the war. Most are shown for the first time and reveal a new facet in the photographer’s unique work. The exhibition examines Bar-Am’s involved position, who says that “the decision where to be and what risk to take is up to the photographer.”

Isamu Noguchi - Sources of his Art

Hiroshima Museum of Art, 20 July – 14 October, 2013

Slapstick - Charlie Chaplin, Buster Keaton, Laurel & Hardy etc. „meet“ Bruce Nauman, John Bock, Francis Alÿs etc.

20.07.2013 – 02.02.2014, Kunstmuseum Wolfsburg

Die Ausstellung im Kunstmuseum Wolfsburg stellt Werke zeitgenössischer Künstler in den Kontext der stummen Slapstickfilme aus der Frühzeit der Filmgeschichte. Sie verfolgt somit die Charakteristika des Slapstick bis in die Gegenwartskunst. Objekte, Installationen, Fotografien und Filme von Künstlern wie John Bock, Rodney Graham, Wilfredo Prieto, Erwin Wurm, Fischli/Weiss, Bruce Nauman oder Francis Alÿs werden in einem lockeren Ausstellungsparcours mit ausgewählten Schlüsselsequenzen aus bekannten Streifen der Klassiker des Stummfilms wie Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd oder Laurel & Hardy kombiniert.

Der Slapstick war ursprünglich ein einfaches Theaterrequisit, das ein Schlaggeräusch imitierte. Aus dieser Narrenpritsche entwickelte sich die Bezeichnung für ein ganzes Genre. Die Geschichte der Slapstickkomödie lässt sich von der italienischen Volkskomödie, der Comedia dell’arte über das Vaudeville Theater bis hin zu den frühen Slapstickfilmen des 20. Jahrhunderts verfolgen. Die Tücken der Bananenschale, Tortenschlachten, Prügeleien und Verfolgungsjagden, aber auch die kleinen Arglisten des Alltags und der Kampf zwischen Mensch und Maschine sind zu berühmten Slapstickeinlagen geworden. Bildende Künstler sind den großen Meistern auf den Fersen und haben sich immer wieder die kulturellen Codes des Slapstick zu Nutze gemacht. Sie spielen in ihren Arbeiten in unterschiedlichen Medien gezielt mit Slapstickzitaten, Motiven und Konzepten, die dem Genre entlehnt sind.,_Buster_Keaton,_Laurel_&_Hardy_etc._%E2%80%9Emeet%E2%80%9C_Bruce__Nauman,_John_Bock,_Francis_Al%C3%BFs_etc.

Auf Zeit

Was hinter dem Putz steckt

Staatl. Kunsthalle Baden Baden, 20.7.2013 – 27.10.2013

Im Fokus von zwei zeitgleich stattfindenden Ausstellungen der Kunsthallen in Bielefeld und Baden-Baden steht die Wandmalerei seit den 1960er Jahren. Die Beschäftigung der Künstler mit dem Raum außerhalb der klassischen Bildgrenzen, der "Ausstieg aus dem Bild", wie ihn Laszlo Glozer in der Kunst des 20. Jahrhunderts beobachtet hat, markiert die Sprengkraft dieser wegweisenden Kunstform.

Die Ausstellungen mit dem gemeinsamen Titel
Auf Zeit nehmen ihren Ausgang in der Rekonstruktion zentraler Arbeiten von Sol LeWitt, Lawrence Weiner und Blinky Palermo. In Baden-Baden wird darüber hinaus eine ausgewählte Sammlung von Archivmaterial präsentiert. Hier werden Ausstellungen dokumentiert, die in der Vergangenheit in der Kunsthalle realisiert wurden, u.a. mit Wandarbeiten von Daniel Buren, Günther Förg, Hamish Fulton, Gerhard Merz, Helmut Middendorf, Blinky Palermo, Guiseppe Penone, Karin Sander und K.R.H. Sonderborg.

Einst als rebellische Geste gegenüber dem Kunstmarkt verstanden, sind temporäre Wandarbeiten und -installationen heute fester Bestandteil zeitgenössischer Kunstproduktion. Um den Bogen in die Gegenwart zu schlagen, werden in Baden-Baden Wandgemälde von Franz Ackermann und Malene Landgreen sowie verschiedene Wandarbeiten von Elmgreen & Dragset, Pierre Huyghe, Gabriel Kuri, Liz Larner, Christl Mudrak und Nedko Solakov präsentiert. Zur Ausstellung "Auf Zeit" erscheint ein umfangreicher, dreiteiliger Katalog.

Pressekonferenz: Donnerstag, 18.7.2013, 11 Uhr
Direktorentreffen: Freitag, 19.7.2013, 18 Uhr

Eröffnung: Freitag, 19.7.2013, 19.30 Uhr

Ausstellungsdauer: 20.7. – 27.10. 2013

The Mediterranean World: The Collections from the Louvre

TOKYO METROPOLITAN ART MUSEUM, The Beauty of Japanese-style Calligraphy, Jul 20 Sat – Sep 23 Mon, holiday

The Mediterranean is a point where Western and Eastern cultures dynamically intersected.

The region’s 4000 year history will be traced by more than 200 masterpieces in the

Louvre’s proud possession. This exhibition, produced by all of the Louvre’s eight art

departments, will feature a wide variety of sculptures, paintings and crafts to present the charms of the Mediterranean.

Ken Currie | New Works

Scottish National Portrait Gallery Edinburg, 20th July − 22nd September 2013

Ken Currie is one of the outstanding figurative painters of his generation. The Glasgow-based artist is renowned in the context of the Portrait Gallery for his haunting, luminous painting Three Oncologists (2002) and his searing self-portrait Unfamiliar Reflection (2006). Widely admired for his intensely powerful and provocative work, the portraiture of the Old Masters, such as Velasquez, Goya and David has always fascinated Currie, and his own work has often obliquely engaged with its traditions and concerns. In this exhibition of new paintings, on public view for the first time, Currie meditates upon the idea of the portrait, its origins and purposes, and its continued significance in the modern world.


Le­ben mit Pop. Ei­ne Re­pro­duk­ti­on des Ka­pi­ta­lis­ti­schen Rea­lis­mus

Kunsthalle Düssledorf, 21. Ju­li – 29. Sep­tem­ber 2013

Man­fred Kutt­ner, Kon­rad Lueg, Sig­mar Pol­ke und Ger­hard Rich­ter
Mit ei­nem Bei­trag von Chris­to­pher Wil­liams

Für Spät­som­mer 2013 plant die Kunst­hal­le Düs­sel­dorf ein gro­ßes Aus­stel­lungs­pro­jekt zum Ka­pi­ta­lis­ti­schen Rea­lis­mus. Ger­hard Rich­ter, Kon­rad Lueg, Sig­mar Pol­ke und Man­fred Kutt­ner präg­ten die­sen Be­griff an­läss­lich ih­rer selbst or­ga­ni­sier­ten Aus­stel­lung in ei­nem leer­ste­hen­den La­den­lo­kal in der Kai­ser­stra­ße 31a in Düs­sel­dorf An­fang 1963. Ob­wohl sie selbst ihn nur

kur­ze Zeit ver­wen­de­ten und sich von der Wahr­neh­mung als Künst­ler­grup­pe schnell dis­tan­zier­ten, re­prä­sen­tiert der Ka­pi­ta­lis­ti­sche Rea­lis­mus ei­ne spe­zi­fi­sche Kunst­auf­fas­sung der west­deut­schen Nach­kriegs­zeit und wird bis heu­te kon­tro­vers dis­ku­tiert: Iro­nie? Ver­mark­tungs­stra­te­gie? Kunst­rich­tung? Ge­sell­schafts­kri­tik? War es Flu­xus? Was steckt hin­ter dem My­thos, der sich mit dem La­bel Ka­pi­ta­lis­ti­scher Rea­lis­mus ver­bin­det?

An­lass der Schau ist nicht nur das 50-jäh­ri­ge Ju­bi­lä­um der Ent­ste­hung des Be­griffs im Jahr 2013 son­dern vor al­lem die Tat­sa­che, dass die­sem wich­ti­gen Phä­no­men bis­lang noch kein um­fas­sen­des Aus­stel­lungs­pro­jekt ge­wid­met wur­de. Im Zen­trum steht die Ak­ti­on Le­ben mit Pop – De­mons­tra­ti­on für den Ka­pi­ta­lis­ti­schen Rea­lis­mus, die Ger­hard Rich­ter und Kon­rad Lueg 1963 im Mö­bel­haus Ber­ges in Düs­sel­dorf ver­an­stal­te­ten, aber auch die so­ge­nann­te Vor­gar­ten­aus­stel­lung in der Wup­per­ta­ler Ga­le­rie Par­nass und wei­te­re Ge­mein­schafts­ak­tio­nen und -aus­stel­lun­gen wie die Hom­mage an Schme­la, pol­ke/rich­ter in der Ga­le­rie h in Han­no­ver so­wie die von René Block or­ga­ni­sier­ten Aus­stel­lun­gen. Block, den die Mög­lich­kei­ten ei­ner neu­en künst­le­ri­schen Aus­ein­an­der­set­zung mit der Rea­li­tät fas­zi­nier­ten, über­nahm mit Grün­dung sei­ner ers­ten Ga­le­rie in Ber­lin 1964 den Be­griff als ein leit­mo­ti­vi­sches Schlag­wort für sei­ne Ga­le­rie­ar­beit und po­li­ti­sier­te ihn da­mit auch vor dem Hin­ter­grund der deut­schen Tei­lung. Ei­ne wei­te­re Sek­ti­on der Aus­stel­lung

Fukuda Miran


The reopened museum will hold a series of solo exhibitions featuring contemporary artists who are associated with the museum as well as with the Ueno area. The first in the series will focus on Miran Fukuda (born 1963) who established her style early in her career and continues to present ingenious works. This exhibition will compose the museum’s gallery space with about 70 representative works created since the 1990s, also including pieces newly created that are associated with Tokyo University of the Arts, where she graduated, and pay homage to Kunio Mayekawa, the architect who designed the museum.

Brush and Ink Inheritance

National Art Museum of China, Bejing, 2013, July 23 – Aug. 2

Vast and Romantic-Chen Wencan Lacquer Painting And Chinese Painting

National Art Museum of China, Bejing, 2013-07-23 To 2013-08-02

Chen Wencan was born at Putian in August 1944 and graduated from Xiamen Institute of Arts and Crafts in 1965. Chen has been a cadre of the 2nd Light Industry Office of Fujian Province, Drawing Team Leader of General Department of Planning Commission of Fujian Province, Schoolmaster and Party Secretary of Fujian Arts and Crafts School and Executive Vice-president and Party Secretary of Xiamen Institute of Arts and Crafts of Fuzhou University, Professor and Master Tutor.

From the first enrollment of Fujian Arts and Crafts School, Professor Chen Wencan established lacquer painting discipline and did art teaching with Fujian characteristics. He led his polished lacquer painting students and staff win gold and silver medal in The 9th National Art Exhibition, achieving the zero breakthrough for Fujian art that ranks number 7 of the nation from previously the 4th place from the bottom. Professor Chen’s large lacquer murals “Spring of Mount Wuyi”, “Double Pools Mirroring the Moon” and shoushan stone carving mosaic mural “Fujian Landscape” are displayed in Fujian Hall and Taiwan Hall of the Great Hall of the People. His large polished lacquer paintings “Landscape of Mount Wuyi”, “Narcissus”, “Celebration of the Lantern Festival in Fujian”, “Green Pool”, “Verdancy of Old Banyan” are displayed at provincial Party committee, provincial government, Provincial People’s Congress and Provincial CPPCC. Chen’s lacquer painting “Big Migration” has been collected by National Art Museum of China.

Korea Artist Prize 2013

National Museum of Modern and Contemporary Art Seoul, 23 July, 2013 - 20 October, 2013 / Gallery 1,2 and Main Hall / TBA

Korea Artist Prizeis a revamped edition of Artist of the Year, an annual exhibition with 15-year history that was first established in 1995. Co-sponsored by the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea and SBS Foundation, Korea Artist Prize adopted an award and sponsorship system. Its first edition last year signaled a successful start, garnering a great deal of attention from media and the public.
Now in its second year, the 2013 Korea Artist Prize seeks to identify and support talented artists who represent the vast potential and future vision of Korean contemporary art through the works that have significantly contributed to the development and advancement of Korean art. Offered in conjunction with an exhibition of works by the selected artists, the 2013 Korea Artist Prize adheres to its mission of promoting a vibrant art scene in Korea and presenting new trends and discourses within Korean contemporary art. The selection process of the 2013 Korea Artist Prize involved a selection of ten recommenders and five judges by its management committee. The ten recommenders, including representatives from the museum as well as other critics and scholars of Korean art, submitted their artist recommendations. These recommendations were then carefully reviewed by the five judges representing both the domestic and international art community. The review process resulted in the final four candidates of Korea Artist Prize: Sung-Hun Kong, Meekyoung Shin, Haejun Jo, and Yang Ah Ham. These four artists will showcase their works in 2013 Korea Artist Prize exhibition, which is to be held at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea from July 19 to October 20, 2013.
In September, the final evaluation will take place based on the works included in the exhibition, to select the recipient of the 2013 Korea Artist Prize. We ask for the audience's continued interest and support as we await with great anticipation the selection of the winner among the outstanding four artists presented here.

Indifferent Matter: From Object to Sculpture

Henry Moore Institute Leeds, 25 July - 20 October 2013

Through the act of naming and the power of display, Indifferent Matter examines how an 'object' becomes a 'sculpture'. Ancient objects are displayed alongside iconic late-twentieth century works that radically changed the ways sculpture is understood. Neolithic Chinese jade bi discs and t'sung columns are displayed alongside Felix Gonzalez-Torres' '"Untitled" (Placebo)' (1991), a field of silver-wrapped sweets consumed by visitors at will, and replenished at the end of each day. An unidentified Roman portrait bust and the fragments of a life-size figure, both by an unknown author and of an unknown sitter, sit within a museum display structure, made specifically for this exhibition by British artist Steven Claydon. This sculptural setting is surrounded by Andy Warhol's 'Silver Clouds' (1966); helium-filled balloons floating in space. A mineral specimen, yet to be named and classified, is presented beside Hans Haacke's 'Condensation Wall' (1963-66), a Perspex box that grows condensation inside itself in response to the carefully regulated humidity conditions of the gallery spaces. The jades, Roman sculptures and mineral matter, and the objects by Gonzalez-Torres, Haacke and Warhol all require the very act of exhibiting to become sculptures.

Richard Jackson. Ain't Painting a Pain

25. Juli bis 13. Oktober 2013, Museum Villa Stuck München

2013 jährt sich zum 150. Mal der Geburtstag des Münchner Künstlerfürsten Franz von Stuck. Als einer der Protagonisten der Kunstszene um 1900 und als Vorreiter einer Avantgarde an der Schwelle vom 19. Jahrhundert in die Moderne gehört Stuck zu den bedeutenden Künstlerpersönlichkeiten Deutschlands. Aus diesem Anlass bereitet die Villa Stuck ein internationales Jubiläumsprogramm vor, das die Rolle Stucks als wegweisenden Künstler unter Beweis stellt. Das Jubiläumsprogramm besteht aus großen Ausstellungsprojekten, flankiert durch ein umfangreiches Vermittlungsprogramm und ergänzt durch Publikationen.

Mit »Ain’t Painting a Pain« zeigt das Museum Villa Stuck von 25. Juli bis 13. Oktober 2013 die erste Retrospektive des amerikanischen Malers Richard Jackson (geb. 1939 in Sacramento, Kalifornien) in Zusammenarbeit mit dem Orange County Museum of Art in Newport Beach, Kalifornien. »Richard Jackson. Ain’t Painting a Pain« (»Ist die Malerei nicht eine Qual«) ist die erste Retrospektive zu einem der radikalsten Künstler der letzten vierzig Jahre, organisiert durch das Orange County Museum of Art, Los Angeles. Seit den frühen 1970er Jahren hat Jackson die Definition und die Praxis der Malerei mehr als jeder andere zeitgenössische Künstler erweitert. Die Ausstellung beginnt mit seinen großformatigen ortsspezifischen Wandmalereien und in Raumgröße gemalten Environments und spannt sich über seine monumentalen, gestapelten Leinwände bis hin zu neueren anthropomorphen Mal-Maschinen. Sichtbar wird Jacksons höchst innovativer, überschwänglicher und respektloser Umgang mit dem Action Painting, das er auf dramatische Weise ausweitet in performative Dimensionen, mit der Bildhauerei vereint und es positioniert als eine Kunst der alltäglichen Erfahrung.

Wortkünstler/Bildkünstler. Von Goethe bis Ringelnatz. Und Herta Müller

Overbeck Gesellschaft Lübeck, 26.07. - 20.10. 2013

Künstlerische Doppelbegabungen sind keine Seltenheit. Immer wieder haben sich kreativ Schaffende in künstlerischen Medien hervorgetan, die nicht ihrer originären Betätigung entsprechen. Dichter, deren eigentliche künstlerische Wirkung im geschriebenen Wort liegt, haben vielfach eigenständige bildkünstlerische Werke geschaffen, die das Spektrum der Kreativität erweitern und vollkommen neue Aspekte künstlerischen Ausdrucks dokumentieren. Malerei wie Zeichnung stehen hier gleichberechtigt neben dem schriftstellerischen Anspruch des primären Werkes.

Die Literaturnobelpreisträgerin Herta Müller (*1953) ist Wortkünstlerin und Wortsammlerin. Sie sammelt Worte aus den Printmedien ein. Diese Worte sind der Fundus, aus dem sie Wortbilder entwickelt. In ihren Collagen fügen sich Worte aus fremden Kontexten zu einem neuen Ganzen, das die Fantasie des Betrachters beflügelt.

Die Overbeck-Gesellschaft zeigt in Kooperation mit dem Museum Behnhaus Drägerhaus ein Ausstellungsprojekt der Internationalen Tage Ingelheim.

Thomas Scheibitz

BALTIC Gateshead, UK, 26 July 2013 - 3 November 2013

In 2013 BALTIC will present an exhibition of recent work by Thomas Scheibitz, one of the leading German artists of his generation. This large-scale presentation including painting, sculpture and works on paper will retrace the conceptual and painterly development of Scheibitz’s career with a particular focus on the theme of the human figure, and the determination of form between figuration and abstraction.

Thomas Scheibitz: ONE-
Time Pad is organised by MMK Museum für Modern Kunst Frankfurt am Main.

17th Biennial of Cerveira

Cerviera Portugal, July 27th to September 14th, 2013.

Art: Crisis and transformation will be the subject of debate and reflection of the oldest art biennial of the country, under the artistic direction of Augusto Canedo.

The Biennial of Cerveira, which will celebrate in its 17th edition, 35 years, keeps structured according to the model that characterized along a route which started in 1978. Thus, the event will include an International Competition, an Honoured Artist, Curatorial Projects, Guest Artists, Performances, Artist Residencies, Workshops and Children’s Ateliers, Debates and Conferences, Guided Tours to exhibitions and Concerts.

The Biennial of Cerveira, directed to the promotion of contemporary art, is an event supported by a national and international renown and reputation, combining the art in its various expressions to a territorial space characterized by its quality of life. In its 16th edition, the Biennial of Cerveira received more than 100 thousand visitors.

Angels, Demons, and Savages:

Pollock, Ossorio, Dubuffet

Parrish Art Museum New York, July 21, 2013 to October 27, 2013

Co-organized by The Phillips Collection, Washington, D.C., and the Parrish Art Museum, this exhibition reveals a rare cross-cultural artistic dialogue among three prominent artists—American painter Jackson Pollock; Filipino-American artist and patron of European and American postwar art Alfonso Ossorio; and French painter Jean Dubuffet. Approximately 50 paintings and works on paper, focusing on the period from 1948 to 1952 highlight visual affinities among the three artists at pivotal moments in their careers. Curated by Klaus Ottmann, Director of the Center for the Study of Modern Art and Curator at Large at The Phillips Collection, the exhibition is accompanied by a fully-illustrated 140-page catalogue, published by Yale University Press.

The Lady and the Unicorn from the Musee de Cluny, Paris, France

National Museum of Art, Osaka, July 27– October 20, 2013

The Lady and the Unicorn, a six-part tapestry renowned as one of the greatest masterpieces of Medieval European art, will be making its first visit to Japan. In addition to this work, dealing with the theme of the legendary one-horned creature, we present the splendid world of beauty that blossomed in Europe during the Middle Ages through approximately 40 exquisite gems, including related sculptures, personal accessories, and stained glass, from the French national museum’s collection.

Witches & Wicked Bodies

27th July − 3rd November 2013

Modern Two (Scottish National Gallery of Modern Art) Edingburg

Delve into the world of Witches and Wicked Bodies in this major new exhibition coming in summer 2013.

Discover how witches and witchcraft have been depicted by artists over the past 500 years, including works by Albrecht Dürer, Francisco de Goya and William Blake, plus pieces by 20th century artists such as Paula Rego and Kiki Smith.

Through 16th and 17th century prints and drawings, learn how the advent of the printing press allowed artists and writers to share ideas, myths and fears about witches from country to country.

Including major works on loan from the British Museum, the National Gallery (London), Tate, the Victoria & Albert Museum, as well as works from the Galleries’ own collections, Witches and Wicked Bodies will be an investigation of extremes, exploring the highly exaggerated ways in which witches have been represented, from hideous hags to beautiful seductresses.

Supported by the Patrons of the National Galleries of Scotland


Museum der Moderne Salzburg, 27.07.2013- 27.10.2013

Mit der Rolle von Klischees und geläufigen Themen setzte sich das Schweizer Künstlerduo Peter Fischli/David Weiss (1979-2012) viele Jahre auseinander und betitelte eine mehrteilige Serie von ca. 40 C-Prints 1997/98 Flowers, Mushrooms. Diese Werkserie und das Ansinnen der Künstler nimmt die Sommerausstellung Flowers & Mushrooms im MdM SALZBURG zum Anlass, eben diese Klischees und die Vielzahl an Bedeutungsebenen von Blumen und auch Pilzen als Symbolträger in der zeitgenössischen Kunst anhand einer Auswahl von Werken aus den Bereichen Fotografie, auf Fotografie basierender Malerei, Video und Plastik/Installation zu untersuchen. Dabei werden Kategorien wie Herrschaft, Vanitas, Erotik, Lebenszyklus und Politik ebenso kritisch untersucht wie Bedrohung und Kitsch. Blumen werden heute vorrangig mit ihrer dekorativen Funktion in Verbindung gebracht. Ihr hübsches, schmückendes Erscheinungsbild gilt seit dem Biedermeier als Sinnbild für ein perfektes gutbürgerliches Interieur. Eine nähere Betrachtung der vielfältigen symbolischen Verwendung in der Kulturgeschichte bringt weitere Bedeutungsebenen, die sich nicht selten auch auf das Ambivalente und Abgründige der menschlichen Existenz beziehen, zum Vorschein. Die zeitgenössische Kunst greift, wie die Ausstellung zeigt, diese lange und komplexe Bildtradition von Blume und Pilz auf und führt sie im alten Sinne, wie auch in einer Erweiterung um neue Themen fort.



Gabriel Orozco

Edinburg Friutmarket, 1 Aug. – 17 Oct. 2013

Gabriel Orozco (born Jalapa, Veracruz, 1962) is one of the foremost international artists of our age. Rising to prominence in the early 1990s, he has developed a consistently innovative practice, making work which not only captures the imagination but also powerfully engages with key material and conceptual issues of what it is to make art.

This new exhibition takes the 2005 painting The Eye of Go as its starting point, and looks at how the circular geometric motif of this painting – part of a way of thinking for Orozco, a way to organise ideas of structure, organisation and perspective – migrates onto other work, recurring in other paintings, sculptures and photographs. A highlight of the exhibition is a series of large geometric works on acetate, made in the mid 1990s, yet never before exhibited. Rather than surveying the whole range of Orozco’s practice, the exhibition seeks to cut a conceptual slice through it, to look deeply into the mechanics of the artist’s thinking and working process. Not only does the exhibition propose a different view of Orozco’s major contribution to changes in art in the 90s but it brings to the fore the urgent problem of art’s ‘makeability’ now.


Tel Aviv Museum of Art, 02 August 2013 - 23 November

Three major projects, each spread on a separate level of the Pavilion, comprise this exhibition by artists who deal with sound in a visual way. Each of the works delivers sound as physical presence in space and examines the term “show” while conceptually and physically deconstructing it within the exhibition space.
Participating artists: Janet Cardiff (born in Canada, 1957), Naama Tsabar (born in Israel, 1982) and Alona Rodeh (born in Israel, 1979).

Fiona Tan

21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa , August 3, 2013 - Sunday November 10, 2013

Traveling freely between documentary and fiction, Fiona TAN creates video and photographic artworks with richly poetic visual language. Weaving together the abstract fragments of time and space inhabiting human memory, she produces a new image.

Alongside with:

Isabel & Alfredo Aquilizan

Through the nomadic seafaring lifestyle of the Badjao people, this exhibition will enable us to share the historical and cultural background of “marginalization” and newly understand the character of our contemporary world.

Peter Doig | No Foreign Lands

3rd August − 3rd November 2013

Academy (Scottish National Gallery) Edinburg

A major exhibition of the work of Peter Doig (b. Edinburgh 1959), one of the most internationally-renowned painters working today.

No Foreign Lands surveys the paintings and works on paper that Doig has created during the past 10 years, with a particular emphasis on the artist's approach to serial motifs and recurring imagery. These works are exotic in their subject matter, formally spare and monumental at the same time, and show Doig working at the height of his extraordinary powers.

Over the period covered by this exhibition Doig has split his time between Trinidad, London and Düsseldorf. His peripatetic life and memories of growing up in Canada (he left Edinburgh as a small child) and studying and living in London for 20 years have given him a particularly rich visual knowledge, that cross fertilizes his works, wherever the motifs are taken from. As fellow Scot, Robert Louis Stevenson, wrote in The Silverado Squatters: ‘There are no foreign lands. It is the traveller only who is foreign.’ Although Doig may travel a lot, he is no foreigner seeking out the exotic. Rather his eye spots that significant detail which transcends locale and spans both time and space.

Over a career of nearly three decades, Doig has reinvigorated a medium considered by many to have fallen into irrelevance. His inventive style, uncommonly sensuous palette and suggestive imagery set him apart from the conceptualism dominating much of contemporary art. A willingness to take up the challenge still posed by the paintings of Gauguin, Matisse, Bonnard, Marsden Hartley and Edward Hopper places him in a long line of great colourists, expressive handlers of paint and creators of richly textured worlds.

This will be the first major exhibition of Doig’s work to be shown in the country of his birth. After Edinburgh it will travel to Canada, where it will be shown at the Montreal Museum of Fine Arts.


Sammlung Essl, Klosterneuburg bei Wien, 04.09. – 17.11.2013

Kurt Kappa Kocherscheidt ist einer jener Künstler der Nachkriegsgeneration in Österreich, der einen ganz eigen- ständigen Weg gegangen ist, abseits des Mainstream. Fernab von der Wiener Schule oder den Abstrakten um die Galerie St. Stephan entwickelte er seinen von ihm sogenannten „tropischen Stil“, in vornehmlich Erd- und Ockertönen kraftvoll gemalte geometrischen Figuren, in archaischen Formen wie Kegel, Kubus, Zylinder oder Trapez. Kocherscheidt hat aber auch seine malerische Qualität auf den Bereich der Skulptur ausgeweitet und teils riesige unbehandelte Birnen- oder Eichenhölzer in Schwarz- und Brauntönen bemalt. „Nicht zuletzt in diesem Ineinanderfließen von Zeitlosigkeit und Zeitgenossenschaft liegt die große Kraft von Kocherscheidts Kunst“, sagt der Kunsthistoriker Michael Lüthy.
Das Essl Museum widmet dem 1992 verstorbenen Künstler die erste große Retrospektive seit vielen Jahren. Als Partnerin der Ausstellung konnte die Frau des Künstlers, die Fotografin Elfie Semotan gewonnen werden. Kurator ist der deutsche Kunsthistoriker Veit Loers. Werke aus der Sammlung Essl, der Sammlung Semotan und Sammlung Morath werden gezeigt.

Auf Zeit Wandbilder Bildwände

Kunsthalle Bielefeld, 04 Aug 13 - 20 Okt 13

In zwei zeitgleichen Ausstellungen widmen sich die Kunsthallen in Bielefeld und Baden-Baden im Sommer 2013 der Wandmalerei seit den 1960er-Jahren. Die Beschäftigung der Künstler mit dem Raum außerhalb der klassischen Bildgrenzen, der «Ausstieg aus dem Bild», wie ihn Laszlo Glozer in der Kunst des 20. Jahrhunderts beobachtet hat, markiert die Sprengkraft dieser wegweisenden Kunstform. Einst als rebellische Geste gegenüber dem Kunstmarkt verstanden, sind temporäre Wandarbeiten und -installationen heute fester Bestandteil zeitgenössischer Kunstproduktion. Die Ausstellung mit dem Titel «Auf Zeit» nimmt ihren Ausgang in der Rekonstruktion herausragender Arbeiten von Sol LeWitt, Richard Tuttle und Blinky Palermo. Um den Bogen in die Gegenwart zu schlagen, werden abstrakte, figurative und Text-Arbeiten unter anderem von Richard Wright, Michel Majerus, Karin Sander, Josh Smith, Rinus Van de Velde, Arturo Herrera, Kilian Rüthemann und Lawrence Weiner unmittelbar auf den Wänden realisiert. Die Kunsthalle, deren Architektur von freistehenden Wänden bestimmt ist, bietet die ideale Voraussetzung für diese außergewöhnliche Ausstellung. Zur Ausstellung «Auf Zeit» erscheint ein umfangreicher Katalog in Kooperation mit der Kunsthalle Baden-Baden.
Die Ausstellung wird von der Kulturstiftung des Bundes gefördert.

Le Corbusier and 20th Century Art

Museum of Western Art, Tokyo, 6 August – 4 November, 2013

Le Corbusier (1887–1965), designer of the National Museum of Western Art’s Main Building, was not only a major 20th century architect, he was also a multitalented artist active in a huge range of media, from painting to sculpture, prints, tapestry and film. He spent every morning in his studio painting and every afternoon in his architectural office, a rare creative talent capable of switching effortlessly between different realms.

This exhibition has been organized with the cooperation of the Fondation Le Corbusier in Paris and the Taisei Corporation, holders of one of the world’s major collections of Le Corbusier art works. A principle feature of this exhibition is its display of Le Corbusier’s paintings and sculptures in a building that he himself designed. Focus has turned in recent years to the fact that he sought a “synthesis of the arts” in the latter half of his life. This exhibition will provide visitors with an opportunity to confirm exactly how his art works and his architectural spaces interact and reverberate with each other.

In addition to Le Corbusier’s own works, this exhibition also includes works by artists who were both his contemporaries and closely connected to him. It seeks to provide a glimpse of Le Corbusier’s unique artistic vision developed through his search for the roots of creativity through a wide expanse of artistic production, not limited to the Modernist framework, as seen in works by Ozenfant, Léger, and Lipchitz, who were his close companions during the period in which he heralded L’Esprit Nouveau, the Cubists (Picasso, Braque, Gris, Leger, Laurens) whom he greatly admired, and the unusual painters whom he was quick to note, such as Bauchant, DuBuffet and Louis Soutter.

American Pop ArtFrom the John and Kimiko Powers Collection

The National Art Center, Tokyo, August 7 Wed-October 21Mon2013

Selected Works from the Mugrabi Collection

Tel Aviv Museum of Art, 08 August 2013 onwards

The Tel Aviv Museum of Art is proud to present a selection from the Mugrabi Collection. A significant part of this exhibition is devoted to the works of Andy Warhol, whose ideas and artistic practice continue to exercise a decisive impact on the contemporary art scene. The exhibition features iconic works by Warhol, including his painting of a Coca-Cola bottle and portraits of celebrities such as Marilyn Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley, and the Chinese leader Mao Zedong, which reveal Warhol's fascination with fame, glamour, and power. One of Warhol's best-known tactics is the replication and multiplication of images to the point of emptying them of content. The exhibition contains several of his late works, including two monumental works from the series "The Last Supper" (based on Leonardo da Vinci's fresco), and a penetrating, electrifying self-portrait. Most of the works were executed in Warhol's unique technique – a combination of manual painting and photographic silkscreen printing.

Tom Wesselmann, a member of Warhol's artistic generation, is represented by large-scale still lifes of products and objects found in many American homes, alongside a fragmentary, stereotypical female nude that borders on abstraction. In the 1960s, Warhol and Wesselmann were among the pioneers of Pop art, basing their works on a non-hierarchical choice of images culled from the world of American consumer society, the mass media, and advertising.

The artists of the following generation reexamine consumer culture and artmaking in a critical, disillusioned manner: Richard Prince raises questions concerning authenticity by appropriating, recycling, duplicating, and manipulating existing images. Adam McEwen transforms a familiar, banal object into a highly charged and estranged artifact by reproducing it in an unexpected material. Jean-Michel Basquiat's art is an expressive weave of textual quotations, painting, drawing, and squiggles inspired by different sources, and infused with a range of autobiographical, historical, and multi-cultural associations.

Learning from Vernacular

10.08.2013 – 29.09.2013, Vitra Design Museum Weil am Rhein, Dome, Richard Buckminster Fuller

Lehmhütten, Holzbauten, Steinhäuser – weltweit haben sich Architekturen entwickelt, die perfekt an ihre Umgebung, Klima und die verfügbaren Materialien angepasst sind. Für das aktuelle Interesse an nachhaltigem und ressourcenschonendem Bauen bieten sie wertvolle Inspirationen. 31 Modelle zeigen traditionelle Architekturen, u.a. aus China, Italien, Marokko und Mali sowie eine Auswahl zeitgenössischer Positionen von Carin Smuts, Studio Mumbai, Simon Velez, Rural Studio und anderen. Filme, Fotografien und Pläne zeigen wie die Gebäude konstruiert sind und lassen den Alltag ihrer Bewohner lebendig werden.

Fokus: Niklaus Stoecklin

Kunstmuseum Basel, 10.08.2013 - 03.11.2013

Das Kunstmuseum Basel widmet dem Basler Künstler Niklaus Stoecklin eine eigene Ausstellung und zeigt dabei einem breiten Publikum den integralen, lange nicht zugänglichen Bestand an Gemälden der Öffentlichen Kunstsammlung. Seine Bilder zeichnen sich – entgegen der dominierenden Tendenzen der Abstraktion in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts – durch ihre figürliche Darstellung alltäglicher Gegenstände und Szenerien aus und begründen Stoecklins Rang als bedeutendster Schweizer Vertreter der Neuen Sachlichkeit. Vor allem die Vielfalt der Motive – von Basler und Pariser Stadtlandschaften bis klassisch anmutenden Stillleben – charakterisiert das Œuvre Stoecklins, wobei er sich in seiner Malerei immer wieder für einen pointierten Blick auf sein Sujet entscheidet, der ihn als genuinen Vertreter der Neuen Sachlichkeit auszeichnet. Seine umfassenden Kenntnisse der zeitgenössischen Tendenzen verbinden sich mit eigenen Bildkompositionen und machen deutlich, dass Stoecklins Stellenwert in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts weit über Basler Lokalkolorit hinausreicht.

Aichi Triennale 2013

Aichi, JP, August 10 - October 27, 2013

The second edition of the international art exhibition "Aichi Triennale" presents cutting-edge works of contemporary art by approximately 75 national and international artists and artist collectives such as Yoko Ono, Richard Wilson, and Kenji Yanobe. Spectacular scenes will be formed not only at the venues in Nagoya City, such as Aichi Art Center, Nagoya City Art Museum, and various sites in the Chojamachi area, but also at other sites in Okazaki City.

Meret Oppenheim – Retrospektive

Martin-Gropius-Bau Berlin

16. August bis 1. Dezember 2013

Erstmals ist Meret Oppenheim eine große Retrospektive in ihrer Geburtsstadt Berlin gewidmet. Am 6. Oktober dieses Jahres 2013 wäre die berühmte Künstlerin 100 Jahre alt geworden. Der spielerisch-humorvolle Umgang ihrer Werke mit Alltagsmaterialien, die in immer neue Sinnzusammenhänge transferiert werden, ist ein besonderes Charakteristikum ihrer künstlerischen Arbeit. Dies verbindet sie auch mit ihren Künstlerfreunden Max Ernst, Alberto Giacometti, Hans Arp oder Man Ray. Jene Fotografien der Serie „Érotique voilée“ (1934) , in denen Man Ray einst sein Modell Meret Oppenheim inszenierte, gehören heute zu den bedeutendsten Werken des Surrealismus, in dessen Kreisen in Paris die Künstlerin hoch anerkannt war. Noch 1983 war die diskursive Kraft ihres Surrealismus spürbar, als auf dem Waisenhausplatz in Bern unter heftigster öffentlicher Debatte ihr „Oppenheimbrunnen“ eingeweiht wurde, den zu besichtigen dringend empfohlen sei.

American Modern: Hopper to O'Keeffe

MoMA New York, August 17, 2013–January 26, 2014

Drawn from MoMA’s collection, American Modern takes a fresh look at the Museum’s holdings of American art made between 1915 and 1950, and considers the cultural preoccupations of a rapidly changing American society in the first half of the 20th century. Including paintings, drawings, prints, photographs, and sculptures, American Modern brings together some of the Museum’s most celebrated masterworks, contextualizing them across mediums and amid lesser-seen but revelatory works by artists who expressed compelling emotional and visual tendencies of the time.

The selection of works depicts subjects as diverse as urban and rural landscapes, scenes of industry, still-life compositions, and portraiture, and is organized thematically, with visual connections trumping strict chronology. Artists represented include George Bellows, Stuart Davis, Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Charles Sheeler, Alfred Stieglitz, and Andrew Wyeth, among many others. Far from an encyclopedic view of American art of the period, the exhibition is a focused look at the strengths and surprises of MoMA’s collection in an area that has played a major role in the institution’s history.

Hammer Projects: Maya Hayuk

Los Angeles, August 17, 2013 - January 19, 2014

With their symmetrical compositions, intricate patterns, and lush colors, Maya Hayuk’s paintings and massively scaled murals recall views of outer space, traditional Ukrainian crafts, airbrushed manicures, and mandalas. Hayuk weaves visual information from her immediate surroundings into her elaborate abstractions, creating an engaging mix of referents from popular culture and advanced painting practices while connecting to the ongoing pursuit of psychedelic experience in visual form. For her first one-person museum exhibition in the United States, she will make a new site-specific mural on the Lobby Wall. Hammer Projects: Maya Hayuk is organized by Hammer assistant curator Corrina Peipon.

Hammer Projects: Wael Shawky

Los Angeles, August 17, 2013 - January 5, 2014

Cabaret Crusades is an ongoing project, initiated by the Egyptian artist Wael Shawky in 2010, that tells the story of the Crusades—the military expeditions to the Holy Land undertaken by European Christians from the eleventh to the thirteenth century—through images that reflect the perspective of those who experienced the invasions. Informed by Amin Maalouf's book The Crusades Through Arab Eyes, the drawings, objects, and films that make up the project draw on various historical sources to present an unfolding sequence of significant occurrences that set the tone for the relationship between the Arab world and the West. The Hammer Museum will present Cabaret Crusades: The Horror Show File (2010), which is the first film of Shawky's multipart film series within this project. Using 200-year-old marionettes from the Lupi collection in Turin as characters, the film traces the history of the early Crusades (1096–99), beginning with Pope Urban II's invasion of the Arab countries. Historically accurate in its depiction of the places in the Middle East and Europe that set the stage for this conflict, the film is layered with a surreal and mythical atmosphere as the marionettes embody key figures whose past actions and decisions continue to impact our current moment. Hammer Projects: Wael Shawky is organized by guest curator Cesar Garcia.

Evi Vingerling

Wiels Brüssel, 22.08 – 08.09.2013

Evi Vingerling’s paintings are not a hole in the wall or a portrayal of a fictive world. The paintings are mostly two colors, one color functioning as background and one as foreground.

“Vingerling says that sometimes, when she is not purposely looking, the world appears around her as a series of planes, patterns, and colors. Her paintings are a result of this in cohesive perspective. The object of the painting is freed of its symbolic and historic meaning.”*

“The unique ‘range’ of Vingerling’s work lies in this open dispersal of the viewer’s attention. Looking at the work, you are not staring obsessively at thick or incomprehensible layers of paint, as in traditional modern painting – your attention is in fact scattered and dispersed. Both substantively and physically the area you are looking at and thinking about as you look keeps expanding. This is also a very subtle but not to be disregarded social or ethical component in the work, because this quietly expanding movement lets you see the world in a cohesive way. It sounds rather grandiose, but if you were to distil a worldview from Vingerling’s works, this is not a view that starts from a centre, but one in which a variety of things exist alongside and in conjunction with one another. The motifs that interest Vingerling reflect this complex cohesion. Bushes, plants, or landscapes, which are not identifiable in their totality as bush, plant or landscape on the canvas, but are primarily to be seen as a cohesion of visual relationships.”**

There are many drawings and studies necessary to come to the point, in which she is able to make that image, the sensual experience of that one moment, come together so purposely and direct, on the canvas. What is the experience that Evi Vingerling is looking to pass on through her paintings? “I don’t know what it is but that it is grand and that it is happiness.” She cites from Walt Whitman’s Leaves of Grass. Whitman was a transcendentalist in the 19th century who thought we should stay more aware of our actual surroundings. That we should be conscious of those perceptible sensations, which are brief and at the same time material, as her work shows.” *

Evi Vingerling (Gouda, 1979) lives and works in Amsterdam and Eindhoven. She has exhibited her work widly within the Netherlands and abroad. Recent exhibitions include solo shows at Stedelijk Museum Schiedam, and Ellen de Bruijne Projects in Amsterdam. In 2012 she won the Koninlijke Prijs voor Vrije Schilderkunst in the Netherlands. Vingerling’s work is in the collections of several museums in the Netherlands, including Stedelijk Museum Schiedam and Boijmans van Beuningen.

Excerpts by Janneke Wesseling (NRC 24/05/13)* and Steven ten Thijen**

Nowhere and Everywhere

William Forsythe

Museum Folkwang Essen, 24.8. - 8.9.2013

William Forsythe, der amerikanische Choreograf und Künstler, nutzt die Große Halle im von David Chipperfield entworfenen Neubau des Museum Folkwang erstmals in seiner Gänze: Die Realisation von Nowhere and Everywhere at the Same Time No. 2 im Rahmen der Ruhrtriennale eröffnet ein völlig neues Kapitel in der Entwicklung dieses choreografischen Werks. Die ursprünglich für einen Solotänzer und 40 Pendel entwickelte Arbeit wurde zunächst in einem leer stehenden Gebäude am New Yorker High Line Park aufgeführt und daraufhin kontinuierlich weiterentwickelt, um verschiedensten Aufführungsorten gerecht zu werden, wie etwa der Turbine Hall in der Tate Modern mit seiner monumentalen Industriearchitektur oder dem historischen Schauplatz des Arsenals in Venedig im Rahmen der Biennale. Die neue Umsetzung bewahrt und beleuchtet zwei der Hauptinteressen von Forsythes Schaffen: den Kontrapunkt und die unbewusste choreografische Kompetenz, die sich aus choreografischen Situationen ergeben. Von einem automatisierten Gitter hängen über 400 Pendel herab, die in Bewegung versetzt werden, um einen fünfzehnteiligen Kontrapunkt aus verschiedenen Tempi, räumlichen Gegensätzen und Fliehkräften von wechselnder Intensität zu erschaffen, der dem Betrachter ein sich ständig wandelndes Labyrinth von großer Komplexität vor Augen führt. Die Zuschauer sind dazu eingeladen, jene unberechenbare Situation zu durchwandern, ohne die schwingenden Pendel zu berühren.
In der interaktiven Videoarbeit City of Abstracts gerät der Besucher in einen Sog wirbelnder Formen, in dem er unerwartet selbst zum Akteur wird. Wie kein anderer prägt William Forsythe den zeitgenössischen Tanz. Seine
Arbeiten haben die Praxis des Balletts aus der Identifikation mit dem klassischen Repertoire gelöst und zu einer dynamischen Kunstform des 21. Jahrhunderts transformiert. Zu seiner künstlerischen Praxis gehören auch Performance-, Film- und Installationsarbeiten, choreografische Objekte und internetbasierte Wissensentwicklung.
Aus seinen Lectures from Improvisation Technologies – eine Sammlung von insgesamt 60 Filmstudien, in denen die wichtigsten Prinzipien seiner Bewegungssprache und seiner Improvisationskunst enthalten sind – stellt
William Forsythe im Museum Folkwang eine Auswahl vor; dazu zeigt die Ausstellung den Film Solo – eine seltene Gelegenheit, Forsythe selbst als Tänzer zu sehen. (

zeitgleich mit

Douglas Gordon

St. Moritz Art Masters

23. August – 1. September 2013

Peter Fischli (Künstler) im Gespräch mit Hans Ulrich Obrist (Co-Director der Serpentine Gallery London).

Fondation Beyeler Riehen CH, Veranstaltung im Museumseintritt inbegriffen.
Freitag, 23. August, 18 – ca. 19 Uhr

Shi Shaoping | The Metamorphosis Series -The Eggs A Review of China Landscape Project

Aug 25- Sept 11, 2013, Today Art Museum Bejing

The review exhibition showcases in total 3,000 solid ceramic eggs created by artist Shi The experiment and production of these 48 tons of eggs took a whole year. After debut in the past edition of ShContemporary art fair, all the eggs has gone through an extraordinary project - to install all the eggs in different landscape all over the country. The two-month journey starts from Shanghai covering the beach of Beihai in Guangxi Province, Yardan landform, the black gobi and Echoing-Sand Mountains in Dunhuang of Gansu Province. The exbibition reviews the project with photos, video and documentations.

Rembrandt. Landschaftsradierungen aus dem Städel Museum

28. August bis 24. November 2013

Städel Museum Frankfurt, Graphische Sammlung

Die weltberühmten Gemälde des niederländischen Barockkünstlers Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606–1669) zeigen Historien und Bildnisse. In seinen Zeichnungen und Druckgrafiken thematisiert Rembrandt hingegen intensiv das Phänomen „Landschaft“. In diesen eher persönlichen, intimen Medien hielt Rembrandt vor allem seit den 1640er-Jahren seine Eindrücke auf Spaziergängen in der Umgebung von Amsterdam fest. Es entstand ein Panorama von Ansichten, welche die Eigentümlichkeit der niederländischen Landschaft ebenso vermitteln wie den nachdenklichen Blick des Künstlers. Innerhalb des bedeutenden Bestandes von Rembrandt-Radierungen in der Graphischen Sammlung des Städel sind die Landschaften annähernd vollständig vertreten. Als Herzstück der rund 60 Werke umfassenden Ausstellung werden die Landschaftsradierungen von einigen anderen ausgewählten Rembrandt-Radierungen, vor allem Selbstbildnissen, flankiert. Begleitend wird das Thema der Landschaftsdarstellung in der Druckgrafik durch eine knappe, exemplarische Auswahl von Vorläufern und Nachfolgern veranschaulicht.

Kurator: Dr. Martin Sonnabend (Städel Museum)

Lausanne zu Gast in Zug

Werke aus dem MCBA Lausanne und dem Kunsthaus Zug
Kunsthaus Zug, 31. August bis 17. November

Die Ausstellung führt Arbeiten aus den Sammlungen des Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne und des Kunsthauses Zug zusammen und richtet den Fokus auf ausgewählte Schwerpunkte beider Kollektionen. Sie ist die dritte einer Reihe, nach Kooperationen mit den Kunstmuseen Luzern (2008) und Solothurn (2011). Sie wird sich von diesen deutlich unterscheiden, da es in Lausanne Sammlungsschwerpunkte gibt, die im Kunsthaus Zug gar nicht vertreten sind, etwa die wunderbaren älteren Landschaftsdarstellungen, die in einer französischen Tradition stehen, oder die atemberaubenden expressiven Malereien Louis Soutters.
Wie in Zug im Bereich des Schweizer Surrealismus oder der Fantastik gibt es in Lausanne Werkkomplexe, die spezifisch für eine Region sind und sich zugleich in einen nationalen und internationalen Kontext einbetten lassen. Das MCBA verfügt über einzigartige Bestände von Künstlern wie François Bocion, Félix Vallotton, René Auberjonois, Marius Borgeaud und Louis Soutter. Skulptur wird auch ein weiteres Thema der Ausstellung sein, ausgehend von der wichtigen Rolle des österreichischen Bildhauers Fritz Wotruba in der Zuger Sammlung, mit Gegenstücken von Künstlern wie Antoine Bourdelle aus Lausanne. Die internationale Avantgarde der Zwischenkriegszeit und zeitgenössische Kunst werden mit bedeutenden Werken aus beiden Sammlungen vertreten sein.
In Lausanne wie in Zug spricht man über neue Museumsbauten, da die Platzverhältnisse in beiden Häusern beengt sind und die Raumprobleme am heutigen Standort nicht gelöst werden können. In Lausanne soll der Entwurf von Barozzi Veiga, Barcelona, realisiert werden, der im Kunsthaus Zug im Modell und mit Plänen vorgestellt wird. In Zug soll auf dem ehemaligen Areal des Kantonsspitals ein neues Kunsthaus entstehen. Ein städtebaulicher Studienauftrag dient als Grundlage für einen Bebauungsplan, der ein Ensemble aus Wohnen, Kunst und Hotel vorsieht. Über den Dialog zweier Sammlungen hinaus bietet uns diese Ausstellung auch die Gelegenheit, sich über den Umgang mit historisch gewachsenen öffentlichen Sammlungen Gedanken zu machen, die zusammen mit den Bauten, in denen sie untergebracht sind, die kulturelle Identität eines Orts definieren.
Der Kanton Waadt wird, parallel zur Ausstellung im Kunsthaus Zug, vom 19. bis zum 27. Oktober als Gastkanton an der Zuger Herbstmesse vertreten sein.

Kurator: Marco Obrist

Carey Young

Migros Museum Zürich, 31. August – 10. November 2013

Eröffnung: Freitag, 30. August

Erste Schweizer Einzelausstellung von Carey Young (*1970, Lusaka, Sambia; lebt und arbeitet in London)

Seit den späten 1990er Jahren untersucht die britische Künstlerin Carey Young den wachsenden Einfluss internationaler Grosskonzerne auf das Individuum in Arbeiten, die sich einer breiten Palette von Medien – darunter Videos, Performances, Texte und Installationen – bedienen und in der Tradition der konzeptuellen Kunst stehen. Sie untersucht insbesondere, wie die Unternehmenskultur die Sprache verändert oder wie sich Vertragsstrukturen und ihre sprachlichen Merkmale immer stärker in alle Lebensbereiche ausbreiten und sie umgestalten. Dabei hat Young mehr und mehr das Recht als künstlerisches Medium entdeckt: Sie schafft experimentelle juristische Strukturen, in denen Gesetze als «Wirklichkeit» eigener Art auftreten und unerwartete Beziehungen zwischen Künstler, Betrachter und Galerie choreografieren. Ihre Werke entwickeln sich oft aus der besonderen Kultur, die sie untersucht. Wie eine Doppelagentin vertieft sie sich in die Geschäftswelt oder die Sphäre des Rechts, kleidet sich entsprechend und inszeniert dafür empfohlene Szenarien, um die Reichweite der Macht jeder einzelnen Institution zu hinterfragen und ihre Fähigkeit, unsere heutige Wirklichkeit zu prägen, auf die Probe zu stellen. In der Ausstellung werden frühere Werke sowie eine grossangelegte neue Serie gezeigt, die die Künstlerin eigens für die Schau im Migros Museum für Gegenwartskunst entwirft. Diese neuen Arbeiten werden sich mit Gesetzeslücken in den rechtlichen Regelungen bezüglich Überwachung, Redefreiheit und des öffentlichen Raums auseinandersetzen.
Die Ausstellung wird von Raphael Gygax (Kurator Migros Museum für Gegenwartskunst) kuratiert.

Carey Young hatte zahlreiche Einzelausstellungen u. a. in der Paula Cooper Gallery, New York (2010), im Contemporary Art Museum in St. Louis und The Power Plant in Toronto (beide 2009) und nahm 2010 an der Taipei-Biennale, 2007 an der Moskau-Biennale, 2005 an der Biennale in Sharjah und 2003 an der Venedig-Biennale teil. Darüber hinaus waren Arbeiten von ihr im San Francisco Museum of Modern Art (2012), im New Museum, New York (2011), und im MoMA/PS1, New York (2010), sowie in der Tate Britain (2009/2010) zu sehen. Zur Ausstellung im Migros Museum für Gegenwartskunst erscheint bei JRP|Ringier eine umfassende Übersichtsmonografie mit Beiträgen von der Künstlerin, Martha Buskirk, Raphael Gygax und Tirdad Zolghadr.

Xubaizhai Gallery of Chinese Painting and Calligraphy

Hongkong Museum of Art, 2013.8.30 onwards

During the Ming and Qing dynasties, there was a proliferation of schools of painting as a result of stylistic currents and the influence of regional cultures. The rise of wealthy cities also contributed to this diversity. The Wu School of mid-Ming period, and the Songjiang School and Huating School of late-Ming period, all originated in the Jiangnan area. An upsurge of salt merchants in Anhui province brought economic prosperity to the region, resulting in the emergence of the Xin'an School. Meanwhile, the historical city of Jinling (present-day Nanjing), a metropolitan city in the south during the Ming and Qing periods, fostered the Jinling School. The legendary Hangzhou, and Yangzhou, an important commercial centre in the early Qing, attracted huge numbers of artists througout China. The prosperity and social dynamics of Yangzhou in particular inspired the ‘Eight Eccentrics' to create unconventional subject matter. Many of the professional artists frequenting Jinling, Hangzhou and Yangzhou were renowned literati rather than conventional commercial artists, revealing that social historical changes entailed a transformation in art.

The exhibition showcases select paintings from the Xubaizhai Collection, featuring different painting schools of the Ming and Qing dynasties. It aims to offer a new perspective on Chinese art history and to provide visitors with a clearer view of the lives of Chinese artists during this period.

In association with this Exhibition, the Museum collaborates with the Communication Design and Digital Media department of the Hong Kong Design Institute to present works of the Xubaizhai Collection in the form of an innovative electronic book and animation.



Yes, No, Maybe: Artists Working at Crown Point Press

National Gallery Washington D.C., September 01, 2013 – January 05, 2014

Featuring 125 working proofs and edition prints produced between 1972 and 2010 at Crown Point Press in San Francisco, one of the most influential printmaking studios of the last half century, Yes, No, Maybe goes beyond celebrating the flash of inspiration and the role of the imagination to examine the artistic process as a sequence of decisions. The stages of intaglio printmaking reveal this process in very particular ways. Working proofs record occurrences both deliberate and serendipitous. They are used to monitor and steer a print’s evolution, prompting evaluation and approval, revision, or rejection. Each proof compels a decision: yes, no, maybe. Among the twenty-five artists represented are those with long ties to Crown Point Press—Richard Diebenkorn, John Cage, Chuck Close, and Sol LeWitt—as well as those whose association is more recent, such as Mamma Andersson, Julie Mehretu, Jockum Nordström, Laura Owens, and Amy Sillman.

Takeuchi Seiho

National Museum of Modern Art Tokyo, 2013. Sep.3 - Oct.14

Japanese-style painter Takeuchi Seiho (1864 – 1942) lived in Kyoto and was a student of Kono Bairei of the Shijo school. After traveling in Europe, he tried to incorporate a radical “observation-from-life” approach into the traditional principle of the Shijo school that attached great importance to shai (creation from the spirit of the object rather than from its appearance) through sketching and touch. His style ushered in a new phase in the Japanese-style painting in Kyoto. This exhibition presents 100 important works including Tabby Cat, an Important Cultural Property, and 50 materials such as sketches and photographs to re-examine Seiho’s art in the light of recent researches.


Ars Electronica 2013
Festival für Kunst, Technologie und Gesellschaft
Linz, 5. bis 9. September 2013

(Linz, 19.3.2013) Von 5. bis 9. September findet die diesjährige Ausgabe der Ars Electronica in Linz statt. Ihr Titel lautet „TOTAL RECALL – The Evolution of Memory“. Das Programm des Festivals wird sich wie gewohnt aus einer Vielzahl von Symposien, Ausstellungen, Performances, Interventionen und Konzerten zusammensetzen und im Lauf der kommenden Wochen unter online gestellt. Parallel dazu werden weiterführende Informationen sowie Interviews mit beteiligten KünstlerInnen und WissenschaftlerInnen unter publiziert.

TOTAL RECALL – The Evolution of Memory

Seit jeher spekuliert eine um die andere Generation darüber, wie die jeweils nachfolgende wohl einst über sie denken wird. Doch welche Faktoren entscheiden am Ende wirklich darüber, was und wie wir uns erinnern? Welche Rolle spielt Erinnerung ganz allgemein für jede/n einzelne/n von uns, für unsere Familien, unsere Gesellschaft, ja für uns als Menschheit insgesamt? Und was ist Erinnerung überhaupt? Gemeinsam mit Neuro- und ComputerwissenschaftlerInnen, mit KünstlerInnen und PhilosophInnen verschreibt sich die diesjährige Ars Electronica dem „TOTAL RECALL“, der lückenlosen Erinnerung, und versucht zu skizzieren, wie wir Menschen es mit dem Bewahren und Erinnern, bisweilen auch mit dem Vergessen, halten. Der Fokus liegt dabei auf drei Aspekten: den (neuro-) wissenschaftlichen Erkenntnissen darüber, was Erinnerung überhaupt ist und welche Bedeutung sie für unser Bewusstsein und unsere Identität besitzt, den Erinnerungskulturen und jeweiligen Speichermedien in Vergangenheit und Gegenwart sowie den zukünftigen Ausformungen von Erinnerung.

Was ist Erinnerung?

Seit langem forschen WissenschaftlerInnen darüber, warum wir uns überhaupt an etwas erinnern können. Im Rahmen des Symposiums werden ExpertInnen erläutern, wie Erinnerung in unserem Gehirn entsteht und wie sie hier abgespeichert und wieder aufgerufen wird. Darüber hinaus geht es aber auch um die gesellschaftliche und kulturelle Rolle der Neurowissenschaften, die hinsichtlich ihres Einflusses auf unser Menschenbild längst den ersten Rang unter allen Wissenschaftsdisziplinen einnimmt.

Erinnerungskulturen und Technologie

Zu wissen wer und was vor uns da war, ist für jede/n von uns, ganz gleich wie und wo wir leben, von zentraler Bedeutung für unser Bewusstsein und unsere individuelle wie kollektive Identität. Der große Aufwand, mit dem wir versuchen, unserer Vergangenheit auf die Spur zu kommen als auch der, den wir zur Sicherung und Speicherung unseres eigenen Vermächtnisses bereit sind zu betreiben, legt davon Zeugnis ab. Zum Einsatz kommt dabei stets die modernste Technologie, die uns gerade zur Verfügung steht. Wobei immer größere Speicherkapazitäten stets ausgeschöpft werden und somit eine massive Zunahme der zu bewahrenden (?) Datenmenge bewirken. Aktuelles Beispiel ist das Internet: Obwohl bislang nur rund 30 Prozent der Menschheit online sind, fühlen wir uns angesichts der Flut an Information, die wir tagtäglich produzieren und speichern, schon jetzt vollkommen überfordert. Um in diesem gigantischen Heuhaufen, unsere Nadel dennoch zu finden, sind wir auf immer intelligentere Suchmaschinen angewiesen. Mit solchen Services kommen allerdings auch völlig anders gelagerte Interessen ins Spiel. Denn Google und Co eröffnen bloß so lang Zugang zu Information, solang sich damit Geld verdienen lässt. Muss dafür Zensur in Kauf genommen werden, ist das Pech für die EndverbraucherInnen.

Erinnerung in der Zukunft

Stellt sich schließlich noch die Frage, wie sich unser Umgang mit Erinnerung und Gedächtnis künftig gestalten wird? Erste erfolgreiche Versuche, die menschliche DNA als schier unbegrenztes Speichermedium nutzbar zu machen, lassen erahnen, dass hier bald völlig neue Wege gegangenen werden. Und was passiert erst, wenn es uns gelingt, dieses so perfekte Gedächtnis der Natur nachzubauen und ein künstliches Äquivalent, eine künstliche Intelligenz, zu schaffen?

Über das Ars Electronica Festival

Seit 1979 beschäftigt sich das Ars Electronica Festival mit den Wechselwirkungen an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Gesellschaft. Symposien, Ausstellungen, Performances, Interventionen und Konzerte kreisen dabei stets um ein spezifisches, von Jahr zu Jahr wechselndes Thema. Darüber hinaus zeichnet sich das Festival durch sein konsequentes Bespielen des öffentlichen Raums aus. Ob im Donauhafen oder Bergstollen, im Stift oder Dom, in einer Industriehalle oder städtischen Parkanlage – die Ars Electronica will ihren Diskurs in und mit der Öffentlichkeit austragen. Umgesetzt wird das dichte Festivalprogramm von hunderten KünstlerInnen, WissenschaftlerInnen und TechnologInnen aus aller Welt. Als Veranstalter fungiert die Ars Electronica Linz GmbH, eine 100-prozentige Tochter der Stadt Linz, als Mitveranstalter treten der ORF Oberösterreich, die LIVA-Veranstaltungsgesellschaft mbH und das OK Offene Kulturquartier Oberösterreich auf.

Henri Michaux

Kunstmuseum Winterthur, 7. September 2013 - 24. November 2013

Der aus Brüssel stammende Henri Michaux (1899–1984) war im Grunde Dichter. In einer absolut bildfremden, literarischen Welt aufgewachsen, entdeckte Michaux in den 1920er Jahren in Zeichnung und Malerei ungeahnte Ausdrucksmöglichkeiten. Sowohl sein literarisches wie sein künstlerisches Werk sind durch einen unbedingten Willen zur Unabhängigkeit von Schulen und Stilen, durch eine intuitive Auflehnung gegen jede Form von Konvention charakterisiert. Das rastlose Reisen des jungen Michaux, der Verzicht auf festen Wohnsitz und materiellen Komfort, die bewusste Konfrontation mit der Fremdheit ferner Länder wie mit Drogen zeugen von seinem fordernden Umgang mit der eigenen Existenz. Gedichte zu verfassen konnte diesem Verlangen nur teilweise genügen; Zeichnen und Malen sollten dem inneren Erleben Ausdruck verschaffen, das sich der Sprache entzieht. In übersteigert schnell hingeworfenen Notaten, die alles bewusste Können hinter sich lassen, suchte Michaux dafür einen adäquaten Ausdruck. Leicht machte er es sich dabei nicht, denn Michaux war auch der mönchische Asket, der von sich höchste Konzentration verlangte, um die Figuren zu sehen, die wie von selbst aus dem Zeichengrund hervortreten.

Basierend auf den Arbeiten der Museumssammlung wird diese umfassende Ausstellung zahlreiche Werke aus schweizerischen und deutschen Sammlungen einbeziehen.

Diese Ausstellung findet im Rahmen des Kulturherbstes Winterthur statt

„Die holländischen Bilder hab ich freilich gern“
Wilhelm Busch und die Alten Meister

Museum Schloss Wilhelmshöhe, 6. September 2013 bis 12. Januar 2014

Wilhelm Busch (1832–1908) ist für seine humorvollen Bildergeschichten und lustigen Gedichte berühmt. Weniger bekannt ist, dass er auch ein äußerst versierter Maler war, der eine professionelle Künstlerausbildung anstrebte. Besonders die niederländischen Meister des 17. Jahrhunderts, die er im Original studierte, waren für ihn ein künstlerisches Vorbild. In Kooperation mit „Wilhelm Busch. Deutsches Museum für Karikatur & Zeichenkunst“ in Hannover werden erstmals in Kassel Gemälde der Alten Meister mit Werken Wilhelm Buschs gemeinsam gezeigt und in einen spannenden Dialog gebracht.

Petrit Halilaj

Wiels Brüssel, 07.09 – 24.11.2013

This large-scale solo exhibition of Kosovar artist Petrit Halilaj (b. 1986 in Kostërrc) overlaps with and is connected to the artist’s participation in the fi rst Pavilion of the Republic of Kosovo at the Venice Biennale. From the start of the young artist’s practice, his use of commonplace materials and childhood memories of war and displacement have come together in complex installations that strive to understand what notions like ‘home’, ‘nation’ and ‘cultural identity’ could mean. Halilaj’s frequent combinations of earth, rubble, wood slats, live chickens and intricate drawings evoke the intimately personal and the utopian or fi ctional, all while revealing the inevitable realities of a far wider socio-political sphere. The show at WIELS will feature a site-specifi c project created for the occasion, as well as a selection of existing works that help provide the context for Halilaj’s practice and thinking.

Curator: Elena Filipovic

Painting Forever!

Neue Nationalgalerie Berlin,
Fr 6. September - So 24. November 2013

2013 hat der Berliner Senat eine Kooperation initiiert, an der neben der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, die Berlinische Galerie, die Deutsche Bank KunstHalle und die KW Institute for Contemporary Art beteiligt sind. Für den Auftakt des Kooperationsprojekts haben die vier beteiligten Institutionen mit dem Titel "Painting Forever!" im ersten Jahr der zukünftig regelmäßig geplanten Zusammenarbeit den Schwerpunkt Malerei gewählt. Malerei spielt in Berlin auf institutioneller Ebene spätestens seit dem Ende des 19. Jahrhundert eine überaus wichtige Rolle. Auch von künstlerischer Seite sind durch das Medium der Malerei immer wieder experimentelle Impulse von der Stadt ausgegangen (unter anderem Berliner Sezession, Neue Sachlichkeit, Neue Wilde).

Die vier Ausstellungsformate von "Painting Forever!" werden in Einzel- und Gruppenpräsentationen unterschiedliche Annäherungen an das Medium zeigen: Installative und ortspezifische Ansätze werden ebenso eine Rolle spielen wie klassische malerische Konzepte. Die Ausstellungen basieren auf verschiedenen künstlerischen und kuratorischen Positionen und beschäftigen sich doch alle mit der Frage, was Malerei heute sein kann und will. Die Herangehensweisen ergänzen sich und bieten die Möglichkeit, sich mit Malerei im zeitgenössischen Ausstellungskontext auseinanderzusetzen.

"Paintig Forever!" verbindet sowohl ganz junge, aktuelle Positionen mit bereits etablierten Künstlern und Künstlerinnen sowie Künstlergruppen und greift auch historische Bezüge auf. Die einzelnen Standorte des Gesamtprojekts "Painting Forever!"begreifen sich als komplementäre Bestandteile, gleichzeitig aber auch als individuell erfahrbare Ausstellungsorte.

Ab Juli 2013 finden Sie hier auch nähere Informationen zum Beitrag der Nationalgalerie.

Gemeinsame Eröffnung im Rahmen der Berlin Art Week:
Dienstag, 17. September 2013, 19 Uhr, Ort: KW Institute for Contemporary Art

Painting Forever! - eine Kooperation der Berlinischen Galerie, der Deutsche Bank KunstHalle, der KW Institute for Contemporary Art und der Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin. Eröffnung im Rahmen der
Berlin Art Week. Initiiert vom Regierenden Bürgermeister von Berlin, Senatskanzlei - Kulturelle Angelegenheiten.

Salon der Angst

Kunsthalle Wien, 6. Sept. 2013 – 12. Jan. 2014

Die Ausstellung Salon der Angst sucht die künstlerische Auseinandersetzung mit den Ängsten unserer Zeit und fächert deren affektives wie gesellschaftspolitisches Spektrum auf: Zukunftsangst, Angst vor Kriminalität, vor Armut, körperlicher und psychischer Gewalt, vor Kontrollverlust, Demütigung und emotionaler Kälte, aber auch Fremdenangst oder Angst vor Veränderung allgemein. Angst präsentiert sich in diesem Zusammenhang vor allem als Abwehrreaktion gegenüber jenen Aspekten der Gegenwart, mit denen wir nicht umzugehen wissen. Die Darstellung von Angst und Schrecken, von emotional zutiefst verunsicherten oder verstörten Menschen ist ein kunsthistorisch arriviertes Motiv, prägt aber auch die künstlerische Praxis einer jüngeren Generation, die seismografisch auf eine veränderte Gesellschaft mit neuen Ängsten und Unsicherheiten reagiert. Die KünstlerInnen der Ausstellung gehen der Angst in ihren ideengeschichtlichen Kontexten, aber auch ihren konkreten Manifestationen nach.

Michelangelo Buonarroti The Making of a Genius and the 500th Anniversary of the Sistine Chapel

Museum of Western Art, Tokyo, 6 September – 17 November, 2013

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) represents the pinnacle achievement of the Renaissance and is one of the greatest artists in the history of Western art. Through its introduction of 60 works from the Casa Buonarroti (Florence) collection of Michelangelo’s descendents, this exhibition explores the creative achievement and influence of this artist who has been revered as an almost god-like figure from his lifetime through the present. Thanks to the full cooperation of the Casa Buonarroti, renowned as a world-leading collection of Michelangelo works and historical materials both in terms of quality and quantity, we are able to present this solo exhibition on the artist known primarily through the frescos and massive sculptures whose format and scale prevent their overseas display.

The "Madonna of the Stairs" is an early-period masterpiece of marble relief carving created when the artist was around 15 years old. Previously never viewed outside the Casa Buonarroti, this is the first long-term loan and display of this work. The other more than 30 works by Michelangelo, primarily drawings, present a particularly rare opportunity to delve into this genius artist’s creative process and its secrets. The exhibition also introduces such previously little-known historical materials as letters and manuscripts written by Michelangelo himself, further illuminating the human side of this larger-than-life artist and the anguish that accompanied his artistic production.

Loonie van Brummelen/ Siebren de Haan

Kunsthaus Zürich, 6. September – 10. November 2013

Lonnie van Brummelen (*1969) und Siebren de Haan (*1966) kooperieren seit 2001 und arbeiten meist mit dem Medium Film. 2005 gewann Lonnie van Brummelen den prestigeträchtigen Prix de Rome für die Arbeit «Grossraum» (2004 / 05). Diese Arbeit war 2008 anlässlich der Ausstellung «Shifting Identities» am Kunsthaus zu sehen und befindet sich inzwischen in der Sammlung des MoMA, New York. Lonnie van Brummelen und Siebren de Haan thematisieren in ihren Werken politische, gesellschaftliche und ökonomische Fragestellungen und Veränderungen und setzen diese immer auf bildstarke und formal beeindruckende Weise um.

Die Ausstellung im Kunsthaus Zürich ist die erste Einzelausstellung der Künstler in der Schweiz und entsteht in Zusammenarbeit mit dem S.M.A.K. (Stedelijk Museum voor Actuele Kunst) in Gent (Belgien). Im Zentrum der Ausstellung steht eine neue filmische Arbeit, die speziell für das Kunsthaus realisiert wird.

Unterstützt durch die Mondriaan Fund, Amsterdam
und die Dr. Georg und Josi Guggenheim-Stiftung.

Rachel Harrison

Gent Smak, 07.09.2013... 06.01.2014

In autumn 2013 the S.M.A.K. is putting on a solo exhibition by the New York artist Rachel Harrison (1966). She is considered one of the most influential sculptors of her generation.

Since the 1990s she has developed an eclectic sculptural idiom in which she incorporates seemingly worthless found objects into colourful, playful, abstract forms. In this way she updates Duchamp’s classic notion of the ready-made in the context of the contemporary consumer society.

Harrison’s unmistakable blend of art history references and pop culture takes the form of both grotesque spatial structures and powerful two-dimensional assemblages.

S.M.A.K. is presenting sculptures and drawings from a recent series entitled ‘The Help’ (2012), the large-scale installation ‘Incidents of Travel in Yucatan’ (2011) and her photographic ‘Sunset Series’ (2000-2012).

The exhibition is a coproduction together with the Kunstverein kestnergesellschaft in Hanover, where it will be shown in summer 2013.

Zeitgleich mit:

Jordan Wolfson

The film and installation work of Jordan Wolfson (1980, New York) meanders between natural science and esotericism, education and entertainment, and last but not least, online and offline. Drawing from multiple sources such as internet, TV commercials and music, the artist mixes fragments from modern and contemporary culture with his own footage.

By sharply addressing icons who, in Wolfson’s own words, express the fear of a ‘global subconscious’, the artist questions the individual’s physical and psychological condition within the realm of a post-digital world. Wolfson represents a generation for whom the internet is not anything strange or new, but literally part of the context in which they grew up. The exhibition is built around his recent, highly acclaimed animation films Con leche (2009) and Animation Masks (2011) and the new film installation Raspberry Poser (2012), coproduced by S.M.A.K. and premiered at REDCAT (Los Angeles) in December 2012. It takes the form of a trail taking in various forms of the film medium, ranging from projection, through 16mm film to monitor, and thereby mirrors Wolfson’s idea of film as a flexible installation medium in which the boundaries between display screen and artwork fade.

Alexander Calder - Avantgarde in Bewegung

07.Sept. 2013 – 12.Jan. 2014, Düsseldorf, K20 GRABBEPLATZ

Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf zeigt ab September 2013 eine umfassende Ausstellung zum Werk Alexander Calders, einem der wichtigsten amerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Erstmals nach zwei Jahrzehnten präsentiert die Kunstsammlung damit in Deutschland eine große Museumsschau dieses bedeutenden Bildhauers, der mit seinen sinnlichen und poetischen Skulpturen Kunstgeschichte geschrieben hat. Der Schwerpunkt der Werkauswahl wird in den 1930/40er Jahren liegen und sich mit Calders Entwicklung zur (luft-)bewegten, abstrakten Skulptur, den Mobiles, befassen. Der Künstler experimentierte in diesen Jahren mit unterschiedlichen künstlerischen Richtungen: Er siedelte sein Werk im Spannungsfeld zwischen den geometrischen Bildern Piet Mondrians und den verspielten Abstraktionen von Joan Miró und Hans Arp an.

Um Calders Verbindung zur europäischen Kunst-Avantgarde seiner Zeit zu erfassen und um einen neuen, vielfach überraschenden Blick auf die Werke des Amerikaners zu ermöglichen, werden historische und experimentelle Filme, Musik der Avantgarde und die wichtigsten bildkünstlerischen Wegbegleiter in die Ausstellung einbezogen. Auf mehr als 1600 Quadratmetern erwartet den Besucher eine großartige Auswahl von Werken Alexander Calders aus dem Besitz internationaler Museen und Sammlungen.

Mona Hatoum

Kunstmuseum St. Gallen, 7. September 2013 – 26. Januar 2014

Dieter Meier

In Conversation

Aurau Kunsthaus, 7.9.2013 – 17.11.2013, Vernissage: 6.9.2013 18.00 Uhr

Die Ausstellung stellt mit Dieter Meier (*1945) einen Künstler im umfassenden Sinne sowie einen subversiven und feinsinnigen Kosmopoliten ins Zentrum: Meier ist Konzept- und Performancekünstler, Musiker, Autor, Filmemacher, Plastiker, Poet und Zeichner gleichermassen. Erstmals wird in einer Schweizer Ausstellung die weitgreifende künstlerische Bedeutung dieser (Kult-)Figur aufgezeigt, nach den Retrospektiven in den Deichtorhallen in Hamburg (2011) und im ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe (2012). Die Ausstellung Dieter Meier. In Conversation spannt den Bogen von den konzeptuellen und performativen Arbeiten der 1960/70er-Jahre, die entstanden sind, bevor er mit der Elektropopgruppe YELLO und seinen Videos Musikgeschichte geschrieben hat, bis in die Gegenwart. Das Aargauer Kunsthaus schafft zudem einen Rahmen für persönliche Begegnungen mit Dieter Meier sowie eine Bühne für den Musiker und Performer.

FRIDA KAHLO - Et liv i kunsten

Ishoj Arken, DK; 7. september 2013 – 12. januar 2014

Frida Kahlo er én af det 20. århundredes mest markante kunstnerskikkelser. Hun blev en pioner ved at inddrage sig selv i kunsten på en ny og aktiv måde. Med selvportrætter og intime skildringer af sit dramatiske liv udfordrer Kahlo grænsen mellem værk og biografi, mellem kunst og hverdagskultur. Kahlos malerier er på samme tid nådesløst selvafslørende og dybt teatralske. Kunsten udgår fra hendes personlige erfaringer, men hun skaber også en identitet for sig selv gennem kunsten. Dermed gør hun kunst og liv til to sider af samme sag.

Med maleri, tegning og collage giver udstillingen et nært indblik i Kahlos værk, herunder en række af hendes ikoniske selvportrætter. En sektion i udstillingen vil belyse, hvordan hun livet igennem lod sig portrættere af nogle af samtidens mest prominente fotografer. Her udvikler hun sit offentlige image som eksotisk kvinde iklædt traditionelle mexicanske klædedragter.

Kahlos selvbevidste fremtoning i maleri og fotografi er del af en bredere tendens, hvor Mexicos kunstnere i tiden efter den Mexicanske Revolution (1910-20) søgte at frigøre sig fra vestlig indflydelse og genfinde deres egne rødder. Den mest prominente kunstner i denne ”mexicanske renæssance” var Kahlos ægtemand Diego Rivera, som vil være rigt repræsenteret på udstillingen. Udstillingen belyser også Kahlos plads i denne kulturelle bevægelse med værker af samtidige kunstnere som María Izquierdo, David Alfaro Siquieros, José Clemente Orozco m.fl.


Fotografie der Wissenschaft & Wissenschaft der Fotografie

Fotomuseum Winterthur, 07.09.2013 - 17.11.2013

Kunst und Wissenschaft ist ein Thema, mit dem sich das Fotomuseum Winterthur immer wieder beschäftigt hat, in Ausstellungen über die Fotografie des Unsichtbaren, über die Grenze von Wissenschaft und Fiktion, das Bild in der japanischen Medizin um 1900 usw. Thema dieser Ausstellung (im Rahmen von Seltene Erden – Kulturherbst Winterthur) wird das enge, aber auch delikate Verhältnis von Fotografie und Wissenschaft sein. Von der Dokumentation zur Taxonomie, zum Ordnungschaffen bis hin zur wissenschaftlichen Inszenierung, zum Theater der Wissenschaft. In der Ausstellung wird sich die Fotografie der Wissenschaft mit der Wissenschaft der Fotografie kreuzen. Diskutiert werden die verschiedenen Möglichkeiten des Sehens durch Fotografie, die Vorstellungen von multiplen Wirklichkeiten. Milliarden von unterschiedlichen Einzelwahrnehmungen bewirken Milliarden von Handlungen, die alle die Welt mit generieren. Die Fotografie hält in ihrer Vielfalt erstaunlich viele Anschauungen bereit.

Reading Cinema, Finding Words: Art after Marcel Broodthaers

National Museum of Modern Art Kyoto, September 7 ― October 27 , 2013

What kind of relationship is there between the photography, film, video works in contemporary art and cinema, both viewed through the same technical equipment camera? How have the contemporary artists using film regarded "cinema" as the archive of the image and the story? Reading Cinema, Finding Words: Art after Marcel Broodthaers will focus on artistic presentations using photograph, film, video in reference to "cinema" since the end of 1960s to the present.

 Many contemporary artists are getting to show great interests in the cinema historically or technically, and many works referring to the films in the past have been produced in order to express their ways of understanding about the work or a perspective about the world as a whole. As setting one of the most significant work by Marcel Broodthaers, Section Cinéma, Musée d'Art Moderne, Département des Aigles (1972) as a key work to consider how the museum of modern art could deal with cinema in the current situation, this exhibition will address the issues such as "relationship between image and text (narrative)", "translation", "reading the archive", "fiction and reality", "still and moving image" through the works of the following artists: Marcel Broodthaers, Cindy Sherman, Pierre Huyghe, Isaac Julien, Dominique Gonzalez-Foerster, Dayanita Singh, Ana Torfs, Miwa Yanagi, Anri Sala, Eric Baudelaire, Koki Tanaka, Ming Wong, Akram Zaatari.

Camille Pissarro

Mit den Augen eines Impressionisten
Picasso Museum Münster, 7. September - 17. November 2013

Camille Pissarros (1830-1903) grafisches Werk besticht durch seine motivische Vielfalt: Paare und Passanten, die über regennasse Boulevards flanieren, Bäuerinnen bei der Ernte, geschäftiges Treiben in Häfen und auf dörflichen Marktplätzen: Pissarros Werke beschreiben ein einzigartiges Panoptikum der französischen Gesellschaft des ausgehenden 19. Jahrhunderts. Sowohl die Beschleunigung des Lebens in der Großstadt, als auch der landwirtschaftliche Arbeitsalltag werden in Momentaufnahmen eingefangen. Somit wird Camille Pissarro zu einem impressionistischen Chronisten der tiefgreifenden Veränderungen der Belle Époque.

Im Rahmen dieser Ausstellung werden - erstmalig in Deutschland - über 120 Radierungen und Lithografien von Camille Pissarro präsentiert. Die Kunstwerke sind aus den Beständen der Französischen Nationalbibliothek in Paris, welche die weltweit größte Sammlung von Pissarro-Grafiken besitzt.



Die Sammlung Falckenberg der Deichtorhallen befindet sich in den Phoenix-Hallen in Hamburg-Harburg. Die dortigen Ausstellungen können nur im Rahmen von Führungen besucht werden. Termine und die Möglichkeit zur Buchung finden Sie unter

Die Deichtorhallen Hamburg zeigen vom 8. September 2013 bis zum 12. Januar 2014 in der Sammlung Falckenberg in Harburg den bislang größten retrospektiven Überblick über das skulpturale, fotografische und filmische Werk des spanischen Künstlers Santiago Sierra (*1966 in Madrid). Die Ausstellung wurde von Dr. Dirk Luckow kuratiert und umfasst 72 Arbeiten. Sierra ist für seine drastischen Performances weltweit bekannt. Es gibt wohl kaum einen europäischen Künstler, an dessen Werken sich die Gemüter mehr erhitzen, kaum ein Werk, das mehr Widerspruch provoziert.

Mit seinen Arbeiten thematisiert er vehement die strukturelle Gewalt politischer und wirtschaftlicher Systeme. Für Sierras Arbeit »250 cm line tattooed on 6 paid people« ließen sich sechs nebeneinander stehende junge Kubaner für 30 Dollar eine durchgehende Linie auf den Rücken tätowieren; 2003 ließ er den Eingang des spanischen Pavillon auf der Biennale in Venedig bis auf eine kleine Öffnung zumauern und gewährte nur den Inhabern spanischer Pässe Zutritt; in einer sehr umstrittenen Aktion in Deutschland leitete er in eine Synagoge in Stommeln Autoabgasen und verwandelte diese in eine Todeskammer; er ließ Menschen gegen geringes Entgelt stundenlang in Pappkartons verharren, eine umkippende Wand stützen oder öffentlich masturbieren.

Sierra konfrontiert die Betrachter mit einer äußeren Wirklichkeit, in der ökonomische Ausbeutung, Billiglöhne, Sich-Prostituieren oder das Verdrängen der Vergangenheit an der Tagesordnung sind: »Meine Arbeit ergreift Partei für das vom Kapitalismus zerstörte Leben. Und Kapitalismus ist für mich die ökonomische Spielart des Sadismus.« Sierra tritt mit seiner Kunst weder für eine gerechtere Verteilung des Reichtums noch für eine Verbesserung der Arbeitsbedingungen ein. Vielmehr führt er einen Angriff gegen die Arbeit selbst und ihr innerhalb der kapitalistischen Gesellschaft auch von kritischer Seite gepflegtes positives Image. Seine Arbeiter arbeiten, um zu arbeiten.

Piet Mondrian - Barnett Newman - Dan Flavin

Kunstmuseum Basel, 8. Sept. 2013 – 19. 1Jan. 2014

Kurator: Bernhard Mendes

Die grosse Sonderausstellung konzentriert sich auf das Werk von drei eminent wichtigen Künstlern der Moderne, Piet Mondrian (Amersford/Niederlande 1872 – 1944 New York), Barnett Newman (New York 1905 – 1970 New York) und Dan Flavin (New York 1933 – 1996 Riverhead, NY), die je einer anderen Generation angehören. Alle drei Künstler haben sich der abstrakten Kunst verpflichtet, dies jedoch unter je weils ganz anderen geistigen und gesellschaftlichen Vorzeichen. Dennoch vertrauen sie alle der Askese der bildnerischen Mittel, von Farbe und Form, um die Dimension der Kunst ins Universale zu weiten. Die Ausstellungsperspektive funktioniert wie drei in sich schlüssige Einzelpräsentationen, die in der monografischen und chronologischen Folge überaus erhellende Zusammenhänge schaffen und sich zu einem Gesamtorganismus vereinen.

Das Kunstmuseum Basel besitzt von allen drei Künstlern zentrale Werke, erwähnt seien «Day Before One», das 1959 als erstes Werk von Newman in eine Museumssammlung gelangte, oder die permanente Lichtinstallation «Untitled. In memory of Urs Graf», die Flavin 1972 für den Innenhof des Kunstmuseums Basel konzipierte (Ausführung 1975). Diese Werke vor Ort werden gezielt ergänzt um bedeutende Leihgaben aus wichtigen Museums- und Privatsammlungen, so aus dem Museum of Modern Art, New York, der Tate, London, oder dem Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris.

12. Biennale Lyon

12. September - 29. Dezember 2013
The 2013 Biennale, by Gunnar B. Kvaran, curator

With the coming of the post-media or post-conceptual age, artists have become more concerned with creating new narrative structures for their stories, whether real or imaginary, and for their experiences, whether major or minor. The starting point is no longer the matter and technique of traditional painting or sculpture, but a concept, an idea or a story which is then given concrete form.

Francis Bacon/Henry Moore

Henry Moore exhibition
Leeds,12th September 2013 - 5th January 2014
The Ashmolean Museum, Beaumont Street, Oxford, OX1 2PH

This major exhibition, opening in the Autumn, will give an insight into the connections between these two great twentieth century British artists. The Foundation is lending several key works by Henry Moore, including King and Queen 1952-53 (LH 350), The Helmet 1939-40 (LH 212) and Mask 1929 (LH 61).

Da Donatello a Lippi. Officina Pratese.

Prato, Museo di Palazzo Pretorio, 13 settembre 2013 – 13 gennaio 2014

Una grande mostra fa rivivere uno dei momenti magici dell'intera storia dell'arte italiana, quello vissuto nel Quattrocento dalla città di Prato quando qui operarono molti tra i maggiori artisti italiani dell'epoca.
"Da Donatello a Lippi. Officina Pratese", curata da Andrea De Marchi e da Cristina Gnoni Mavarelli, tornano in città capolavori creati in quegli anni e oggi dispersi in musei di mezzo mondo. La mostra è promossa dal Comune di Prato, con il sostegno della Fondazione Cassa di risparmio di Prato.

Intorno alla fabbrica della prepositura di Santo Stefano (poi cattedrale) presero forma imprese memorabili, da annoverare fra gli episodi più singolari ed affascinanti del primo Rinascimento. Per il pulpito destinato a mostrare la reliquia della Sacra Cintola, per gli affreschi della cappella dell'Assunta e della cappella maggiore, per altri arredi vennero chiamati artisti della grandezza di Donatello, Michelozzo, Maso di Bartolomeo, Paolo Uccello e Filippo Lippi. A loro va aggiunto il figlio di fra Filippo, Filippino, che da Prato prese le mosse e a Prato tornò a lavorare da anziano.

Su tutto domina la figura carismatica di Filippo Lippi, che fra anni '50 e '60 del Quattrocento tenne aperto il cantiere degli affreschi di Santo Stefano e del Battista, nella cappella maggiore del Duomo. Altre sue opere in mostra documentano la fantasia eccitata e le estenuate eleganze di questa splendida maturità. Intorno a lui si formarono pittori che meritano di essere meglio conosciuti, come il Maestro della Natività di Castello o Fra Diamante.

Prima di Lippi le figure di maggiore spicco che operarono per Prato furono Donatello e Paolo Uccello. Del primo è una Madonna col Bambino fra due angeli, del museo pratese, sottovalutato capolavoro giovanile. Anche Paolo Uccello, quando verso il 1433 affrescò nel Duomo di Prato, era un giovane in ricerca e la mostra sarà l'occasione storica per raccogliere per la prima volta al mondo praticamente tutte le opere di questa irrequieta giovinezza, fra anni '20 e '30 del Quattrocento, ancora in bilico tra fiammate goticheggianti e una narrazione più realistica e penetrante.

La mostra vuole offrire, attraverso una scelta di opere tutte di grande qualità, alcuni squarci di luce su queste personalità, per aiutare a capire meglio quanto a Prato di loro è rimasto. Al tempo stesso si prefigge alcune operazioni esemplari di ricostruzione di opere che erano a Prato e che sono state smembrate, riunendo predelle e pale ora divise fra i musei pratesi e le collezioni straniere (l'Assunta di Zanobi Strozzi dipinta per il Duomo, ora a Dublino, e la predella del Museo di Palazzo Pretorio; il capolavoro del Maestro della Natività di Castello, la pala di Faltugnano ora nel Museo dell'Opera del Duomo, la cui predella è spartita fra la National Gallery di Londra e la Johnson Collection di Philadelphia). Saranno così riportati a Prato capolavori che si trovano in importanti musei stranieri, come la pala di Budapest di Fra Diamante, proveniente dall'oratorio di San Lorenzo, con un doveroso omaggio al genio di Filippino Lippi, grazie alle opere della giovinezza e del suo ritorno a Prato nella piena maturità artistica.

Uno spettacolo per gli occhi ed i sensi, insomma. Ed insieme una ricognizione rigorosa di un momento artistico che ha ancora molti aspetti da svelare.

Pablo Bronstein Solo show

Centre d'art contemporaine Genf, 13.09 — 24.11.13


The Centre d'Art Contemporain Genève is pleased to present the first solo show of Pablo Bronstein in Switzerland and the first retrospective of its architectural drawings. Performance plays an important dimension in Bronstein work and will be an integral part of the exhibition at the Centre.

Pablo Bronstein is interested in the links between classical architecture and contemporary urbanism, between settings and decors, between art and dance. Through drawing, sculpture, video and performance, he looks at the historical otherness in order to unveil the links between power, fascination and classical art. His work often combines references to history of architecture- from the Roman antiquity and the Baroque to Neo-classicism and Post-modernism, as well as hints to history of art - from the Renaissance to the Modern period.

UCCA Wang Keping

Peking 13 Sept. 2013- 3. Nov. 2013

One of the original members of the historically monumental “Stars” art group, which famously first displayed works outside the China Art Gallery in 1979, Paris-based Wang Keping continues to create works ranging from sculpture to conceptual installation, while always remaining faithful to the material with which he began his career: wood. His iconic, organic forms echo Modernism and earlier Chinese sculptural traditions even as they give form to a highly individual artistic voice. Wang’s exhibition at UCCA will include key works from various moments in his nearly forty years of work.

Das Ende des 20. Jahrhunderts
Es kommt noch besser

Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin
Fr 13. September 2013 - So 30. März 2014

Das 20. Jahrhundert, in dessen Schatten wir noch leben, gilt weithin als das erste im Wesentlichen zukunftsbezogene Zeitalter. Zwar haben die wissenschaftliche Prognose und das Fortschrittsdenken ihren Ursprung in der europäischen Aufklärung. Doch erst die gewaltigen Durchbrüche und Meilensteine, die globalen Umwälzungen und Kataklysmen seit dem Beginn des Ersten Weltkrieges rückten die Idee der Zukunft in den unmittelbaren Blickpunkt von Politik, Wissenschaft, Kunst und Alltag.

Diese Idee der Zukunft, die alle Enttäuschungen und Verirrungen des 20. Jahrhunderts überdauert oder gar einverleibt hat, bildet den Ausgangspunkt für die neue Sonderausstellung der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin, die den betörenden Horizont des "Noch-Nicht" in den Blick nimmt.

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die titelgebende Skulptur von Joseph Beuys, "Das Ende des 20. Jahrhunderts (1. Fassung)". Anfang der 1980er Jahre, als das so herbeigesehnte wie gefürchtete "Ende des 20. Jahrhunderts" noch in der Zukunft lag, arrangierte der Künstler 21 liegende Basaltstelen, einen Hubwagen und eine Brechstange zu einer der eindringlichsten Prognosen unserer Zeit.

Die Präsentation entfaltet sich in zehn Kapiteln, die Beuys' Formulierung der Zukunft aufgreifen, erweitern oder auch infrage stellen. In einer assoziationsreichen Gegenüberstellung zwischen repräsentativen Kunstwerken der Sammlung Marx und einer Auswahl von international renommierten, vorwiegend jüngeren Positionen wird der Frage nachgegangen, was unsere Vorstellungen der Zukunft - Ruinenlandschaften wie Luftschlösser - über uns und unsere Gegenwart offenbaren, darüber, wovor wir uns fürchten, und über das, wonach wir uns sehnen. Was auf uns zukommt, bleibt offen.

Mit Werken von:
Özlem Altin, Joachim Bandau, Sara Barker, Joseph Beuys, Olga Chernysheva, Marcel Broodthaers, Jason Dodge, Mikala Dwyer, Jorge Galindo & Santiago Sierra, Rodney Graham, Jenny Holzer, Anselm Kiefer, Mario Merz, Nicholas Monro, Robert Rauschenberg, Dieter Roth, Cy Twombly, Andy Warhol, Rachel Whiteread u.a.

Wols: Retrospective

Menil Collection Houston, September 13, 2013 – January 12, 2014

A draftsman, painter, and photographer, Wols (1913–1951) was one of the most ingenious and influential—if commercially unsuccessful—artists to emerge in postwar Europe. Along with Jean Dubuffet, Pierre Soulages, and Georges Mathieu, Wols was a leading figure in Tachisme, a movement in painting considered to be the European equivalent of American Abstract Expressionism. Named for the French word tache, meaning stain, Tachisme—an outgrowth of the larger Art Informel, or “art without form” movement—cultivated an automist style emphasizing free lines and forms drawn from the artist’s psyche.

Neuland! Macke, Gauguin und andere Entdecker

Kunsthalle Emden, 14. September 2013 – 19. Januar 2014

Künstler sind Entdecker, die neugierig die Welt begreifen und ihre Sicht auf sie vermitteln wollen. Zu allen Zeiten reisten sie dafür an entlegene und exotische Orte. In der heutigen globalen Welt sind weiße Flecken auf der Landkarte rar geworden. Seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts gibt es daher zunehmend Tendenzen, vermeintlich bekannte Orte neu zu entdecken und anders wahrzunehmen. Drei Kapitel führen von den Künstlerreisen der Jahrhundertwende bis zum mythischen Atlantis und zu den fiktiven Welten der Filmkulissen. Mit dieser Ausstellung beteiligt sich die Kunsthalle am Programm des kulturtouristischen Themenjahres “Land der Entdeckungen”, das 2013 an über 100 Schauplätzen und Kultureinrichtungen auf der ganzen ostfriesischen Halbinsel stattfindet.

Candida Höfer

Düsseldorf Museum Kunstpalast, 14. September 2013 – 9. Februar 2014

Candida Höfer gehört mit Andreas Gursky, Thomas Ruff und Thomas Struth zur ersten Generation von Bernd Bechers Fotoklasse an der Kunstakademie. Ihre Arbeiten sind geprägt von kühler Sachlichkeit, präzisem Erfassen von Details und vor allem auch einem ausgeprägtem Interesse an Strukturen und Ordnungen im öffentlichen Raum. Seit ihrer Zeit an der Düsseldorfer Akademie findet die berühmte Fotografin Candida Höfer immer wieder Motive in Düsseldorf.
Im Herbst zeigt das Museum Kunstpalast eine Ausstellung, die sich erstmals auf Werke konzentriert, die während eines Zeitraums von etwa vier Jahrzehnten in Düsseldorf entstanden sind. Die Entwicklung der Fotografin wird in der Ausstellung genauso anschaulich wie die der Stadt. Besonders interessant sind die seltenen Momente, in denen die Künstlerin oft Jahre später an den gleichen Ort zurückkehrt und ein Motiv abermals aufgreift, doch mittlerweile mit einem veränderten Blick. Für die etwa 100 Werke umfassende Schau entstehen neue Arbeiten, viele der älteren Fotos wurden noch nie öffentlich gezeigt.

13. Biennale Istanbul

14. September - 10. November 2013, Istanbul

Klara Lidden

Museon Bozen, 14/09/13 – 12/01/14

Eröffnung: 13/09/13

Die Arbeiten von Klara Lidén zeichnen sich durch ein großes Maß an Energie und Vitalität aus – Eigenschaften, die diese Künstlerin einsetzt, um soziale Konventionen zu brechen. Ihr Werk besteht aus Performances, Raumarbeiten, Installationen und Videos, die das Publikum körperlich und geistig mit einbeziehen wollen. Betrachterinnen und Betrachter merken schnell, dass alle Arbeiten, mehr oder weniger subtil, Respektlosigkeit wenn nicht gar Rebellion gegen bürgerliche Normen ausstrahlen. Oft greift die Künstlerin dabei auf Materialien zurück, die sie in ihrem häuslichen Umfeld oder in unmittelbarer Nähe des Ausstellungsraums findet. Klara Lidén wurde 1979 in Stockholm geboren. Sie lebt und arbeitet in Berlin und New York. 2009 war sie Rahmen der 53. Biennale in Venedig im Pavillon der nordischen Länder vertreten. 2011 wurde Klara Lidén auf der 54. Biennale in Venedig mit einer, jungen Künstlern vorbehaltenen, lobenden Erwähnung ausgezeichnet.

Kuratiert von Letizia Ragaglia

Homage to Henri Rousseau

the World of Naive Painters and Outsiders, Setagaya Art Museum Tokyo, September 14 - November 10, 2013

This exhibition introduces around 100 examples of naïve painting and outsider art from the collection of the Setagaya Art Museum, made by artists from around the world. Four paintings by Henri Rousseau (1844-1910) are a special feature of the collection. The show also includes works by other modern and contemporary artists such as Joan Miró, Max Ernst, and Yayoi Kusama that have ties to naïve and outsider art. Naïve artists are artists who have not received technical or academic training and are not well known in the world of art, and outsider artists are sometimes afflicted with mental disorders or disabilities. Why do they express themselves in painting or sculpture? By reexamining the lives and work of these artists, we explore the meaning of creating and living with art.

Margret Rufener

Chur Kunstmuseum, 14. Sept. – 17. Nov. 2013

Zeichnen hat die 1938 geborene Margret Rufener immer als Nebenbeschäftigung betrachtet. Immer wieder war anderes wichtig: Für die gelernte Grafikerin die Gestaltung von Büchern, für die Mutter die Familie, für die Künstlerin die Unterstützung ihres Mannes Jean-Frédéric Schnyder. So hat ihr eigenes Werk, das sie trotz allem kontinuierlich betrieben hat, bisher keinen Weg in die Öffentlichkeit gefunden und wird im Bündner Kunstmuseum nun erstmals in grösserem Umfang präsentiert. Im Zentrum ihres Schaffens stehen Zeichnungen, die stark aus der Körperbewegung fliessen und in ornamentalen Reihen ebenso systematisch wie variationsreich Lebenszusammenhänge reflektieren und bildnerische Gesetzmässigkeiten für das menschliche Denken und Fühlen, für Zeit und Vergänglichkeit suchen. Parallel dazu entstehen wunderbar poetische Texte als Schriftbilder oder für selbst verlegte Bücher und Hefte.

Vernissage: Freitag, 13. September, 18 Uhr

Hashimoto Kansetsu

Hyogo Prefecturial Museum Kobe, Sep. 14 − Oct. 20

This is an exhibition to commemorate the 130th anniversary of the birth of Hashimoto Kansetsu (1883-1945), who was deeply associated with Hyogo Prefecture. Various works from his early days to his last years are on display, including those based on historical events in China, shin-nanga style works and animal paintings. This serves as an opportunity to rediscover the accomplishments of Kansetsu, who left a major mark on the world of modern Japanese painting, and explore the sense of beauty and artistic views that supported his creative activities.

Gauguin, Bonnard, Denis.
A Russian Taste for French Art

Hermitage Amsterdam, 14 September 2013 to 28 February 2014

Starting on 14 September 2013, the Hermitage Amsterdam will turn its attention to three great French artists of the late nineteenth and early twentieth centuries: Gauguin, Bonnard and Denis. In the years following the breakthrough of Impressionism, they went in search of new artistic paths. The elusive Paul Gauguin (1848–1903) was a shining example for the introverted Pierre Bonnard (1867–1947) and the theoretician Maurice Denis (1870–1943). Bonnard and Denis were briefly united with a few other artists (such as Valloton and Vuillars) under the name of Les Nabis, after the Hebrew word for ‘prophet’. These young artists explored fascinating new artistic paths. Unlike the Impressionists, who aimed primarily to capture the fleeting qualities of natural light, the Nabis emphasised colour, feeling, symbolism and imagination. Their work was quickly embraced in Paris, and in Moscow.

The wealthy Russian collector Ivan Morozov was soon charmed by their youthful talent, buying their work and offering them commissions. For instance, Morozov asked Denis to decorate the concert hall in his mansion in 1908. The exhibition will include a unique reconstruction of this exquisite interior, with seven paintings and six decorative panels: The Story of Cupid and Psyche. Bonnard painted the monumental triptych Méditerrannée for the same collector. This work too will be on display in an illusionistic setting, with flat columns in front of the work enhancing the illusion of a Mediterranean view.

The work of the Nabis will be exhibited side by side with French paintings and drawings by their predecessors, contemporaries and immediate successors. With a small selection of sculptures by Auguste Rodin, Auguste Maillol and Paul Auguste Bartholomé, the exhibition will reveal the many facets of Paris’s flourishing artistic climate in the 1890s.

The term ‘Nabis’ was first used in 1889, by a group of young artists in search of a new approach to painting. They were studying together at the Académie Julian in Paris. The daring experimentalist Paul Gauguin became their inspiration, pointing them toward a new way of seeing and painting. The works on display were made between 1890 and the outbreak of the First World War.

Through their ‘flat’ style, initially lacking in traditional linear perspective, the Nabis – together with other avant-garde artists such as Van Gogh and Gauguin – opened the door to modern art. Their paintings in unmixed colours, making expressive use of form and coloration, paved the way to an art that was free and abstract. Their wide-ranging subject matter included city scenes, landscapes, religious themes, portraits and interiors. The Nabi painters used photography to test their compositional ideas, developing a photographic way of seeing. They also embraced the decorative painting of the Art Nouveau movement, making enormous decorative panels for their patrons’ buildings. In all these ways, they explored the artistic boundaries between high and low, fine and applied art.

Zurbarán (1598-1664)

14 settembre 2013 - 6 gennaio 2014, Palazzo die Diamanti Ferrara

(Bozar Brüssel, 29. Jan. - 25.Mai 2014)

Nell'autunno 2013 Palazzo dei Diamanti ospiterà Zurbarán (1598-1664). Contemporaneo di pittori spagnoli, come Velázquez e Murillo, così come di artisti olandesi quali Rembrandt e Hals, Zurbarán si distingue per lo stile inconfondibile della sua pittura, segnata da un naturalismo asciutto e monumentale intriso di una vena poetica. In vita il pittore ha conosciuto una straordinaria notorietà per la sua capacità di interpretare il fervore religioso della sua epoca con immagini quotidiane e sovrannaturali, intime e grandiose. In seguito, il suo astro si è in parte offuscato. Solo a partire dall’Ottocento, la sua statura artistica ha riconquistato il pieno riconoscimento: generazioni di artisti, dai romantici ai maestri del primo Novecento, hanno tratto ispirazione dalla sua arte sublime ed essenziale e, in tempi più recenti, studi autorevoli e prestigiose esposizioni internazionali hanno riaffermato il suo fondamentale contributo alla storia dell’arte barocca e la potenza di una pittura che non cessa di stupire.

5. Fotofestivals Grenzgänge. Magnum: Trans-Territories

Das Fotofestival Mannheim-Ludwigshafen-Heidelberg feiert vom 14.09. bis zum 10.11.2013 sein fünftes Jubiläum.

Zu diesem besonderen Anlass wurde Andréa Holzherr als Kuratorin eingeladen. Sie entwickelt aus dem vielfältigen Bildkosmos der legendären Fotoagentur und Fotografen-Kooperative Magnum Photos ein übergreifendes Thema für die Ausstellungshäuser. Wir freuen uns sehr, dass sie den weltbekannten Fotoreporter und ehemaligen Magnum-Präsidenten Thomas Hoepker als Schirmherr für das Festival gewinnen konnte.

Im Fokus des 5. Fotofestivals Grenzgänge. Magnum: Trans-Territories stehen Positionen von Magnum-Fotografen, die sich mit geografischen, politischen, wirtschaftlichen und privaten Territorien im physischen und metaphorischen Sinne auseinandersetzen. Inspiriert von den spezifischen Gegebenheiten des Fotofestivals mit seinen Partnerinstitutionen in drei Städten und zwei Bundesländern, präsentiert die Kuratorin Andréa Holzherr fotografische Arbeiten, die von der Verteidigung, der Öffnung, der Überschreitung, aber auch vom Ineinandergreifen verschiedener Bereiche und Territorien handeln.

Die einzelnen Ausstellungen befassen sich daher mit dem Begriff der Heimat, aber auch mit deren Gegensatz: der Entwurzelung, dem Exil und der Migration. Sie blicken hinter die Mauern der „Ausgegrenzten“ und der „Eingesperrten“ in Gefängnisse, Asyle und psychiatrische Institutionen. Sie zeigen Krieg und gewalttätige Auseinandersetzungen bei Macht- und Hoheitsansprüchen auf gewisse Territorien, doch sie präsentieren auch Gemeinsamkeit, Gemeinschaft und Verbundenheit von Communities und Interessengemeinschaften.

Durch die Vereinigung der unterschiedlichen fotografischen Ansätze in den acht Ausstellungen des Fotofestivals wird nicht nur die enorme Themenvielfalt der Magnum-Fotografen deutlich, sondern auch ihre sehr unterschiedliche persönliche und formale Herangehensweise. Dokumentarfotografie und künstlerische Fotografie werden gleichermaßen in den Ausstellungen präsent sein und den Besuchern ein interessantes Spannungsfeld bieten, das durch bewegte Bilder in Videos und punktuell durch Dialogkünstler ergänzt wird.

Als wichtiger Bestandteil des 5. Fotofestivals und seiner thematischen Fragestellungen nehmen zwei Sonderprojekte eine herausragende Stellung ein. Für das In-Situ Projekt Insight Out / Konversion fotografieren die Magnum-Fotografen Alessandra Sanguinetti und Donovan Wylie den Abzug amerikanischer Soldaten aus der Region Rhein-Neckar und dokumentieren das Freiwerden ehemals militärisch genutzten Geländes und die damit verbundene Auflösung territorialer Grenzen. In einem zweiten, speziell für das 5. Fotofestival produzierten Projekt mit dem Titel Deutschlandreise, werden die vier Magnum-Fotografen Olivia Arthur, Peter van Agtmael, Paolo Pellegrin und Moises Saman quer durch Deutschland reisen. Ihr persönliches Bild des Landes im Wahljahr 2013 wird in einer eigenen Ausstellung präsentiert.

Russian Avantgarde

Moderna Muset Malmö, 14 September 2013 - 26 January 2014

Moderna Museet Malmö continues to explore the museum's rich collection and presents an extensive autumn exhibition, which takes up almost the entire museum building.

This time it is the pioneering Russian avant-garde from the first half of the 20th century. Masterpieces of Malevich, Kandinsky, Popova, Rodchenko, Tatlin and others are presented together with Russian poster art. The exhibition highlights the visions of the last century and how we see them today.

Curator: Iris Müller-Westermann

Pending: Su Xinping Solo Exhibition

September 14 – 23, 2013, Today Art Museum Peking

"Pending: Su Xinping Solo Exhibition" is curated by Ms. Shu Kewen, famous scholar and Associate Editor of Sanlian Life Weekly, and co-organized by the Today Art Museum and Central Academy of Fine Arts. Mr. Su's over 20 artworks created since 2007, including the "Landscape", "Grey", "Character" and "Eight Things" series will be displayed at the exhibition.

As time went into a new century, especially after the year of 2007, Su returned to the experiment of individualized language, combed through some elements typical in his early works and tried to integrate them with personal experience and expression. The said personal experience refers to his expression language and method accumulated in long-term printmaking practices, e.g. two-dimensional characteristics, pure and simple structure, application of oil paints, together with free brushwork, materiality of paint and natural revelation of internal feelings. Su frankly said that it was hard to name the indication of such an expression. Either "Landscape", "Grey" or "Eight Things" is from imagination and somewhat ambiguous, rather than being actual view in the objective world. He was looking for a way to accurately convey his inner feeling, and to depict individual's inner world in a "seemingly ambiguous but actually accurate" manner.

For an artist like Su Xinping, continuously challenging himself in artistic creation impels him to return to the origin in order to gather momentum for going beyond himself. In recent years, Su Xinping concentrated his interest more on considering and exploring the possibility of contemporary conversions of the idea and method of traditional Chinese painting, and personal artistic language. Through persistent exploration and refining of his most familiar language and method, Su found the artistic language and expression method suitable for him. Also, in reconsidering and comprehending the spirit and idea of traditional Chinese painting, he strives to realize contemporary conversion of the idea, and thus reach the goal of forming his unique artistic language. This is what the exhibition intends to highlight.


Ernst, Magritte, Dalí, Picasso, Antes, Nay Die Wormland-Schenkung

Pinakothek der Moderne München, 14.09.2013 - 26.01.2014

Sammlung Moderne Kunst

Im Jahr 2013 werden die ca. 60 Gemälde und Skulpturen der Theo Wormland-Stiftung, die der Sammlung Moderne Kunst seit 30 Jahren als Dauerleihgabe gewährt sind, an die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen übereignet. Zu der herausragenden Kollektion des Surrealismus und der Neuen Figuration, die der Unternehmer Theo Wormland (1907-1983) zusammengetragen hatte, zählen weltbekannte Meisterwerke von Max Ernst, René Magritte und Pablo Picasso. Mit der Wiedereröffnung der Pinakothek der Moderne im Herbst 2013 wird die Sammlung im Rahmen des Übertrags in Staatsbesitz in ihrer ganzen Vielfalt und Bedeutung gewürdigt.

Ma Dongmin Solo Exhibition

September 15 - 23, 2013, Today Art Museum Peking

In this new series of works by Ma Dongmin, a new visional landscape of the artist's contemporary language is constructed with images that belong to the memory of the global public. The people, things and objects that have been labeled as canons of the time in these images are processed and selected by the artist to form a quiet path toward the destination of universal values and moral hights. The glory, desire, tranquility and excitement that has been

purged by the stream of time are presented in these re-created works with a mild glazing. In a time of moral decadence and absence of faith, these images gathered by Ma Dongmin expand in our vision to create a time line through the new-borne, the lost and the immortal heritages in opposition to the existence of the current. They become a remedy for us to apply to ourselves and make inner inspection and reflection.

Man Ray - Fotograf im Paris der Surrealisten

Max Ernst Museum Brühl , 15.Sep. - 8.Dez. 2013

Man Ray (1890-1976) hat unsere Vorstellung von dem, was Fotografie ist, entscheidend geprägt. Die experimentellen und suggestiven Gestaltungen des „großen Poeten der Dunkelkammer" machen ihn zu einem der wichtigsten Fotokünstler des 20. Jahrhunderts. Das Max Ernst Museum Brühl des LVR zeigt in der Ausstellung »Man Ray - Fotograf im Paris der Surrealisten« rund 150 fotografische Werke des »Chemikers der Geheimnisse«

México Inside Out: Themes in Art Since 1990

Modern Art Museum of Fort Worth, Sep 15, 2013 - Jan 05, 2014

México Inside Out: Themes in Art Since 1990 is one of the largest and most ambitious exhibitions in over a decade to examine contemporary art of central Mexico and Mexico City from the 1990s to the present day. Organized by curator Andrea Karnes, the exhibition is the first of its kind to be presented in North Texas.

This thematic exhibition features approximately sixty works by twenty-three artists who explore aspects of the country’s complex sociopolitical climate. The artists in Inside Out tackle issues regarding borders, violence, corruption, economic and civic institutions, and revolution. While they investigate these regional and national issues, they are also firmly engaged with similar concerns and impulses that are universal. As indicated in the title, “Inside” refers to local and “Out” to global.

Inside Out presents some of the most important artists working in Mexico today. The exhibition features a variety of media, including painting, sculpture, video, photography, collage, and drawing by the following artists: Eduardo Abaroa, Francis Alÿs, Edgardo Aragón, Artemio, Gustavo Artigas, Abraham Cruzvillegas, Minerva Cuevas, Thomas Glassford, Daniel Guzmán, Jonathan Hernández, José Jiménez Ortiz, Gabriel Kuri, Teresa Margolles, Miguel Monroy, Yoshua Okón, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Naomi Rincón-Gallardo, Idaid Rodríguez, Joaquin Segura, Melanie Smith, Tercerunquinto, and José Antonio Vega Macotela.

The exhibition starts chronologically with several influential artists who began to change the face of contemporary art in Mexico in the late 1980s. Some of these artists are Mexican by birth, like Gabriel Orozco, and others migrated to the country, like Francis Alÿs (Belgian-born) and Melanie Smith (British-born). Although Orozco, Alÿs, Smith, and the others never identified themselves as an official group or were affiliated with a specific movement, they connected regularly with each other in these early days, engaging in critical dialogue and occasionally exhibiting together. As the decade closed, their creative output began to be recognized in relationship to other important international artists, and this coincided with the moment when the globalization of contemporary art was taking place. Throughout the 1990s this unofficial group continued to flourish, establishing a new avant-garde in Mexico that can be aligned with such other leading world art centers as New York, Los Angeles, London, Berlin, Hong Kong, Shanghai, and São Paulo.

A range of forces sparked the revival of Mexican art at this time, chief among them: the rapid devaluation of the peso; persistent and increasing political corruption, rampant violence in the country’s capital, a growing gulf between wealth and poverty, and the reality of the megalopolis that Mexico City had become—fueling equal parts urban density, pollution, industry, and enterprise.

The catastrophic earthquake of 1985 also had a major impact on Mexico and the art being produced there. It marked a new moment by way of natural forces that bonded a generation of contemporary artists, including those who stayed after the earthquake and those who moved to the city while it healed and recovered. This “post-earthquake” generation took shape with its own set of formal and conceptual concerns. They looked not to their Mexican artistic predecessors, the Social Realists from the early- to-mid-twentieth century, for inspiration, or to the market-oriented painters experiencing success in New York in the 1980s; they turned instead to European conceptualism. From that point forward, art with a social consciousness, aesthetically connected to post-minimalism, would set the tone in Mexico.

Works by several of the historical anchors within the post-earthquake generation create the foundation for Inside Out. The installation then moves forward through the 2000s, to now. This two-and-a half decade date range establishes a lineage between the artists who revitalized Mexico’s mark on the contemporary art world, the ones who immediately followed, and the most recent generation. The exhibition suggests common threads that are multigenerational; for example, many of the artists examine the connection between geographic locales, politics, and community. Some approach these topics solemnly, others are rebellious and subversive, others use humor.

While the exhibition’s title, Inside Out, primarily asserts that what is local is also global, there are a few important subtexts. The title recognizes those artists who live in Mexico, but who are originally from other countries and, therefore, act as agents of a new set of influences; these artists began as outsiders, but are now firmly engaged with Mexico. It acknowledges the strong tendency of artists in Mexico to seek alternative exhibition spaces outside traditional channels, and it refers to artists who explore frontier issues versus interior issues. Inside Out also calls attention to those whose works speak in overt ways to the current plights of Mexico and those whose works are more oblique—two identifiable trends in Mexican art today.

Major support for the exhibition México Inside Out: Themes in Art Since 1990 provided by The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Catalogue support provided by Furthermore: a program of the J. M. Kaplan Fund. Additional support provided by the Arts Council of Fort Worth & Tarrant County and Conaculta.


17. – 22. September 2013

Nach dem erfolgreichen Start 2012 findet die zweite BERLIN ART WEEK in diesem Jahr vom 17. – 22. September 2013 statt. Mit einem spannenden wie vielfältigen Programm aus hochklassigen Ausstellungen, Vernissagen, Veranstaltungen sowie zahlreichen Sonderprojekten und Begleitveranstaltungen der zehn beteiligten Institutionen sowie der Messeformate abc – art berlin contemporary und PREVIEW Berlin Art Fair wird die BERLIN ART WEEK auch 2013 wieder die ganze Kunst Berlins in einer Woche präsentieren und verspricht, das Kunstereignis des Herbstes zu werden. Besonderes Highlight stellt Painting Forever! dar, eine Kooperation von Berlinische Galerie, Deutsche Bank KunstHalle, KW Institute for Contemporary Art sowie Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin bei der das Thema der zeitgenössischen Malerei in Berlin in einem erstmaligen Zusammenschluss von vier Institutionen beleuchtet wird. Siehe auch Aussstellung das Ende des 21. Jahrhunderts im Hamburger Bahnhof sowie Preis der Nationalgalerie

Reading Andy Warhol

Museum Brandhorst München 17.09.13 - 13.01.14

War Andy Warhol ein Intellektueller oder doch ein Comicleser? Dass der berühmteste Pop Art Künstler ein sehr inniges Verhältnis zu Büchern hatte, wissen bis heute auch viele Kenner nicht. Die vom Museum Brandhorst ausgerichtete und in Zusammenarbeit mit dem Warhol Museum in Pittsburgh entwickelte Ausstellung zeigt erstmals, dass Warhol seit seinen Studientagen in den vierziger Jahren bis zu seinem Tod 1987 durchgängig kreativ an Büchern arbeitete. Aus Tonbandaufnahmen wurden Publikationen, die herkömmliche Literaturgenres sprengten und zugleich ein Bild von Warhol selbst geprägt haben, das bis heute die Rezeption seines Werkes bestimmt. In dieser Gesamtschau zeigen die von Warhol gestalteten Bücher eine überraschend unbekannte Seite des weltberühmten Künstlers.[pointer]=6&tx_ttnews[tt_news]=1408158&tx_ttnews[backPid]=3&cHash=3a732c772d2cc633df10937ad7a7445b#.UOq1pbbd0y4

George Braque

18 Sept. 2013 - 6 Januar 2014, Gran Palais Paris

Die Nationalgalerie im Gran Palais widmet Braque, dem Mitbegründer des Kubismus eine große Retrospektive. Ebenfalls im Gran Palais ist eine Schau mit Werken Felix Vallotons zu sehen. (2 Okt. 2013 – 20. Jan. 2014) Artport berichtet über die Höhepunkte der Pariser Herbstausstellungen.

Le Grand Palais présente la première rétrospective consacrée à Georges Braque (1882-1963), depuis près de quarante ans. Initiateur du cubisme et inventeur des papiers collés, il fut l’une des figures d’avant-garde du début du XXe siècle, avant de recentrer son œuvre sur l’exploration méthodique de la nature morte et du paysage. L’exposition propose un nouveau regard porté sur l’œuvre de l’artiste et une mise en perspective de son travail avec la peinture, la littérature ou la musique de son temps. Elle réunit des œuvres venues du monde entier.

Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais en partenariat avec le Centre Pompidou.
Exposition réalisée grâce au soutien de Nexity.

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Günter Brus – Franz Graf

Neue Galerie Graz, 19. September 2013 – 09. Februar 2014
Eröffnung: 18. September 2013

T. J. Wilcox: In the Air

Whitney Museum of American Art, New York, Sep 19, 2013–Feb 9, 2014

For T. J. Wilcox: In the Air, the New York-based artist has created a remarkable new panoramic film installation, which will fill up most of the second floor of the Whitney Museum of American Art. Here Wilcox revisits the “cinema in-the-round” panoramic presentations that appeared at the dawn of film history in the late 19th century, bringing the concept up to date with state-of-the-art technology to create an immersive cinematic environment.

Wilcox’s work is characterized by a fascination with personal narrative and the ways in which history is always under construction, woven from fact, myth, memory, associations, and the bombardment of information we all receive on a moment-to-moment basis. Shot from Wilcox’s studio with its 360-degree views of Manhattan from high above Union Square, In the Air tells New York-specific narratives related to the spectacular views seen through the artist’s windows: an architect’s vision of the Empire State Building as the landing site for trans-Atlantic zeppelins; Andy Warhol’s welcoming the pope-mobile with a flurry of silver Mylar balloons; the life in the spotlight of artist, starlet, and heiress Gloria Vanderbilt; and the mesmerizing Manhattanhenge, the phenomenon that occurs when the sun sinks slowly at the Western edge of East-West city streets with perfect precision, creating a magical effect within the canyon-like walls of the city’s grid.

As Wilcox has said, “I like my film and video work to appear as the visible record of my own journey through our saturated mediated age, highlighting those things that have held my attention and captured my imagination. Just as our perception of a present is a hybrid of personal memory, historical record, family lore, political, social, national, and artistic histories and mythologies, film and video provide the page upon which I make a collage of the ideas I hold most dear.”

The exhibition also features related pieces selected by Wilcox from the Museum’s permanent collection, including works by Morgan Fisher, Felix Gonzalez-Torres, and Yoko Ono, as well as a film and video series devoted to ways artists have viewed the cityscape of New York.

Jordaens 1593-1678

Petit Palais Paris, 19. Sept. 2013 – 19. Jan. 2014

Du trio de tête de la peinture flamande du XVIIe siècle, Rubens-Van Dyck- Jordaens, ce dernier est peut-être moins connu en France faute d’y avoir jamais bénéficié d’une grande rétrospective. Le défi est relevé par le Petit Palais qui fait de l’exposition Jordaens, la gloire d’Anvers l’évènement majeur de la rentrée parisienne dans le domaine de la peinture ancienne.

Grâce aux prêts d’oeuvres exceptionnelles consentis par les plus grands musées français et internationaux, ainsi qu’à une scénographie très évocatrice, Jacques Jordaens (1593-1678) devrait retrouver son statut de gloire de la peinture anversoise. Sa longue carrière - elle se prolongera plus de trente ans après la mort de Rubens en 1640 - et la facilité de l’artiste à brosser de vastes toiles aux couleurs étincelantes lui permettront, avec le renfort d’un atelier en ordre de bataille, de fournir une partie de l’Europe entière en tableaux d’autel et en grandes compositions mythologiques. Alors qu’Anvers perdait son statut de capitale économique du continent, Jordaens en maintint le prestige artistique grâce à ses productions placées sous le signe de l’abondance et de la splendeur du coloris.

Venues de Belgique mais aussi de Russie, d’Amérique, de Suède, de Hongrie, de Jérusalem comme de Madrid et de Vienne, les cent vingt oeuvres rassemblées au Petit Palais permettront d’évoquer la richesse et la variété de son inspiration, des portraits de famille aux grandes compositions religieuses, des fameux Proverbes et scènes de banquet (Le Roi boit !) aux cartons de tapisseries. Ainsi verra-t-on combien ce bourgeois anversois qui n’a presque jamais quitté sa ville natale, a su puiser à des sources multiples où Rubens voisine avec le Caravage et les maîtres vénitiens de la Renaissance avec l’héritage antique, et comment il conquit une réputation internationale en les combinant à une verve toute personnelle.
Jalonnant le parcours de l’exposition, des propositions pédagogiques inédites offriront au visiteur la possibilité d’entrer dans l’intimité des oeuvres et d’appréhender concrètement les secrets du métier de peintre. L’exposition est par ailleurs accompagnée d’un catalogue scientifique richement illustré.

Commissariat Alexis MERLE DU BOURG, Historien d'art

Arno Gisinger - TOPOÏ

19. September bis 17. November
Eröffnung: 18. September 2013
Landesgalerie Linz / Wappensaal

Arno Gisinger stellt die Frage nach Erinnern und Vergessen im Medium der Fotografie. Seine künstlerischen Arbeiten stehen für die aktuelle Suche nach neuen Ausdrucksformen innerhalb der Tradition des Dokumentarischen. Dabei dient die Fotografie als Analyse- und Rechercheinstrument für die Befragung unseres Verhältnisses zur Vergangenheit. Eine wesentliche Rolle spielt deshalb bei jedem Ausstellungsort die Geschichte des Hauses, auf die Arno Gisinger mit einer spezifischen, neu entwickelten Arbeit für jede Station reagiert. Die Ausstellung ist eine Kooperation des Museums für Photographie Braunschweig (D), Centre photographique d’Île de France, Pontault-Combault (F), Photoforum PasquArt, Bienne/Biel (CH) und der Landesgalerie Linz (A).

Arno Gisinger wurde 1964 in Österreich geboren; er lebt und arbeitet seit 2004 in Paris.

Ulla von Brandenburg,

Secession Wien, 19. September – 10. November 2013

Die Arbeiten der deutschen Künstlerin Ulla von Brandenburg kreisen um das Theater und verwandte Darstellungskonventionen wie Jahrmarktssensationen und volkstümliche Rituale. In ihren Filmen, Installationen, Performances und Zeichnungen ergründet sie Facetten des Bühnenhaften und Theatralischen, das Verhältnis von Zuschauern und Akteuren, die Regelhaftigkeit des Spiels sowie die Schnittstellen von Realität und Illusion.
In ihren frühen Schwarzweißfilmen setzt Ulla von Brandenburg scheinbar bewegungslose Arrangements von Personen und minimale performative Aktionen in Szene, um ritualisierte Verhaltensmuster und das Verhältnis von Sein und Schein zu erkunden. Beispielhaft dafür steht ihr Film
8 aus dem Jahr 2007. In einer einzigen ungeschnittenen Fahrt bewegt sich die Kamera durch die Zimmerfluchten eines barocken französischen Schlosses und trifft in jedem Raum auf Personen oder Figurengruppen, die ebenso geheimnisvolle wie bedeutungsschwere Gesten ausführen. Auch in ihrem jüngeren Film Shadowplay (2012) werden die Verdoppelung, die im Akt der Schauspielerei liegt und die Spannung zwischen angeleitetem Spiel, der Identifikation mit der Rolle und der Identität einer Person thematisiert. Eine Frau und zwei Männer treffen in der Umkleide eines Theaters aufeinander; sie ziehen ihre Kostüme an, schminken, inszenieren und duellieren sich. Durch die stilisierenden Darstellungsmittel des Schattentheaters und des Lieds, das die Schauspieler abwechselnd singen und das die Dauer des Films bestimmt, haftet dem Film etwas Märchenhaftes und Poetisches an.

Ulla von Brandenburg inszeniert ihre Filme häufig in multidisziplinären, spezifisch auf den Raum abgestimmten Präsentationen, die ein dichtes Netz an kulturellen und historischen Bezügen etablieren. Wiederholt hat sie aus verschiedenfarbigen Stoffbahnen und Theatervorhängen räumliche Strukturen entworfen, die Grenzbereiche zwischen der äußeren Realität und der Künstlichkeit des Theaters erzeugen und zugleich die Schwelle zum geistigen Raum des Unterbewussten und Unausgesprochenen markieren.

Zeitgleich mit:



Albertina Wien, 20. September 2013 - 12. Januar 2014

Die Albertina zeigt im Herbst 2013 eine umfangreiche Ausstellung mit rund 140 Werken von Henri Matisse und den Fauvisten, deren Bilder heute zu den Wegbereitern der Moderne gezählt werden. Die meisten Arbeiten der jungen Künstlerkollegen, die die damalige Kunstkritik mit „fauves“ („wilden Tieren“) verglich, sind in dieser Ausstellung zum ersten Mal in Wien und in Mitteleuropa überhaupt zu sehen. Zu den Fauvisten gehörten neben Henri Matisse auch André Derain, Maurice de Vlaminck, Georges Braque und Kees van Dongen.

Matisse war das Oberhaupt und das Sprachrohr der Fauvisten. 1905 sorgten er und seine Künstlergruppe beim 3. Pariser Herbstsalon für Aufsehen. Ihre Bilder brüllten förmlich von den Wänden. Das Publikum war entsetzt über die heftigen, scheinbar rasch hingeworfenen Pinselstriche und die bunten, intensiv leuchtenden Farben. Das Motiv war nebensächlich, was zählte war der Ausdruck.
Neben den berühmten Gemälden zeigt die Ausstellung, dass Matisse und die Fauvisten auch in ihren Bronzen, Keramiken, Steinskulpturen und Möbelstücken nach Expression und Intensität strebten. Der Fauvismus dauerte nur zwei Jahre; trotzdem gilt er heute als die erste und entscheidende Avantgardebewegung des 20. Jahrhunderts, und war von epochaler Bedeutung für die Entwicklung der Moderne.

Piet Mondrian. The path of the artist

20 september — 14 november, Tretyakov Gallery Moscow

Behind Closed Doors: Art in the Spanish American Home, 1492–1898

Brooklyn Museum New York, September 20, 2013–January 12, 2014

Behind Closed Doors: Art in the Spanish American Home, 1492–1898 is the first major exhibition in the United States to explore the private lives and interiors of Spain’s New World elite from 1492 through the nineteenth century, focusing on the house as a principal repository of fine and decorative art. Through approximately 160 paintings, sculptures, prints, textiles, and decorative art objects, this exhibition presents for the first time American, European, and Asian luxury goods from everyday life as signifiers of the faith, wealth, taste, and socio-racial standing of their consumers. The exhibition explores themes including representations of the indigenous and Creole elite, rituals in the home, the sala de estrado (women’s sitting room), the bedchamber, and social identity through material culture.

Behind Closed Doors primarily consists of works from the Brooklyn Museum’s world-renowned collections as well as exceptional loans from distinguished institutions and private collectors. It is the first presentation of the Museum’s important Spanish colonial holdings since the groundbreaking 1996 exhibition Converging Cultures: Art & Identity in Spanish America. The exhibition is accompanied by a scholarly catalogue with contributions by leading scholars of Colonial Spanish and British American art.

Brilliant Colors: Jun Ware from the Palace Museum Ceramic Collection

20 September 2013 through 31 July 2014
Locations: Palace of Prolonging Happiness (Yanxi gong)

Fifth Moscow biennale "More Light"

from 20 September to 20 October 2013

For the Fifth Moscow biennale the curator of the Main project Catherine de Zegher has selected the topic "More Light", promoting more enlightened conversation and action, looking for the new ways for mutual understanding between "organisation, artist and audience".

It is also hoped that artists will take the opportunity to address the concept of time and space. "The artists in the 5th Moscow Biennale point out an urgent need to enact another kind of movement in the world. By entering slow time and slow attention, there is an increased receptiveness to sensation and movement—an unfolding that profoundly belongs to art and aesthetics" says Catherine de Zegher, who works in the drawings department of the Museum of Modern Art in New York and as Visiting Curator at Tapies Foundation in Barcelona.

The biennale has also invited artists to speak about the environment in the context of global disasters. Among them are Russian artist Aslan Gaysumov, who will speak about war, and Azerbaijani photojournalist Rena Effendi, who will take up the topic of pollution.

The 5th Biennale will take place from 20 September to 20 October with the main exhibition in Manege museum. There will also be various exhibitions at galleries and museum across the city. Art Moscow 17th International Art Fair, from September 18 to 22, will be one of key event of 5th Moscow Biennale.

Geheimnisse der Maler Köln im Mittelalter

Walraff-Richartz M. Köln, 20. September 2013 – 9. Februar 2014

Die „Muttergottes in der Rosenlaube“ im Wallraf ist weltberühmt. Jährlich bestaunen zahllose Besucher das Gemälde aus der Hand des Meisters Stefan Lochner. Doch wie genau ist dieses fein gemalte Wunderwerk entstanden – zu einer Zeit ohne elektrisches Licht und ohne Farben aus der Tube? Diesen und weiteren Rätseln der Altkölner Malerei ging ein Team von Kunsttechnologen, Naturwissenschaftlern und Kunsthistorikern der Alten Pinakothek in München, des dortigen Doerner Instituts und des Wallraf-Richartz-Museums & Fondation Corboud auf die Spur. Mit modernsten technologischen Methoden – darunter auch Röntgen in 3D - untersuchten sie herausragende Werke von mittelalterlichen Kölner Meistern. Im Winter 2013 werden die Forschungsergebnisse im Rahmen einer großen Sonderausstellung erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt.
Holztafeln und Leinwände, Grundierungen und Vorzeichnungen, Vergoldungen, Malfarben und vieles mehr haben die Wissenschaftler in den letzten zehn Jahren kritisch analysiert. Viele alte Fragen wurden beantwortet, aber auch neue Forschungsprobleme aufgeworfen. Handwerkliche Raffinesse und manuelle Intelligenz der spätmittelalterlichen Kölner Maler sind das Thema, aber auch ihre Logistik und Werkstattorganisation. Zu den teils spektakulären Ergebnissen zählen neue Zuordnungen zwischen Werken und Malern, neue Datierungen von Gemälden und Rekonstruktionen von Altarbildern.

Romuald Hazoumé

Kunsthaus Graz, 21.09.2013-19.01.2014

Eröffnung: 21.09.2013, 15 Uhr
Kurator: Günther Holler-Schuster
In Kooperation mit dem
steirischen herbst

OUT OF DOUBT: Roppongi Crossing 2013

September 21, 2013 - January 13, 2014, Mori Art Museum, JP

Curated by: Kataoka Mami (Chief Curator, Mori Art Museum), Reuben Keehan (Curator of Asian Contemporary Art, Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art) and Gabriel Ritter (Assistant Curator, Dallas Museum of Art)

Staged by the Mori Art Museum triennially since 2004, “Roppongi Crossing” is a series designed to offer a comprehensive survey of the Japanese contemporary art scene. For the 4th edition, and the first time in the series, 2 young guest curators from overseas have been invited to join the Mori Art Museum curator in co-organizing an exhibition that examines Japanese contemporary art today from a global perspective.

The title of the exhibition, “OUT OF DOUBT,” raises questions concerning the kind of productive debate we can generate from doubts cast over accepted notions and existing systems at a time when social awareness is high in the aftermath of the 2011 Great East Japan Earthquake. The exhibition will feature around 30 artists, focusing on those born from the 1970s through the 1980s, although in the interests of re-examining Japan historically, an attempt will also be made to cross generations and engage with artists who have been the driving forces behind Japanese post-war avant-garde art. And by not limiting the scope in a geographical sense to Japan, but rather actively broadening its horizons to include expatriate Japanese artists and artists of Japanese descent, the exhibition will also examine cultural boundaries of Japan.

Oskar Kokoschka - People and animals

Museum Boijmans Rotterdam, from September 21 2013 until January 19 2014

Beautiful paintings and drawings, by one of the leading figures within the historic avant-garde, are coming to Rotterdam. Oskar Kokoschka (1886-1980) inspired whole generations of artists, and in the autumn of next year, his portraits of people and animals will be exhibited in Museum Boijmans Van Beuningen. The exhibition will give a picture of the great cultural periods of Europe at the end of the nineteenth century and the beginning of the twentieth.

lawrence weiner: written on the wind

Stedelijk Museum Amsterdam, 21 Sep 2013 — 5 Jan 2014

Written on the Wind / Op de wind geschreven is a comprehensive survey of works on paper by Lawrence Weiner (b. New York, 1942), one of the most influential living artists. Nearly 300 works, dating from the early 1960s to the present, are on display, ranging from sketches on paper and cigar boxes to detailed drawings, collages, and video projects. A special feature of the presentation – shown here for the first timeon touch screens – is pages from the artist’s notebooks, offering remarkable insights into his work.

From the outset of his career, Weiner used the universal instrument of language to show that art can exist without assuming traditional physical form. His oeuvre includes word sculptures, sound pieces, and films.

Jakob Bill

Eine Retrospektive

Kulturspeicher Würzburg, 21. September bis 24. November 2013

Bis heute umfasst das Werk von Jakob Bill einen Zeitraum von mehr als fünf Jahrzehnten. Als Sohn von Binia und Max Bill wurde er 1942 in Zürich geboren und wuchs in einem künstlerischen Umfeld auf, das von der Konkreten Kunst geprägt war. Im Brotberuf lange Jahre Archäologe, schuf Jakob Bill parallel ein kontinuierliches malerisches Werk, das bis heute weitere Entwicklungen erfährt.

Seine geduldige, präzise künstlerische Arbeit konzentriert sich auf die Farbe. Ihr widmet er sich direkt, ohne Umwege. Deshalb gibt es von ihm auch keine vorbereitenden Skizzen oder Zeichnungen, die als eigenständige Werke anzusprechen wären. Meist beginnt er unmittelbar mit der Malerei. Jakob Bill stellt sich in die Tradition der Konkreten Kunst, die auf jegliches Abbild verzichtet und das Bild aus der Spannung von Form und Farbe, von Hell-Dunkel und verschiedenen Bewegungselementen, von Linearem kontra Flächigem gewinnt. Das Formenrepertoire liefert die Geometrie; seriell und systematisch spielt er Form-Farb-Konstellationen in verschiedenen Varianten durch.


Royal Academy London, 21 September—8 December 2013

Marking the first major survey of Australian art in the UK for 50 years, this exhibition will span more than 200 years from 1800 to the present day and seeks to uncover the fascinating social and cultural evolution of a nation through its art. Two hundred works including painting, drawing, photography, watercolours and multimedia will shed light on a period of rapid and intense change; from the impact of colonisation on an indigenous people, to the pioneering nation building of the 19th century through to the enterprising urbanisation of the last 100 years,

Mori Art Museum 10th Anniversary Exhibition
OUT OF DOUBT: Roppongi Crossing 2013

Tokyo, September 21, 2013 - January 3, 2014

Dates: September 21, 2013 - January 3, 2014
Organizer: Mori Art Museum
Curated by: Kataoka Mami (Chief Curator, Mori Art Museum), Reuben Keehan (Curator of Contemporary Asian Art, Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art, Australia) and Gabriel Ritter (The Nancy and Tim Hanley Assistant Curator of Contemporary Art, Dallas Museum of Art)

Held triennially since 2004 as part of a series designed to offer a comprehensive survey of the Japanese contemporary art scene, 'Roppongi Crossing' is an exhibition where thought-provoking artworks selected by a panel of curators as representative of their time literally 'intersect.' The fourth of the series, 'Roppongi Crossing 2013,' coincides with the 10th anniversary of the inauguration of the Mori Art Museum, and as such, in addition to looking back over the last ten years, it seeks to take a fresh look at the spatial and temporal position of Japanese contemporary art vis-à-vis the global art scene by considering such things as the historical and social contexts discernible in Japanese contemporary art today and the extent to which it is possible based on this art, including the work of expatriate Japanese artists, to redefine the concept of 'Japan.' To ensure the exhibition adopts as broad a perspective as possible, for the first time in the series, foreign curators are invited to be involved in planning the exhibition as co-curators.

Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1926–1938

September 22, 2013–January 12, 2014, Museum of Modern Art New York

This exhibition, organized in collaboration with The Menil Collection, Houston, and The Art Institute of Chicago, is the first to focus exclusively on the breakthrough Surrealist years of René Magritte, creator of some of the 20th century’s most extraordinary images. Beginning in 1926, when Magritte first aimed to create paintings that would, in his words, “challenge the real world,” and concluding in 1938—a historically and biographically significant moment just prior to the outbreak of World War II—the exhibition traces central strategies and themes from the most inventive and experimental period in the artist’s prolific career. Displacement, transformation, metamorphosis, the “misnaming” of objects, and the representation of visions seen in half-waking states are among Magritte’s innovative image-making tactics during these essential years.

Bringing together some 80 paintings, collages, and objects, along with a selection of photographs, periodicals, and early commercial work, the exhibition offers fresh insight into Magritte’s identity as a modern painter and Surrealist artist. A richly illustrated catalogue accompanies the exhibition.

This exhibition is organized at The Museum of Modern Art by Anne Umland, The Blanchette Hooker Rockefeller Curator of Painting and Sculpture, with Danielle Johnson, Curatorial Assistant, Department of Painting and Sculpture. The exhibition travels to The Menil Collection, Houston (February 14–June 1, 2014), and The Art Institute of Chicago (June 29–October 12, 2014).

Claes Oldenburg: The Sixties

Walker Minneapolis, September 22, 2013 – January 12, 2014

This is the largest exhibition to date to focus on the early work of one of Pop’s most widely admired artists. Bringing together nearly 300 pieces from collections around the world, Claes Oldenburg: The Sixties showcases a broad range of the artist’s sculptures—including prized works from the Walker Art Center’s collection such as Upside Down City (1962) and Shoestring Potatoes Spilling from a Bag (1966). The show also highlights Oldenburg’s key role in Happenings and other interdisciplinary performance art of the early 1960s.

The exhibition presents several major bodies of work from Oldenburg’s formative years. A section he designated The Street features a graffiti-inspired installation focused on the underbelly of urban life; works from The Store include his celebrated sculptures of food and everyday goods. Film footage from various Happenings, which combined performance with many of these sculptural objects, costumes, and props, brings audiences into the action of the moment. An area entitled The Home is devoted to sculptures of large-scale domestic objects created in “soft,” “hard,” and other versions. The Monument shows the development of huge public sculptures in drawings and collages from the mid-’60s.

The show culminates with a rare presentation of Mouse Museum and Ray Gun Wing, walk-in structures housing found objects collected by the artist, demonstrating the incredible variety—and mystery—of consumer culture.

Other highlights specific to the Walker’s presentation include a section centered on Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen’s monumental Spoonbridge and Cherry (1985–1988), the now-iconic fountain sculpture commissioned for the Minneapolis Sculpture Garden.

Throughout the galleries, sketches, snapshots, home movies, and slide projections give insight into the mind, heart, and creative process of an artist known for his humorous and profound depictions of the everyday.

A major catalogue accompanies the exhibition.

Organizing curator: Achim Hochdörfer, MUMOK (Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig), Vienna

Walker coordinating curator: Siri Engberg


Centre Pompidou Paris, 25 SEPTEMBRE 2013 - 6 JANVIER 2014 GALERIE SUD

Charles Marville: Photographer of Paris

National Gallery of Art, Washington D.C., September 29, 2013 – January 05, 2014

The first retrospective exhibition in the United States, and the only scholarly catalogue on the renowned 19th-century French photographer Charles Marville (1813–1879), will present recent groundbreaking discoveries informing his art and biography, including the versatility of his photographic talents and his true identity, background, and family life. The exhibition will feature some 100 photographs covering the arc of Marville's career, from his city scenes and landscape and architectural studies of Europe in the early 1850s to his compelling photographs of Paris and its environs in the late 1870s.

Organization: The exhibition is organized by the National Gallery of Art, Washington, in association with The Metropolitan Museum of Art, New York, and the National Gallery of Canada, Ottawa.

Sponsor: The exhibition is made possible through the generous support of Leonard and Elaine Silverstein. Additional support is provided by The Exhibition Circle of the National Gallery of Art.

Masculin / Masculin. L'homme nu dans l'art de 1800 à nos jours.

24 septembre 2013 - 2 janvier 2014, Musée d'Orsay

Aussi surprenant que cela puisse paraître, il a fallu attendre Näckte Männer [Hommes nus], organisée par le musée Leopold de Vienne (octobre 2012-mars 2013), pour qu'une exposition d'envergure aborde la représentation de l'homme nu, un thème qui constitue pourtant l'une des lignes de force de la création occidentale.

Avec Masculin / Masculin, le musée d'Orsay a souhaité poursuivre ce projet et montrer que les professions de foi esthétiques, les dogmes et prises de positions plastiques du XIXe siècle en matière de nudité masculine, puisent leurs origines au classicisme du XVIIIe et demeurent encore présents aujourd'hui.

Autour d'une thématique forte, l'exposition instaure un véritable dialogue entre peintures, sculptures, arts graphiques et photographies, et tisse des liens entre les époques grâce à des confrontations inattendues et fécondes, les oeuvres contemporaines donnant un éclairage nouveau sur les siècles précédents.[backPid]=254&cHash=45fdb5b13d

Edvard Munch.

Der grafische Bestand im Sprengel Museum Hannover
25. September 2013 – 26. Januar 2014

Erstmalig präsentiert das Sprengel Museum Hannover anlässlich des
150. Geburtstages des norwegischen Künstlers Edvard Munch (Løten, Hedmark 1863 – 1944 Ekely in Oslo) das druckgrafische Werk aus dem Bestand des Museums.
Munch gilt als Wegbereiter des Expressionismus, der die Psyche des mo-dernen Menschen in eindringlichen Darstellungen erforschte. Werke aus zwei Dekaden, von den 1890er-Jahren bis in die 1910er-Jahre hinein, er-möglichen die vertiefte Betrachtung einer wesentlichen Schaffensperiode des Künstlers. Motive wie „Mondschein“, „Zwei Menschen“ und „Der Kuss“ geben als wiederkehrende, variantenreiche Bildfindungen Auskunft über die intensive Beschäftigung mit Themen wie Liebe, Angst und Tod. Menschen und Landschaft gerieten in dieser Zeit zum Ausdruck seelischer Empfindung und zur Projektionsfläche auch biografischer Erfahrung. Die kontinuierliche Auseinandersetzung mit den Lebensstadien spiegelt sich
u. a. in Kinderbildnissen und Kindheitsdarstellungen. Verschiedene Porträt-bildnisse und -studien, darunter ein Selbstbildnis des Künstlers von 1893, verorten ihn in der Bohème und in Künstlerkreisen seiner Zeit.
In der Grafischen Sammlung des Sprengel Museum Hannover zeichnet sich mit Lithografien, Holzschnitten, Radierungen, Aquatinten und Zeichnungen die Bandbreite der Variationen ab, mit denen sich Munch seinen Sujets zu-wandte. Komplementiert werden die grafischen Werke um die beiden wich-tigen Gemälde des Künstlers aus der musealen Sammlung, „Das Biest“ von 1902 und „Dorfplatz in Elgersburg, Thüringen“ von 1905/06.
Als Publikation entsteht eine Sammlungsbroschüre.

Robert Indiana: Beyond LOVE

Whitney Museum of American Art, New York, Sep 26, 2013–Jan 23, 2014

Robert Indiana (b. Robert Clark, 1928) first emerged on the wave of Pop Art that engulfed the art world in the early 1960s. Bold and visually dazzling, his work embraced the vocabulary of highway signs and roadside entertainments that were commonplace in post war America. Presciently, he used words to explore themes of American identity, racial injustice, and the illusion and disillusion of love. The appearance in 1966 of what became his signature image, LOVE, and its subsequent proliferation on unauthorized products, eclipsed the public’s understanding of the emotional poignancy and symbolic complexity of his art. This retrospective will reveal an artist whose work, far from being unabashedly optimistic and affirmative, addresses the most fundamental issues facing humanity—love, death, sin, and forgiveness—giving new meaning to our understanding of the ambiguities of the American Dream and the plight of the individual in a pluralistic society.

Edith Tudor-Hart -
Im Schatten der Diktaturen

Wien Museum Karlsplatz, 26. September 2013 bis 12. Januar 2014

Die Wiederentdeckung einer großen österreichisch-britischen Fotografin: Edith Tudor-Hart (1908–1973), die in Österreichs Fotogeschichte unter ihrem Mädchennamen Edith Suschitzky bekannt ist, zählte zur Riege jener politisch engagierten Fotografinnen und Fotografen, die in der Zwischenkriegszeit mit sozialkritischem Impetus den politischen Entwicklungen begegneten.

Edith Suschitzky studierte am Bauhaus in Dessau und arbeitete um 1930 als Fotografin in Wien – zugleich war sie sowjetische Agentin. 1933 heiratete sie einen ebenfalls der kommunistischen Partei nahestehenden Engländer und flüchtete mit ihm nach Großbritannien. Dort entstanden brillante Sozialreportagen in den Londoner Slums oder im walisischen Kohlenrevier, die heute zu den Hauptwerken der britischen Arbeiterfotografie zählen.

Die Ausstellung ist die erste monografische Präsentation von Edith Tudor-Harts Werk. Neben Highlights der Zeit in England ist auch eine Auswahl ihrer frühen Wiener Bilder zu sehen. Ihre unprätentiösen, dokumentarisch geprägten Fotografien zu sozialen Themen stammen größtenteils aus dem Bestand der National Galleries of Scotland.

Aufbruch der Jugend. Deutsche Jugendbewegung zwischen Selbstbestimmung und Verführung

Germanisches National Museum Nürnberg, 26.09.2013 - 19.01.2014

Als „Fest der Jugend“ wurde es bejubelt: das Meißnerfest im Oktober 1913 auf dem Hohen Meißner in Hessen. Mehrere Tausend Anhänger der Freideutschen Jugend versammel- ten sich damals, um für Selbstbestimmung und Eigenver-antwortung zu kämpfen.

Die 100. Wiederkehr dieses wegweisenden Ereignisses nimmt das Germanische Nationalmuseum zum Anlass für eine Ausstellung, die sich vorwiegend der bürgerlichen Jugendbewegung in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts widmet. Jugend – als eigene Lebensphase zwischen Kindheit und Erwachsenenalter – ist ein Produkt des ausgehenden 19. Jahrhunderts. Der Begriff stand bald für Erneuerung, Zukunft und Aufbruch. Auf der Suche nach alternativen Lebensformen strebten vor allem Künstler und Lebensreformer dem Ideal der Jugend nach. Weite Verbreitung fanden ihre Ideen z. B. in der Zeitschrift „Jugend“ oder zahlreichen Bünden.
Die Ausstellung umfasst verschiedene Facetten der Jugendbewegung, vom Wandervogel über die radikale Vereinnahmung durch den Nationalsozialismus bis hin zu den ersten Open-Air-Festivals in den 1960er Jahren.

The Russian Avant-Garde, Siberia and the East. Kandinsky, Malevich, Filonov, Goncharova

Palazzo Strozzi Florence, 27 September 2013-19 January 2014

Curated by: John Bowlt, Nicoletta Misler, Evgenia Petrova

In September, 2013, the Palazzo Strozzi, Florence, will host
The Russian Avant-Garde, Siberia and the East. It's the first international exhibition to examine the fundamental importance of the Oriental and Eurasian connection to Russian Modernism, follows the destinies of Russia’s self-proclaimed “Barbarians” in their search for new sources of artistic inspiration. Neolithic stone figures, Siberian shaman rituals, popular Chinese prints, Japanese engravings, Theosophical doctrine and Indian philosophy are some of the elements which inspired Russia’s new artists and writers as they developed their aesthetic and theoretical ideas just before and after the Revolution of October, 1917. The exhibition demonstrates how modern Russian culture experienced a deep attraction to—and an apprehension of—the exotic, the unknown and the “other”, qualities which artists and writers identified with the spirit of the taiga, the virgin territories of desert and steppe and the “otherness” of Oriental culture.
Emphasising the key role which radical Russian artists played in the development of Modern art over a century ago, the exhibition underscores their complex relationship with the Orient (both the Russian East and the Far East). Léon Bakst, Alexandre Benois, Pavel Filonov, Natalia Goncharova, Wassily Kandinsky, Mikhail Larionov, Kazimir Malevich and other prime movers of the avant-garde were deeply aware of the importance of the East and contributed to the rich debate (“West or East?”) which left a profound and permanent imprint upon their creative imagination. In addition to the heroes of the Russian Avant-Garde, the exhibition also acquaints us with other, less familiar, but still original, artists of the time such as Nikolai Kalmakov, Sergei Konenkov and Vasilii Vatagin, many of whose works are being shown in the West for the first time.

Sehnsucht Persien

Kunst im europäisch-persischen Dialog (1590 – 1720) & Gegenwartskunst aus Teheran

Rietberg Museum Zürich, 27. September – 12. Januar 2014

Die Bande zwischen Europa und Persien gewannen nach 1600 an Intensität. Dies begann mit der persischen Gesandtschaft unter Mehdi Qoli Beg am Hof von Kaiser Rudolf II. und setzte sich mit der Niederlassung englischer und holländischer Kaufleute sowie französischer Orden in Isfahan fort. Der kulturelle Austausch hinterliess nachhaltige Spuren. Davon zeugen die Darstellung zeitgenössischer Perser auf niederländischen Bildern, der «europäische» Akt in der persischen Kunst oder die persische Schärpe als beständiger Teil der polnischen Nationaltracht. Ein Teil der Ausstellung ist der zeitgenössischen iranischen Kunst gewidmet und geht der Frage nach, wie wir den Iran heute wahrnehmen.

Mit Unterstützung der Vontobel-Stiftung

Moskau Biennale

+ Ausstellung in der Tretjakov Galery

Exhibition within the framework of the Biennale of Contemporary Art

27 september — 17 november 2013

Nice. Luc Tuymans

Menil Collection Houston, September 27, 2013 – January 5, 2014

Since his first solo exhibition in 1985, Belgian artist Luc Tuymans has established himself as one of the most influential painters working today. He is well known for his distinctive painting style as well as for his choice of historically and emotionally charged subject matter. Tuymans derives his images from pre-existing sources, photographs, film stills, even mirror images. His deliberately spare palette, often-modest scale, unexpected cropping, obscured spaces, and blurred brushstrokes combine to reinforce the image’s status as a replica.

Robert Motherwell Early Collages

Guggenheim New York, September 27, 2013–January 5, 2014

Devoted exclusively to papier collés and related works on paper from the 1940s and early 1950s by Robert Motherwell, this exhibition examines the American artist’s origins and his engagement with collage, which he described in 1944 as “the greatest of our [art] discoveries.”

Persien – Europa – Iran 2013

Work in Progress

27. September 2013 bis 12. Januar 2014, Rietberg Museum Zürich

Die Bande zwischen Europa und Persien gewannen nach 1600 an Intensität. Dies begann mit der persischen Gesandtschaft unter Mehdi Qoli Beg am Hof von Kaiser Rudolf II. und setzte sich mit der Niederlassung englischer und holländischer Kaufleute sowie französischer Orden in Isfahan fort. Der kulturelle Austausch hinterliess nachhaltige Spuren. Davon zeugen die Darstellung zeitgenössischer Perser auf niederländischen Bildern, der «europäische» Akt in der persischen Kunst oder die persische Schärpe als beständiger Teil der polnischen Nationaltracht. Ein Teil der Ausstellung ist der zeitgenössischen iranischen Kunst gewidmet und geht der Frage nach, wie wir den Iran heute wahrnehmen.

Mit Unterstützung der Vontobel-Stiftung

Francisco Sierra

Arbeiten auf Papier

Kunstmuseum Solothurn, 28.09.2013 – 05.01.2014

Francisco Sierra (*1977 in Santiago de Chile, seit 1986 in der CH) hat sich nach einem abgeschlossenen Studium als Geiger autodidaktisch der Malerei und Zeichnung zugewendet und darin eine stupende handwerkliche Meisterschaft erreicht. Als Musiker an stundenlanges Üben gewöhnt, ist ihm technisches Können auch in der Bildenden Kunst nicht verpönt. Vielmehr erlebt er im minutiösen Beherrschen der Mittel eine Grundlage seiner künstlerischen Kreativität. Mit einem Swiss Art Award (2007) und mehreren Einzelausstellungen bedacht, u. a. im Aargauer Kunsthaus Aarau und im Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen (beide 2009), haben ihm seine Werke zwischen berührender Emotionalität und surrealem Witz erste Erfolge eingetragen. Das Kunstmuseum Solothurn ermöglicht dem Künstler nun eine Einzelausstellung, die erstmals eine Übersicht seiner Arbeiten auf Papier zeigt: Gouachen, Kugelschreiber, Farbstift und Bleistiftzeichnungen. Die Vielfalt des zeichnerischen Werkes reflektiert die Leichtigkeit und Natürlichkeit, mit denen sich Sierra auf Papier gleichsam «einspielt» und darin doch kleine Meisterwerke schafft: Blätter von auffallender Einfachheit und comicartiger Schärfe begegnen kompliziertesten «Fingerübungen» in atemberaubender Technik; traumhafte Einfälle in zarten Gouachen stehen neben dem harten Illusionismus wissenschaftlicher Zeichnungen. Intuitiv findet Sierra für die wechselnden Inhalte die ihnen entsprechenden Stile.

Livre d'artiste. The Art of the Book in the Collection of Mark Bashmakov

28 September - 15 December 2013, Hermitage St. Petersburg, Twelve-Column Hall, the Winter Palace


Guggenheim Foundation Venice, September 28, 2013 - January 6, 2014

Circa 100 paintings and works on paper drawn from notable private collections focus on the French avant-gardes of the late nineteenth century, with special attention to the Neo-Impressionist, Nabi, and Symbolist movements. Major artists will be examined in depth: Paul Signac, Maximilien Luce, Pierre Bonnard, Maurice Denis, Felix Vallotton, and Odilon Redon. The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue with essays by scholars Bridget Alsdorf (Princeton University), Marina Ferretti Bocquillon (Musée des Impressionnismes), and Gloria Groom (Art Institute of Chicago). This presentation and publication will offer Italian audiences a rare opportunity to view and study a cohesive arc of French works from the period prior to the Fauve and Cubist avant-gardes.

Hans Richter, eine Reise durch das Jahrhundert

Centre Pompidou Metz, 28. September 2013 bis 24. Februar 2014

Der Filmemacher, Maler und Schriftsteller Hans Richter (1888–1976) bewegte sich seit den 1910er-Jahren am Schnittpunkt der Avantgarden. Mit seinem persönlichen Werdegang prägte und lebte er die Geschichte der Kunst im 20. Jahrhundert – in gesellschaftlicher, politischer und formeller Hinsicht. Ob als Teil der bunten Dada-Gemeinde in Zürich oder Mitglied der konstruktivistischen Internationale, in der Begeisterung für den Spartakusaufstand oder bei seiner Emigration aus Nazi-Deutschland und im späteren amerikanischen Exil – Richter war immer ein Mittler, ein Katalysator, ein Mann des Austauschs und der Begegnung.

Gemeinsam mit Viking Eggling war Hans Richter nicht nur Pionier des „absoluten Films“, sondern auch Herausgeber der Zeitschrift G, einer der Organisatoren der großen Ausstellung „Film und Foto“ und Freund von Lissitzky, Arp, Léger, Duchamp, Janco und auch Malewitsch, der ihn für die bewegte Darstellung suprematistischer Formen gewinnen wollte. Als Regisseur tauschte er sich mit Man Ray und Sergei Eisenstein aus, und er war ein Vordenker des Kinos, der der Nachwelt ein überbordendes, vielgestaltiges Werk hinterlassen hat. Nach dem Zweiten Weltkrieg verfasste das Multitalent außerdem eine Geschichte des Dada und bewahrte damit die Erinnerung an eine Bewegung, die er selbst erlebt hatte.

Als erste Institution in Frankreich widmet das Centre Pompidou-Metz dem grafischen, malerischen und filmischen Werk von Hans Richter eine Einzelausstellung, die in Zusammenarbeit mit dem Los Angeles County Museum entwickelt wurde. Die Monografie zeigt den Künstler in seinem Kontext, im Spiegel all der Begegnungen und Kontakte, die er intensiv pflegte, und der Kreise, die er um sich zu versammeln verstand.

Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1926–1938

MoMA New York, September 28, 2013–January 12, 2014

This exhibition, co-organized by The Museum of Modern Art, The Menil Collection, Houston, and The Art Institute of Chicago, is the first to focus exclusively on the breakthrough Surrealist years of René Magritte, creator of some of the 20th century’s most extraordinary images. Beginning in 1926, when Magritte first aimed to create paintings that would, in his words, “challenge the real world,” and concluding in 1938—a historically and biographically significant moment just prior to the outbreak of World War II—the exhibition traces central strategies and themes from the most inventive and experimental period in the artist’s prolific career. Displacement, transformation, metamorphosis, the “misnaming” of objects, and the representation of visions seen in half-waking states are among Magritte’s innovative image-making tactics during these essential years.

Bringing together some 80 paintings, collages, and objects, along with a selection of photographs, periodicals, and early commercial work, the exhibition offers fresh insight into Magritte’s identity as a modern painter and Surrealist artist. A richly illustrated catalogue accompanies the exhibition.


Vitra Design Museum Weil am Rhein, 28.09.2013 – 16.03.2014

Seit der Erfindung der Glühbirne gehört die Gestaltung künstlichen Lichts zu den faszinierendsten Aufgaben für Designer, Künstler und Architekten. Davon zeugen zahlreiche Ikonen der Designgeschichte wie etwa die berühmte Bauhaus-Leuchte von Wilhelm Wagenfeld. In den letzten Jahren haben sich die Anwendungsmöglichkeiten von Licht grundlegend erweitert. Diesem Wandel widmet das Vitra Design Museum mit »Lightopia« die erste umfassende Ausstellung. Gezeigt werden aktuelle Entwürfe von Künstlern und Designern wie Olafur Eliasson, Rogier van der Heide oder mischer‘traxler, die sowohl die neuen Einsatzmöglichkeiten von Licht als auch seine archaische, emotionale Kraft verdeutlichen. Ihnen werden Klassiker aus der Leuchtensammlung des Museums gegenübergestellt.

Kay Christensen - Det evige eventyr

28. september – 29. december 2013 , AroS, Arhus DK

Sasha Waltz
Installationen Objekte Performances

ZKM Karlsruhe, 28. September 2013–02. Februar 2014

Hinter den faszinierenden Choreografien von Sasha Waltz steckt mehr als Tanz und Musik. Bühnenelemente und die Gestaltung des Raumes tragen dazu bei, den Choreografien einen einzigartigen, künstlerischen Ausdruck zu verleihen.
Anlässlich ihres 50. Geburtstags holt das ZKM die international gefeierte und in Karlsruhe geborene Choreografin Sasha Waltz zurück in ihre Heimatstadt. Das 20-jährige Jubiläum des von Waltz gegründeten Tanzensembles »Sasha Waltz & Guests« bildet darüber hinaus einen hervorragenden Anlass, ihr Werk in einem völlig neuen Kontext außerhalb der weltweiten Bühnen nun im ZKM | Medienmuseum zu präsentieren. Mit der Sonderausstellung ehrt das ZKM die fundamentale Rolle Sasha Waltz’ in der internationalen Tanz- und Bühnenwelt. Die Choreografin spielte schon lange mit der Idee, diese Installations- und Multimedia-Elemente aus dem Bühnenkontext herauszulösen und als eigenständige Installationen zu präsentieren. Mit der Ausstellung am ZKM steht diese Idee nun vor ihrer Realisierung. Im Museumskontext eingebettet bietet die Ausstellung den BesucherInnen die einmalige Gelegenheit, die bildnerische Dimension der choreografischen Arbeiten von Sasha Waltz zu erfahren. Gleichzeitig werden darstellerische Elemente festgehalten, die sonst der Flüchtigkeit einer Aufführung vorbehalten sind.

Kuratoren: Sasha Waltz und Peter Weibel$8355

Hélio Oiticica

Das große Labyrinth

MMK Frankfurt, 28. September 2013 – 12. Januar 2014

Die bislang umfassendste Retrospektive des bedeutendsten brasilianischen Künstlers der Nachkriegszeit Hélio Oiticica (1937–1980) präsentiert Arbeiten aus allen Werkphasen.

Von der Malerei kommend realisierte Oiticica bereits in den frühen 1960er Jahren Überlegungen, um die Kunst in den Raum zu erweitern. Er wurde damit zu einem der Vorreiter partizipativer Kunst, einer Kunst, die durch aktive Teilnahme des Betrachters neue Erfahrungsräume öffnet. Im Laufe seines Schaffens überführte Oiticica die Malerei sukzessive in den dreidimensionalen Raum. Sein Werk reicht von frühen neokonkreten, abstrakten Malereien über frei im Raum schwebende Reliefs, den "Bilaterals" und "Relevos Espacials" bis hin zu begehbaren Rauminstallationen, den sogenannten "Penetrávels". Die aktive Einbindung und Beteiligung des Betrachters waren das wesentliche Merkmal in Oiticicas Schaffen. Zur gleichen Zeit wie Joseph Beuys in Deutschland strebte Oiticica danach, einen abgeschlossenen Werkcharakter aufzulösen und die Kunst für die Gesellschaft sowie die Gesellschaft für die Kunst zu öffnen.

Ergänzt wird die Ausstellung im MMK um drei begehbare Außenarbeiten, die vom 31. August bis 27. Oktober 2013 im Palmengarten präsentiert werden und zur Interaktion einladen.

Eine Kooperation mit dem Palmengarten der Stadt Frankfurt. In Zusammenarbeit mit der Goethe-Universität/Studiengang Curatorial Studies.

Die Ausstellung ist Teil des Kulturprogramms zum Ehrengastland Brasilien der Frankfurter Buchmesse 2013 und wird ermöglicht durch die Unterstützung der FUNARTE / MinC – brasilianisches Kultusministerium und des MRE – brasilianisches Außenministerium.

Eröffnung: Freitag, 27. September 2013, 20 Uhr


Streifzüge durch die Welten der Collage

Museum Marta Herford , 28. September 2013 – 26. Januar 2014, Gehry-Galerien

Eröffnung am Freitag, 27. September, um 19.30 Uhr

Das Kunstmuseum Ahlen und das Museum Marta Herford präsentieren ein gemeinsames Ausstellungsprojekt zur gegenwärtigen Bedeutung der Collage und der damit verbundenen Ausdrucksformen in der Kunst.

Zwei Museen, zwei Städte, eine Verbindung: Gleich in zwei renommierten Ausstellungshäusern in NRW wird die Arbeitstechnik der Collage in Form eines einmaligen Kooperationsprojekts neu befragt – ein weniger systematischer als kursorischer Streifzug durch die Geschichte von den Anfängen in den 1910er Jahren bis in die zeitgenössischen Neubelebungen.

Im Gegensatz zu den historischen Ausgangspunkten ist dabei die Collage weniger an den Einsatz von Papier und Schere gebunden, sondern manifestiert sich in einer lebendigen Auseinandersetzung jenseits von Genre- und Materialgrenzen. Fast hat es den Anschein, als entsprächen diese Techniken mit Schnitt und Zusammenfügung einmal mehr einem zeitgenössischen Lebensgefühl. In einer heterogenen, in ihrer Komplexität nahezu nicht mehr vollständig zu erfassenden Welt, erhält das Fragment eine neue Funktion, zwischen Rekonstruktion und Neuschöpfung von Ganzheiten.

„Ruhe-Störung“ orientiert sich an Spannungsfeldern zwischen Analyse und Synthese, Reduktion und Akkumulation, Destruktion und Konstruktion, Entwertung und Be- bzw. Aufwertung. Protest und Widerstand, Unruhe und Aufbrüche, Fluchten und Träume, Recycling und Erneuerung, Vielstimmigkeit und Kakophonie, Raumaneignung und Weltenbau bilden thematische Schlaglichter, denen die Ausstellung folgt.

Mit dem Kunstmuseum Ahlen und dem Marta Herford widmen sich zudem zwei Ausstellungshäuser einer gemeinsamen Idee, die über ganz unterschiedliche Gebäude, Räume und museale Schwerpunkte verfügen.


Fotografen, die wir schon gezeigt haben und solche, die wir immer schon gerne gezeigt hätten.

NRW Forum Düssseldorf, 28. September 2013 - 5. Januar 2014

Der Titel sagt schon alles: Foto A-Z, Fotografen, die wir schon gezeigt haben und solche, die wir immer schon gerne gezeigt hätten. Damit zieht das NRW-Forum sein Résumé aus 15 Jahren mit aufsehenerregenden Foto-Ausstellungen wie Peter Lindbergh, Herb Ritts, Helmut Newton, Robert Mapplethorpe, Guy Bourdin, Rankin oder zuletzt Bryan Adams, und von Gruppenausstellungen wie “Chic Clicks”, “Spectacular City” oder “State of the Art”.

Die Liste der nun ausgestellten Fotografen spannt sich von A wie Araki, über Goldin, Höfer, Outerbridge oder Wall bis hin zu Z wie Zeitschriften. Sie umfasst dabei die Avantgarde der Fotomagazine genauso wie Künstler, deren Arbeit stilprägend nicht nur für die Fotografie-Geschichte sondern auch für die Werbung, die Mode, die Medien waren. Neben den wichtigen, im NRW-Forum schon präsentierten, Ikonen wie Helmut Newton, Guy Bourdin oder Robert Mapplethorpe füllt diese Ausstellung nun einige der verbleibenden Lücken auf mit Arbeiten von Cindy Sherman und Philip-Lorca diCorcia oder Inez van Lamsweerde, die höchst innovativ und andersartig die (Mode-) Fotografie beeinflusst haben, mit Arbeiten von Richard Prince und Peter Fischli/David Weiss, die die Appropriation in der Fotografie verankerten, oder mit Altmeistern wie Paul Outerbridge und Charles Jones, deren Werk heute wieder großen Einfluss auf eine junge Generation von Fotografen ausübt. Viele der Arbeiten waren selten oder noch nie in Deutschland zu sehen, andere wurden einzig für diese Ausstellung – so Nick Knights Blumenbilder oder Joel Sternfelds iPhone-Fotos aus Dubai – abgezogen. Eine große Wandinstallation in der Ausstellung verdeutlicht mit über 100 Magazinen, wie wichtig der Einfluss der Printmedien für die Verbreitung der Fotografie war und welch große Rolle dabei Mode- und Lifestylemagazine (wie Vogue, Harpers Bazaar oder I-D Magazine ) neben den reinen Foto-Magazinen spielten.

Wie ein Spinnennetz verweben die Arbeiten die Standpunkte der einzelnen Fotografen mit der Geschichte der Fotoausstellungen im NRW-Forum – eine höchst subjektive Auswahl, allein dem persönlichen Empfinden der Ausstellungsmacher Petra Wenzel und Werner Lippert geschuldet, und einzig und allein mit dem Ziel, noch einmal zu zeigen, wie die Fotografie sich im 20. Jahrhundert zum künstlerischen Leitmedium erheben konnte, wie ihre Konvergenz mit immer neuen Disziplinen (Mode, Video, Reportage) Gestalt annahm, und wie sie es immer wieder versteht, sich aus den Fesseln einer “klassisch” gewordenen Kunstforum zu lösen und zu erneuern.

„Foto A-Z – ist eine Bilanz.” schreibt der renommierte Fotohistoriker Prof. Klaus Honnef dazu in seinem Essay im Katalog der Ausstellung. “Eine ungewöhnliche Bilanz; einerseits. Zugleich ein Zeitdokument dessen, was in der Fotografie vor der Folie eines dramatischen Wandels im Umgang mit dem Medium vor und nach der Jahrtausendwende so etwas wie „the state of the art“ ist. Und darüber hinaus ist „Foto A-Z“ ein (verlorener?) Spiegel unserer meist verborgenen Sehnsüchte und Begierden, unserer geheimen Befürchtungen und Ängste. Festgehalten und sichtbar gemacht in Bildern, die den kollektiven Blick auf die Dinge verändert haben und ihrerseits Produkte einer tiefer greifenden Veränderung sind. Eine komplizierte Geschichte liegt hinter den Bildern. Unsichtbar.”


29. SEPTEMBER 2013 - 26. JANUAR 2014

Mit ihren mal erzählerisch-figürlichen, mal minimal-puristischen Objekten und Installationen stört Alicja Kwade die Wahrnehmung der heutigen Wirklichkeit auf subtile Weise. Sie führt bekannte Normen und vertraute Dinge spielerisch ad absurdum, indem sie alltägliche Gegenstände ungewohnt kombiniert oder ihre Form und Materialität verändert, spiegelt oder multipliziert. Gewichte von alten Standuhren können zu Dutzenden einen Raum verstellen und eine Vorstellung von Zeitlichkeit symbolisch wie auch körperlich hervorrufen; beleuchtete Lampenkugeln reflektieren sich in einem Labyrinth von Glasscheiben und hebeln Unterschiede zwischen Körper und Anti-Körper, zwischen Realität und Illusion auf. Alicja Kwade bringt mit ihren Arbeiten und Interventionen zementierte Denkmodelle ins Wanken. Sie durchzieht die Welt mit einer ‚verbogenen' Gegenständlichkeit.
In Krefeld nimmt Alicja Kwade die Moderne, so wie sie von Ludwig Mies van der Rohe in den beiden Häusern Esters und Lange formuliert wurde, kritisch ins Visier. Materialität, Transparenz und konstruktive Eindeutigkeit stehen auf dem Prüfstein. Gesellschaftliche Ideale und formale Visionen können durch ihre Interventionen aus den Fugen geraten. Für die Ausstellung im Museum Haus Esters entsteht eine ortsspezifische Installation, die die Künstlerin durch aktuelle Arbeiten bereichert.
Alicja Kwade wurde 1979 in Kattowitz, Polen, geboren, von 1999 bis 2005 studierte sie an der Universität der Künste in Berlin, heute lebt und arbeitet sie in Berlin.


GAK Bremen, 28. September – Mitte Januar 2014
Eröffnung: Freitag, 27. September, 19 Uhr

Niemand wird ernstlich behaupten, dass sich die dringenden Themen des Feminismus heute durch gelebte gesellschaftliche Gleichberechtigung erledigt hätten. Es mag aber sein, dass sich die Schwerpunkte seiner Fragestellungen verlagert haben. Was in der feministischen Revolution der 1970er und ihrer Punk-Fortsetzung der 1980er Jahre noch schwer erkämpft war, ist heute wenigstens zum Teil gesellschaftliche Realität und hat eine Fokussierung auf andere Bereiche zur Folge. Dementsprechend hat sich der Umgang mit den Vorläuferinnen und ihren Lehren durchaus verschoben – die Notwendigkeit eines stetigen Beharrens auf dem feministischen Standpunkt ist für die Generation der nach 1970 Geborenen eher einem selbstverständlichen Bewusstsein und allgegenwärtigen Damit-Leben gewichen. Die Kunsttheoretikerin Monika Szewczyk spricht von einer „gründlichen Annahme jener Lehre, die uns deren Fortführung erlaubt, ohne unserem Tun einen Namen zu geben – das Schmieden der Waffen wird unterbrochen, um diese Waffen einzusetzen.“ Dies bedeutet, wie gesagt, keinesfalls, dass heute keine gesellschaftliche Notwendigkeit feministischer Haltungen mehr existierte. Aber es lässt sich konstatieren, dass sich der Tonfall ihrer Äußerungen verändert hat. Dass dieser vielleicht – wagt man es zu sagen – leichter geworden ist, ohne dabei an Präzision einzubüßen. Dass sich ein Tonfall etabliert hat, der souverän genug ist, gelegentliche Zweifel an den feministischen Lehren zuzulassen, ohne gleich den Geruch des Verrats an der grundsätzlichen Idee anzunehmen. Auch sind wir inzwischen an einem Punkt angelangt, an dem die Gleichberechtigung nicht mehr nur Sache der Frauen allein ist, sondern an dem sich auch Männer zunehmend selbstverständlich mit emanzipatorischen Fragestellungen auseinandersetzen.

Die Gruppenausstellung Girls Can Tell stellt Arbeiten einer Generation von nach 1970 geborenen Künstler/innen zusammen, die exemplarisch für einen veränderten Umgang mit feministischen Themensetzungen in der zeitgenössischen Kunst stehen. Girls Can Tell entsteht als dritter Teil einer Ausstellungstrilogie, die sich unter verschiedenen Schwerpunktsetzungen mit feministischen Themenstellungen in der zeitgenössischen Kunst befasst. So konzentriert sich der Bonner Kunstverein in der Präsentation Cherchez la Femme auf die Realität weiblicher Ausstellungstätigkeit (ab Mai 2013) und der Kunstverein München fokussiert unter dem Titel Door: Between Either and Or institutionskritische Strategien aus Genderpolitik und Feminismus (ab Juli 2013).

Die Ausstellungen werden von einer dreistufigen Konferenz zu den einzelnen Schwerpunkten in Bonn, München und Bremen begleitet, die in Zusammenarbeit mit der Kunsthistorikerin Kerstin Stakemeier entwickelt wird.

Eine Handvoll Erde aus dem Paradies

Magische Objekte und Bilder aus dem Museum Morsbroich, 29. September 2013 - 12. Oktober 2013

mit Arbeiten u.a. von Joachim Bandau, Michael Buthe, Lucio Fontana, Yves Klein, Hermann Nitsch, Gerhard Richter, Bernard Schultze und Daniel Spoerri

In der Sammlung des Museum Morsbroich befinden sich zahlreiche Werke, die einen magischen Charakter aufweisen. Vor allem Mitte der 1960er trafen die Interessen der Künstler, die den mittlerweile überkommenen Spätsurrealismus zeitgemäß aktualisieren wollten, auf glückliche Weise zusammen mit den Interessen der Kunsthistoriker in Morsbroich: Sowohl die Produzenten als auch die Vermittler erkannten in der Magie eine Perspektive zur Deutung der Welt.

Die Ausstellung zeigt Spitzenwerke und Wiederentdeckungen, magische Werke, zu denen Fetischobjekte von Joachim Bandau genauso zählen wie die kombinatorischen Leinwandarbeiten von Michael Buthe und die totemistischen Gemälde von Adolf Fleischmann. Lucio Fontanas Erwartungen öffnen mit Schnitten in die Leinwand das Bild in einen tiefen, mystischen Raum, den auch Yves Klein mit seinen blauen Bildern betritt. Hermann Nitsch erinnert mit seinen Schüttbildern an religiöse Praktiken, während Vic Gentils riesige kultische Objekte aus Klaviertasten in den Raum stellt. Bernard Schultze erschafft gleich eine neue Spezies (Migofs), und seine Frau Ursula erfindet traumhafte, phantastische Welten.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit einer Reihe von wissenschaftlichen Essays zu Werken und Werkgruppen der Sammlung des Museum Morsbroich.

Die Eröffnung der Ausstellung findet am Sonntag, dem 29. September 2013, um 12 Uhr im Spiegelsaal von Museum Morsbroich statt.



At the Window: The Photographer's View

Getty Museum Los Angeles, October 1, 2013–January 5, 2014

One of the first camera subjects, the window is literally and figuratively linked to the photographic process itself. This exhibition, drawn primarily from the Getty Museum's collection (including several new acquisitions funded by the Getty Museum's Photographs Council), looks at the ways photographers have explored their medium by turning to the window as a framing device or conceptual tool. It spans the history of photography, from some of the earliest images by William Henry Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, and Eugène Atget to contemporary works by artists such as Robert Adams, Uta Barth, Gregory Crewdson, Sabine Hornig, and Yuki Onodera.


October 2013 - February 2014, Scuderia del Quirinale Rome

exhibition devised by Eugenio La Rocca
curated by Eugenio La Rocca, Claudio Parisi Presicce, Cécile Giroire e Daniel Roger

in association with the Musei Capitolini, Rome, and the Réunion des musées nationaux - Grand Palais with Musée du Louvre, Paris
The exhibition is supported by Ministero per i Beni e le Attività Culturali - Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Roma and Ministero della Cultura e della Comunicazione Francese

The exhibition entitled Augusto falls on the 2000th anniversary of the first Roman emperor's death: Augustus died an old man in Nola on 19 August 14 CE with his wife Livia by his side, accompanied by her son Tiberius into whose hands the Empire was to fall only hours later. Augustus was an exceptional figure, rightly considered akin to a god in every way. No one achieved greater triumph in war or was more measured in time of peace than he. That was how Eutropius was to describe him many centuries later in his Breviarium. It was precisely a shrewd balancing act in his relations with the Senate and with the old and now lifeless Republican tradition, coupled with his exceptional charisma and unsurpassed political acumen that made him one of the most extraordinary figures of the ancient world and ensured that he is still so relevant to our own day. This figure of a sovereign of peace, celebrated in Virgil's Fourth Eclogue and in Horace's Secular Hymn as the founder of a new era, came to inaugurate a new world after a century of bloody clashes and merciless internecine strife. So it is easy to understand how such concepts as pax, felicitas temporum and pietas were introduced to dominate the scene. The Grimani reliefs, with their idyllic imagery and their reference to maternity, offer a perfect example of the prevailing climate of prosperity. These panels of fine white marble, originally part of a decorative scheme for a fountain, show female animals (boars, lionesses and ewes) in the act of suckling their young. Augustus's rule, which lasted for over forty years, was the longest reign that Rome was ever to know; yet as a very young man, Octavian certainly did not appear to stand out as a leader of quality by comparison with the far more experienced consuls of the later Republic. On the contrary, as Cicero informs us, Mark Antony used to say of him at the time that he was a boy who owes everything to his name, and it is perfectly true that in the years immediately following the assassination of Julius Caesar, the fact that his mother came from the Julia Gens was the only card he had up his sleeve. Yet the young man had a complex and gifted personality. He proved capable of turning
from a tough and determined faction leader in the civil war, into a detached and modest prince who honored tradition and restored the time-honored mores. Even the honorific of Augustus, which the Senate awarded him in 27 BCE and which comes from the verb augere (meaning to increase), was a stroke of genius in the art of communication, designed to raise him above all other men while, at the same time, linking his mission to the common weal of the res publica and to the service of his homeland. His public image was to change enormously over the decades, from that of a man of action who struck like lightning, a wartime leader in the mold of the Hellenistic sovereigns, posing in heroic nudity in the Greek manner, into a dignified high priest and father of his country.

Art under Attack: Histories of British Iconoclasm

Tate Britain London, 2 October 2013 – 5 January 2014

Art under Attack: Histories of British Iconoclasm will be the first exhibition exploring the history of physical attacks on art in Britain from the 16th century to the present day. Iconoclasm describes the deliberate destruction of icons, symbols or monuments for religious, political or aesthetic motives. The exhibition will examine the movements and causes which have led to assaults on art through objects, paintings, sculpture and archival material.

Highlights include Thomas Johnson’s Interior of Canterbury Cathedral 1657– the only painting documenting Puritan iconoclasm in England – exhibited for the first time alongside stained glass removed from the windows of the cathedral. Edward Burne-Jones’ Sibylla Delphica 1898 and Allen Jones’ Chair 1969, damaged by suffragettes and feminists will be on display, as well as evidence of statues destroyed in Ireland during the 20th century. The show will consider artists such as Gustav Metzger, Yoko Ono and Jake and Dinos Chapman, who have used destruction as a creative force.

Religious iconoclasm of the 16th and 17th centuries is explored with statues of Christ decapitated during the Dissolution, smashed stained glass from Rievaulx Abbey, fragments of the great rood screen at Winchester Cathedral and a book of hours from British Library, defaced by state-sanctioned religious reformers. These works are accompanied by vivid accounts of the destructive actions of Puritan iconoclasts.

Examples of attacks on symbols of authority during periods of political change include a portrait of Oliver Cromwell hung upside down by the staunch monarchist Prince Frederick Duleep Singh (1868 – 1926). It also shows fragments from statues of William III and Nelson’s Pillar destroyed by blasts during political struggles in Dublin in 1929 and 1966 respectively.

Suffragettes’ targeted attacks on cultural heritage are illustrated with works by Edward Burne-Jones’ Sibylla Delphica 1898, attacked in 1913 in Manchester, the birthplace of Emmeline Pankhurst, as well as John Singer Sargent’s Henry James 1913, slashed at the Royal Academy in 1914. These are accompanied by archival descriptions of the actions carried out and police surveillance photography of the militant Suffragette protagonists.

Assaults on art stimulated by moral or aesthetic outrage include those on Carl Andre’s Equivalent III 1966, and Allen Jones’ Chair 1969, damaged on International Women’s Day in the 1980s. The show reveals how for some modern artists destruction has been utilised as a creative force. The piano and chair destroyed by Ralph Ortiz during the 1966 Destruction in Art Symposiusm is on public display for the first time, alongside audio recordings of this action and works by Gustav Metzger, John Latham and Yoko Ono. Portraits from Jake and Dinos Chapman’s One Day You Will No Longer Be Loved series, Mark Wallinger’s Via Dolorosa 2002 and Douglas Gordon’s Self-portrait of you and me 2008 are also be included.

Félix Vallotton : Le feu sous la glace

02 Octobre 2013 - 20 Janvier 2014, Grand Palais, Galeries nationales

Félix Vallotton (1865-1925) est un artiste unique qui, bien que proche des nabis, garde sa vie durant un style à la fois très personnel et résolument moderne. Il adopte ainsi des cadrages audacieux et des perspectives aplaties empruntées aux estampes japonaises et à la photographie. Reconnaissables entre toutes, ses toiles se distinguent par des couleurs raffinées et un dessin précis découpant la forme qu’il met également au service de la gravure. Travailleur acharné, il s’essaie à tous les genres : portrait, nu, paysage, nature morte et même peinture d’histoire. Le Grand Palais propose la première rétrospective consacrée à l’artiste par un musée national parisien depuis près d’un demi-siècle.

Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais et le musée d’Orsay, avec le concours exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France, des Musées d'art et d'Histoire de Genève et du Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.
Exposition réalisée grâce au soutien d’Eiffage Travaux Publics et de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.

Sarah Lucas

Whitehapel Gallery London, 2 October - 15 December 2013

One of Britain’s leading sculptors, the Gallery presents a new exhibition of Sarah Lucas in a tailor-made commission with both iconic and new works specially made for the show.



Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2. OKTOBER 2013 – 5. JANUAR 2014

Im Herbst 2013 widmet die Schirn Kunsthalle Frankfurt der künstlerischen Installation in Brasilien eine vielfältige Gruppenausstellung. Ein Parcours intensiv erlebbarer Räume und Installationen präsentiert die spezifisch brasilianische Ausprägung dieser in der zeitgenössischen Kunst zum

Leitmedium gewordenen Kunstform. Eine äußerst lebendige Künstlerszene setzt sich in den späten 1950er Jahren zunächst mit den Theorien und modernistischen Tendenzen der westlichen Metropolen auseinander, doch sehr schnell formiert sich daraufhin eine originär brasilianische Kunst. Aus

der Synthese von Elementen der unterschiedlichen Kulturen geht eine

selbstbestimmte brasilianische Kunst hervor, die charakteristisch, kraftvoll und ausdrucksstark ist und in der das sinnliche, körperliche und intellektuelle Eindringen in die Kunst eine zunehmend zentrale Rolle spielt.

John Bock
Im Modder der Summenmutation

Kunsthalle d. Bundes Bonn, 3. Oktober 2013 bis 12. Januar 2014

Das Filmset wird zum Live-Making-of. Bühnenlichter werden zu Suchscheinwerfern. Ein Stummfilm transportiert die Symbiose vom analogen 3-D-Film inklusive Dufteffekt. Die winzige Wimper eines Filmstars wird zum heiligen Exponat einer Ausstellung, bei der alles mutiert. Alles kommt in dieser Ausstellung zusammen – und alles verändert sich. Im Modder der Summenmutation ist eine Fusion der wichtigsten Stränge in John Bocks Kunstschaffen. Im Zentrum der Ausstellung steht ein Filmset, in dem die neuste Filmproduktion des Künstlers gedreht wird. Später wird dieser Film in der Ausstellung gezeigt, sodass die Besucher sowohl Zeugen der Produktion als auch Zuschauer des fertiggestellten Ergebnisses werden können. Aber auch die Aktionen und Lectures, für die John Bock bekannt ist, spiegeln sich in dieser „Summenmutation“: Im Sinne eines Re-enactments werden einige seiner Vorträge und Filme von verschiedenen Darstellern in neuer Form zu Wiederaufführung gebracht.

Jake and Dinos Chapman

3. Oct. 2013 – 5. Jan. 2014 , Galerie Rudolfinum Prague

The exhibition of the works of Jake and Dinos Chapman will introduce a representative selection of their multifaceted creations. A strong response was aroused by their changing of Goya’s graphic prints from the Disasters of War series, published in a special edition in 1937, where the heads of the victims were replaced by heads depicting clowns and puppies. The destruction, desecration and removal of someone else’s paintings, based on iconoclasm, can be understood as a reflection of the savagery of our own culture. Jake and Dinos create installations, sculptures and paintings, which through cynical and sarcastic humour highlight the current debased political, social, religious and moral situation. Through fascination with the horror, evil and perversion of our society, they put up a mirror that shows us the realities of today and point to the banality of ubiquitous evil. The result of their actions is intense, brutal, disturbing and ironic. The uniqueness of the exhibition also lies in the fact that mainly the work so far exhibited or even completely new will be present as the exhibition will also feature an extensive collection of works created specifically for Galerie Rudolfinum.

Kandinsky and the Total Work of Art: From Blaue Reiter to the Bauhaus

Neue Galerie New York, October 3, 2013-February 10, 2014

Vasily Kandinsky (1866-1944) was a transformational figure in the history of modern art. Alongside his development of a revolutionary abstract style, Kandinsky demonstrated an ambition to go beyond conventional easel painting. This exhibition charts how the artist’s large paintings with musical and theatrical associations from the Blaue Reiter years developed into large-scale Bauhaus environments. The artist’s 1922 Juryfreie murals will be re-created for the exhibition, enabling visitors to “walk inside” a Kandinsky painting.

Dionysos. Rausch und Ekstase

3. Oktober 2013 - 12. Januar 2014 , Buccerius Kunstforum Hamburg

Wie kein anderer der antiken Götter fasziniert Dionysos bis heute. Es ist der Reiz der Grenzüberschreitung, das Unheimliche und Wilde im Dionysischen, dessen schöpferische Macht Friedrich Nietzsche der von Apollon repräsentierten Vernunft und Beherrschung gegenübergestellt hat.
Der Gott der Freude, des Rausches und der Fruchtbarkeit wird seit der Antike in einem Siegeszug, mit entfesseltem Gefolge von tanzenden Satyrn und Mänaden, gezeigt. Bei den Griechen und – unter dem Namen Bacchus – bei den Römern im religiösen Mysterienkult verehrt, steht er in der Kunst der Renaissance für den Triumph des Lebens. Die barocke Malerei macht ihn zum Symbol der Lebensfreude, er verkörpert das sinnliche Naturempfinden. Er und seine Braut Ariadne sind eines der am häufigsten gemalten Liebespaare. Bis ins 20. Jahrhundert äußert sich die Begeisterung der Künstler für die leidenschaftliche Welt des Weingottes in Selbstportraits als Bacchus oder Bacchantin. Die Ausstellung vergegenwärtigt in Werken von der Antike bis zur Gegenwart die lebenspralle, ausgelassene Sphäre des Dionysischen.
Kein anderes Thema zeigt so anschaulich, wie die Neuzeit an die antike Bildwelt anknüpft.
Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden.

Edvard Munch- Meisterblätter 1894-1944

Kunsthaus Zürich, 4. Oktober 2013 – 12. Januar 2014

Liebe, Schmerz und Tod, Leidenschaft, Einsamkeit und Trauer – das ganze Werk von Edvard Munch (1863 – 1944) kreist um Grunderfahrungen menschlicher Existenz. Eindringlich und schonungslos umkreist Munch die Gefühle der Hoffnung und Verzweiflung, der Vergänglichkeit und des Verschwindens, die das Leben des modernen Menschen bestimmen. Munch ist einer der unbestrittenen Wegbereiter der expressionistischen Strömungen, die zu Anfang des 20. Jahrhunderts die europäische Malerei zu bestimmen begannen. Die formale Kühnheit seiner Bilder und die Radikalität seiner Themen inspirieren bis heute Künstler unserer Gegenwart.

Das grafische Werk ist bei Edvard Munch kein Nebenprodukt, sondern ein zentraler Bestandteil seines OEuvres – von den ersten Radierungen aus dem Jahr 1894 bis zu den letzten Lithografien, die unmittelbar vor seinem Tod Anfang 1944 entstanden. Unter seinen Meisterblättern finden sich viele grafische Ausarbeitungen seiner weltbekannten Sujets: Es handelt sich um grossartige, grossformatige Farblithografien, Radierungen und Holzschnitte, darunter finden sich viele handkolorierte Blätter und Experimente mit Drucken auf farbigem Papier. Erst sie entfalten vollständig den reichen Kosmos von Munchs einzigartigem Schaffen. Das grafische Werk besticht sowohl durch eine unglaublich reichhaltige und subtile Farbpalette als auch durch expressive Reduktion und erreicht damit – oft stringenter als die Gemälde – eine bestrickende Verdichtung von Munchs zentralen symbolistischen Allegorien: «Der Schrei», «Madonna», «Melancholie», «Die Sünde» u. v. a. m.

Die Ausstellung umfasst annähernd 200 Meisterblätter internationaler Herkunft. Zur Ausstellung erscheint ein umfassender Katalog, erarbeitet von Gerd Woll, Herausgeberin der Werkverzeichnisse von Edvard Munch und ehemalige Chefkuratorin des Munch-Museums in Oslo.

Antoni Tàpies. From Object to Sculpture

Guggenheim Bilbao, October 4, 2013 – January 19, 2014

This is the first comprehensive, in-depth retrospective of Antoni Tàpies’s sculptures and objects from his entire career, spanning nearly five decades from the 1960s to the present day.
Based on the idea of assemblage, Tàpies developed an interest—which he maintained throughout his life—in the formal and conceptual aspects of producing objects and sculptures, a line of research that allowed him to express specific interests and artistic preoccupations.
Featuring a wide variety of media and materials, this show explores Tàpies’s thematic, conceptual and chronological continuity in the production of sculptures and objects, offering new readings and perspectives on this artist’s influence on the art of his time.

Kokoschka - Das Ich im Brennpunkt

Leopold Museum Wien, 04.10.2013 – 27.01.2014

Ein Künstlerleben in Malerei und Fotografie mit Lichtbildern aus dem Kokoschka-Nachlass der Universität für angewandte Kunst Wien

Mit »Kokoschka. Das Ich im Brennpunkt« widmet das Leopold Museum einem der bedeutendsten österreichischen Künstler des 20. Jahrhunderts eine Ausstellung die erstmals Fotografien aus Kokoschkas Leben prominent in den Mittelpunkt rückt.

Oskar Kokoschka (1886-1980) zählt zweifellos zu den wichtigen Protagonisten der Moderne. Sein Oeuvre als Maler und Grafiker, aber auch als Dramatiker, Essayist und Bühnenbildner ist enorm und hat einen festen Platz in der Kunst- und Literaturgeschichte.

Bisher kaum bekannt war die Tatsache, dass Kokoschkas Leben und Schaffen auch durch eine Vielzahl von Fotos dokumentiert ist. Allein im Nachlass des Künstlers haben sich rund 5.000 Fotos erhalten, welche sich heute in der Universität für angewandte Kunst Wien befinden und nunmehr erstmals in einer wissenschaftlich kommentierten Auswahl publiziert werden. Fotografische Aufnahmen aus Kokoschkas Arbeitsumfeld und Privatleben vermitteln ein reiches, intensives Künstler­leben und sind zugleich ein Stück Kultur- und Zeitgeschichte des 20. Jahrhunderts.

Aus der wissenschaftlichen Aufarbeitung dieses Bestandes entstand die Idee zu einem gemeinsamen Ausstellungsprojekt von Leopold Museum und Oskar Kokoschka-Zentrum der Universität für angewandte Kunst.

Vielseitig, oft provokant und kontroversiell war nicht nur der Künstler, sondern auch der Mensch Kokoschka. Galt er in jungen Jahren als Enfant terrible, wurde er während der nationalsozialistischen Ära nicht nur seiner Kunst wegen als prominenter »entarteter« Künstler diffamiert, sondern auch aufgrund seiner offenen Gegnerschaft zum Regime. Seine allgegenwärtige Leidenschaft für alle Kunst- und Lebensbereiche faszinierte viele Zeitgenossen, darunter bedeutende Literaten, Komponisten, Bühnenstars, Wissenschaftler, Politiker und Lebenskünstler.

In der vom Leopold Museum in Zusammenarbeit mit der Universität für angewandte Kunst Wien, Oskar Kokoschka-Zentrum, organisierten Ausstellung werden einzigartige Fotos und ganze fotografische Serien den Werken des Künstlers unmittelbar gegenübergestellt.
So sind in der Ausstellung etwa einige der berühmten Porträts Kokoschkas zu sehen deren Entstehungsprozess an Hand der fotografischen Dokumentation der Porträt-sitzungen im Detail nachvollziehbar wird. Die Aufnahmen, zum Teil von namhaften Fotografen und Fotografinnen, zum Teil anonyme Schnappschüsse, werden Kokoschkas Gemälden und Grafiken komplementär zur Seite gestellt.

Das Lebenswerk eines der großen internationalen Maler des 20. Jahrhunderts tritt somit in einen spannenden Dialog zur Fotografie, dem Medium, das wie kaum ein anderes das visuelle Gedächtnis dieses Jahrhunderts geprägt hat. Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog.

Tobias G. Natter, Franz Smola, Patrick Werkner, Bernadette Reinhold

Hong Kong Contemporary Art Awards

Special Exhibition Gallery and Contemporary Hong Kong Art Gallery

Hongkong Museum of Art, 2013. Oct.4 – 2014. Jan.5

With the mission of encouraging the engagement of artists with the creation of art as well as reviewing the recent developments in the local visual arts scene, the "Hong Kong Contemporary Art Awards 2012" received fervent submission of artworks from nearly a thousand entrants. After two rounds of judging, 97 works are finally selected for the exhibition, including 14 pieces recommended for awards.

The "Hong Kong Contemporary Art Awards", formerly referred to as "Hong Kong Art Biennial Exhibition", has been organised 17 times since its inception in 1975, and has become an important event in the field of arts in Hong Kong. This open competition provides a platform for local artists to show their talents and accomplishments and serves to promote wider understanding of the distinct quality and characteristics of Hong Kong art. The complete results of awarded and selected entries, including painting, Chinese calligraphy and seal carving, sculpture, photography, installation, video and digital arts will be featured in the exhibition-cum-award presentation ceremony in October, giving the audience a full picture of what comprises the diverse developments and vitality of Hong Kong contemporary art.

Von Monet bis Picasso. Die Sammlung Batliner

Kunstmuseum Lichtenstein, 04. Oktober – 01. Dezember 2013

Die Sammlung von Rita und Herbert Batliner ist mit ca. 500 Werken der Klassischen Moderne und zeitgenössischen Kunst eine der grössten und bedeutendsten Privatsammlungen Europas. Mit der Ausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein wird sie zum ersten Mal in Liechtenstein präsentiert.

Der Zeitraum, den diese Sammlung abdeckt, reicht von wichtigen Werken des Impressionismus und Fauvismus über den deutschen Expressionismus und das Bauhaus bis zur russischen Avantgarde, von Pablo Picasso bis zu ausgewählten Werken der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. 2007 wurde die Sammlung als Dauerleihgabe an die Albertina in Wien übergeben.
Im Kunstmuseum Liechtenstein wird eine Auswahl an Werken zu sehen sein, u.a. von Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Paul Cézanne, Amadeo Modigliani, Henri Matisse, Pablo Picasso, Ernst Ludwig Kirchner, Mark Rothko, Francis Bacon, Alberto Giacometti und Georg Baselitz.
Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit der Albertina in Wien.

The Life and Art of Yokoyama Taikan

Yokohama Art Museum, October 5 - November 24, 2013

Walter Swennen

Wiels Brüssel, 05.10.2013 – 26.01.2014

Belgian artist Walter Swennen (b. 1948) is the focus of a vast survey exhibition conceived in collaboration with Culturgest Lisbon, where the exhibition tour starts. Swennen, known as a pioneer of the ‘new painting’ of the 1980s, has never made spontaneous or expressive paintings, preferring instead precise pictorial treatments that use poetic and humorous means to analyze the relationship between symbols, legibility, meaning and pictorial treatment. The show at WIELS will include some of Swennen’s earliest work, focusing especially on his lesserknown ‘Pop’ works, as well as on drawings and poems from the 1970s..

Lee Bul

Mudam Luxembourg, 05/10/2013 - 09/06/2014

Aujourd’hui l’une des artistes sud-coréennes les plus actives sur la scène de l’art contemporain, Lee Bul entame sa carrière artistique dans les années 1980. Elle réalise alors des performances dans la rue durant lesquelles elle porte des vêtements prothétiques, véritables excroissances morphologiques. Plus récemment, son travail s'est orienté vers l'architecture. Après avoir fait subir des distorsions aux corps, elle manipule notre perception de l’espace.

Paralell Opening with:

Chen Chieh-Jen

Paralell Opening with:

Elmar Trenkwalder

The body in Indian art


Bozar Brüssel, Saturday 05.10.2013 > Sunday 05.01.2014

The omnipresence of the body in Indian art will be the guiding theme of this europalia.india exhibition. Sensual representations from the Kama Sutra, voluptuous and ornate temple sculptures, and the intriguing miniatures of ascetics. How can classical Indian wisdom and its numerous encounters with the great world cultures explain such a variety of representations of the body? How do contemporary Indian artists perceive the body?
Ten chapters unveil the divine and human body in Indian art. Discover the timeless beauty of India, its spirituality, the diversity of its religions and festivals. Masterpieces from all corners of India will offer visitors a fascinating introduction to Indian culture.
Around 250 objects: sculptures in bronze, stone and terracotta, jewellery, textiles, paintings, miniatures, ceramics, installations… from the 3rd century BC to 2013.
Main lenders: national and regional museums from India, private collections from India and Europe.
Curator: Naman Ahuja (JNU - School of Arts and Aesthetics)
Advisor: Richard Blurton (British Museum)

Thomas Schütte

Fondation Beyeler, Riehen bei Basel, 6. Oktober 2013 – 2. Februar 2014

Der deutsche Künstler Thomas Schütte (geb. 1954) wurde während langer Zeit vor allem über seine architektonisch anmutenden Modelle und Objekte wahrgenommen. Allmählich erst wurde offenbar, dass parallel dazu ein ebenso reiches Schaffen von Skulpturen und Zeichnungen entstanden ist, in deren Zentrum die menschliche Figur steht. Diesem Teil des Schaffens widmet sich die Ausstellung in der Fondation Beyeler und sie zeigt Thomas Schütte als einen der ungewöhnlichsten und faszinierendsten Künstler seiner Generation. Schütte nimmt die Tradition der figurativen Skulptur auf und entwickelt daraus Figuren und Köpfe, die in ihrer unmittelbaren Ausstrahlung ebenso wie in ihrer Herstellung unwiderruflich im Heute stehen. Ob handgrosse Keramikskulptur oder vier Meter hohe Eisenplastik – die Figuren und Köpfe von Thomas Schütte sind auf merkwürdige Weise gleichzeitig fremd und vertraut und berühren als Gegenüber.

Watch Me Move – The Animation Show

Detroit Institute of Art, Oct. 6, 2013 to Jan 5, 2014

Discover animation like never before. Suspend belief and let the magic of animation reveal imaginary worlds and experimental imagery.
With Watch Me Move, the Detroit Institute of Arts brings to metro Detroit the most extensive animation show ever mounted, featuring both iconic moments and lesser-known masterpieces from the last 150 years. Visitors will have the rare opportunity to see an incredible array of animation techniques in over 100 animated film segments from across generations and cultures. The exhibition includes animation’s great inventors, innovators, and artists, from Georges Méliès and Chuck Jones to William Kentridge and Tim Burton, as well as animation studios such as Walt Disney, Aardman, Studio Ghibli, and Pixar.

This immersive exhibition invites visitors to discover animation—from the familiar to the eccentric—through large-scale projections and intimate viewing spaces. The experience extends into the Detroit Film Theatre which will be showing a selection of feature-length animation, festival compilations and personal appearances by contemporary animators over the course of the exhibition.

This exhibition has been organized by Barbican Centre, London. The Barbican Centre is provided by the City of London Corporation as part of its contribution to the cultural life in London and the nation. In Detroit, generous support has been provided by the GM Foundation. Additional support has been provided by the City of Detroit.

Kyoto from Inside and Outside: Scenes on Panels and Folding Screens

National Museum Tokyo, Heiseikan Special Exhibition, October 8, 2013 - December 1, 2013

Kyoto is a fascinating city that welcomes many visitors from Japan and abroad each year. As the capital of Japan for many centuries until the 19th century, Kyoto has nurtured traditional cultures and continued them for generations, a factor which is greatly connected to the city’s allure. This exhibition invites visitors to experience a unique world of Kyoto aesthetics. The displayed works focus on masterpieces of large-scale depictions of town life and seasonal views of the city known as Scenes in and around Kyoto, along with interior panel paintings that adorned three symbolic Kyoto locations: The Kyoto Imperial Palace, and Nijo Castle, and Ryoanji temple known for its rock garden. A particular highlight is the stunning display of a room of Nijo Castle, reproduced with spectacular panel paintings which have recently been restored.

David Hockney: Bigger Trees Near Warter

08 October, 2013 - 16 February, 2014 / Main Hall / TBA

National Museum of Modern and Contemporary Art Seoul

Recent works by David Hockney (1937~), an English painter and photographer and the best-known British artist of his generation, will be showcased at MMCA. Hockney is well known for composing his own canvas based on the realism that originated in pop art and photography. He looked at nature "hard and for a long time" in Bridlington, a village in northern Britain where he lived, and he realized traces of his observations of nature in such works as "Bigger Trees Near Warter" to be shown at this exhibition.


8. Oktober 2013 bis 6. Januar 2014, Kunsthistorisches Museum Wien

Ab 8. Oktober 2013 zeigt das Kunsthistorische Museum Wien erstmals in Österreich Werke von Lucian Freud. Die Ausstellung wurde in den Monaten und Wochen vor Freuds Tod im Juli 2011 in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler konzipiert und zeigt Werke aus seiner gesamten, siebzig Jahre andauernden Schaffensperiode. Erstmals sind all jene Bilder, die Freud selbst für seine wichtigsten Arbeiten hielt, vereint: Freuds Hauptwerke, von Freud selbst ausgewählt. Unter den in Wien gezeigten Bildern befinden sich einige seiner berühmtesten Gemälde: Porträts, die Freuds Familienmitglieder zeigen, Königin Elisabeth II. Von Großbritannien oder andere Künstler wie Francis Bacon, Selbstporträts, aber auch Landschaften und Stillleben.

Die Ausstellung versammelt Leihgaben aus einigen der bedeutendsten Museen der Welt, darunter der Tate Modern in London, dem Metropolitan Museum of Art in New York, dem Art Institute of Chicago, dem Hirshhorn Museum in Washington D.C. Und dem Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid.

Velázquez. Late Portraits

Prado Madrid, 8 October 2013 - 9 February 2014

Through around 30 works this exhibition will analyse the development of Velázquez’s court portraits from his second trip to Rome in 1649 to his death in Madrid in 1660, a period that saw the creation of some of the greatest of all masterpieces within this genre, such as Las Meninas.

In addition to 14 works by the artist himself, the exhibition will include portraits produced in his circle with the aim of focusing on the complex process behind the creation of the royal image.

The exhibition will also trace the subsequent development of the Spanish court portrait after Velázquez’s death when artists such as Mazo and Carreño reinterpreted his ideas, resulting in innovative contributions to the genre in their depictions of Margarita of Austria, Mariana of Austria and Charles II.

Surrealism and the Dream

From 08 October 2013 to 12 January 2014, Museo Thyssen-Bornemisza Madrid

Surrealism was not just another artistic movement but an attitude to life that has left a profound mark on all subsequent artistic creation. For the first time this exhibition will reveal how this transformation of modern sensibility had its roots in the profound connection between dream and image in Surrealism. Paintings, drawings, collages, sculptures and photographs by artists such as André Breton, Salvador Dalí, Paul Delvaux, Yves Tanguy, René Magritte, André Masson, Max Ernst, Jean Arp, Claude Cahun and Paul Nougé will be used to construct an overview of this fascinating relationship proposed by the curator José Jiménez, to which little attention has been given in art-historical studies. From the outset, the Surrealists championed the dream together with automatic writing, seeing them as fundamental routes towards the liberation of the psyche. While Freud’s thinking, in particular his great work The Interpretation of Dreams (1900), was crucial for the Surrealists’ own approach to the world of dreams, they were more than mere followers of his ideas. For them, the dream was a field of experience different to that of conscious life, and knowledge of it was essential for the enrichment and expansion of the psyche.

Facing the Modern: The Portrait in Vienna 1900

National Gallery London, 9 October 2013 – 12 January 2014

The striking paintings of Gustav Klimt, Egon Schiele and Oskar Kokoschka star in this major exhibition which examines the central role portraiture played in Viennese painting and the upheaval in the tradition that marked the years around 1900.

Exploring Viennese portraiture during the Austro-Hungarian Empire (1867–1918), a powerful multi-national empire, this ground-breaking exhibition shows how the imperial and bourgeois traditions of 19th century art were both sustained and broken-apart by the innovations of avant-garde artists.

The exhibition traces the distinctive flourishing of modern art in Vienna in the years before 1918 which saw the end of the First World War, the collapse of the empire, and the deaths of both Klimt and Schiele.

La Renaissance Et Le Rêve

Musee du Luxembourg Paris, 9. Okt. 2013 – 24. Jan. 2014

La Renaissance a conféré aux songes une importance extraordinaire. Pour les philosophes, les théologiens, les médecins et les poètes des XVe et XVIe siècles, en rêvant, l’homme s’évade des contraintes de son corps et peut entrer en relation avec les puissances de l’Au-delà, divines ou maléfiques. Loin des questionnements de notre époque marquée par la psychanalyse et renseignée par les neurosciences, cette conception fascine les artistes de la Renaissance, qui sont confrontés en outre à un défi majeur : comment représenter l’irreprésentable ? Selon le sujet, les périodes et les régions, ils ont apporté à cette question des réponses fort différentes, que l’exposition propose de réunir et de confronter. Le parcours conduit naturellement le visiteur de l’endormissement au réveil, traversant rêves, visions et cauchemars.

Réunissant près de quatre-vingt œuvres d’artistes illustres de la Renaissance, de Jérôme Bosch à Véronèse, en passant par Dürer ou Le Corrège, l’exposition permet de découvrir cet âge d’or de la représentation du rêve et invite chacun à laisser libres les voies de son imagination et à s’abandonner aux troublantes images du rêve.

Exposition organisée par la Rmn-Grand Palais et la Soprintendenza del Polo Museale Fiorentino

Frida Kahlo / Diego Rivera : L'Art en fusion

9. Oct. 2013 – 13. Jan. 2014, Musée de l’Orangerie, Paris

Le musée de l’Orangerie présente, en collaboration avec le musée Dolorès Olmedo de Mexico, une exposition consacrée au couple mythique incarné par Diego Rivera (1886-1957) et Frida Kahlo (1907-1954). L’originalité de la manifestation consiste à présenter leurs œuvres ensemble, comme pour confirmer leur divorce impossible, effectif dans les faits mais aussitôt remis en question après une seule année de séparation. Elle permettra aussi de mieux entrevoir leurs univers artistiques, si différents et si complémentaires, par cet attachement commun et viscéral à leur terre mexicaine : cycle de la vie et de la mort, révolution et religion, réalisme et mysticisme, ouvriers et paysans.

Alfred Flechtheim

Kunsthändler der Avantgarde

Eine Werkpräsentation in 15 Museen und eine Online Ausstellung

The heritage of Rogier van der Weyden Painting in Brussels 1450-1520

Museum of Fine Arts Brussel, 11.10.2013 > 25.01.2014

In the autumn of 2013 the Royal Museums of Fine Arts of Belgium will stage an exhibition devoted to painting in Brussels in the period between the death of Rogier van der Weyden (1464) and the activity of Bernard van Orley (1515-1541).

At that moment Brussels was a thriving town, the Coudenberg Palace being the favourite residence of the dukes of Burgundy. It was surrounded by the palaces of courtiers and noble families like the Nassau or the Ravenstein. They were all important patrons of the arts.

Building on the results of the recent research and the existing studies the exhibition presents an overall picture of painting in Brussels at the late 15th and first years of the 16th centuries, tackling the subject from various viewpoints, historical, iconographic, stylistic, technical, economic and in terms of work organisation and exact copying.

Elizabeth I & Her People

National Portrait Gallery London, 10 October 2013 - 5 January 2014

Elizabeth I & Her People explores the remarkable reign of Elizabeth I through the lives and portraiture of her people. The Elizabethan period spanned over forty years and saw a significant expansion in trade, the creation of new industries, a rise in the middle classes and the development of a remarkable literary culture. These changes were brought about by the achievements of many different individuals, both at court and those working in the cities and towns and this exhibition explores their fascinating personal stories.

The show includes many outstanding paintings of Elizabeth I and her courtiers including explorers, statesmen and soldiers and enchanting portraits of the queen’s female attendants and maids of honour. Visitors will also come face-to-face with lesser-known Elizabethans including butchers, goldsmiths, personal servants, businessmen and women as well as writers and artists. These will be shown alongside artefacts from this period including exquisite jewellery, clothing, books and coins, which give a fascinating glimpse into their way of life.

The Seventies. Showcasting Rome

Palazzo Posizioni Rome, 11 October 2013 - 2 February 2014

curated by Daniela Lancioni

The work of some eighty Italian and international artists will be coming together to celebrate a decade, the 'seventies, and a city, Rome, in an exhibition plunging visitors back into an era enlivened by a combination of different idioms on an experimental stage set, an all-embracing basin of different visual cultures in a maelstrom of events of international importance, yet successfully clinging to its own unique identity.

With this initiative, the Palazzo delle Esposizioni intends to pursue an exploration which began back in the 'nineties with a series of exhibitions devoted to Rome, but at the same time it will be completing an analysis that first got off the ground in 1995 with a book and a documentary exhibition entitled Rome on Show 1970-1979. Materials for the documentation of exhibitions, actions, performances and debates.

The 1970s were a controversial decade generally associated with turmoil and conflict, yet it is a decade that can also be seen as fertile and constructive, and it was marked - especially in Rome - by adherence to visual values and to the independence and universality of works of art. The exhibition, based on the research that preceded it, sets out to illustrate this aspect by adopting a balanced position midway between historical investigation and interpretation.

The exhibition will offer the visitor a broad overview based both on celebrated works and artists and on less well-known but significant aspects, while also providing a specific, multifaceted version of events.

The undisputed stars of the whole exhibition will be the works of art themselves, all of which were produced or shown in Rome in the 'seventies, thanks to the presence of a vigorous selection of artists and to the dynamic energy of an outstanding collection of galleries and cultural associations such as Fabio Sargentini's L'Attico, Plinio De Martiis' La Tartaruga, Gian Tomaso Liverani's La Salita, Gian Enzo Sperone, Konrad Fischer, Ugo Ferranti, the Incontri Internazionali d'Arte founded in 1970 by Graziella Lonardi Buontempo and curated by Achille Bonito Oliva, and many more, to which, of course, we should add the activity of the Galleria Nazionale d'Arte Moderna and of the Palazzo delle Esposizioni itself.

Louise Lawler Adjusted

Museum Ludwig Köln, 11. Okt. 2013 – 26. Jan. 2014

Generation i.2

Edith Russ Haus Oldenburg, 11. Oktober 2013 - 19. Januar 2014

Eröffnung: 10. Oktober 2013, 19:00 Uhr

Die Ausstellung Generation i.2 ist ein internationales innovatives Kunstprojekt, das ein sehr aktuelles Thema anvisiert. Projekte und Ausstellungen, die Fragen digitaler Kultur behandeln, konzentrieren sich häufig auf Aspekte der implizierten Technologien, ihre Funktionsweisen oder ihre strukturellen Formen. Generation i.2 unterscheidet sich von anderen Medienkunstausstellungen insofern, als sie in einer interdisziplinären Form die der Kunstproduktion des 21. Jahrhunderts innewohnenden ästhetischen Fragestellungen erforscht, thematisiert und verdeutlicht. Nach unseren Erkenntnissen wurde bis heute keine Ausstellung realisiert, die die Thematik der Mondialisierung der Ästhetik der zeitgenössischen Kunst konkret behandelt.

Generation i.2 zeigt einzigartige Werke von internationalen Künstlern - von Japan und Indien bis den USA und Lateinamerika -, die ein Panorama der Medienkunst des 21. Jahrhunderts aufzeigen. Mit dem Zusammentreffen der verschiedenen internationalen Künstler wird der Aufbau eines weltweiten kulturellen Netzwerks gefördert, von dem nicht nur die Region Oldenburg und die Künstler profitieren werden. Auch über den regionalen Wirkungsbereich hinaus wird ein Netzwerk zwischen dem Edith-Russ-Haus, Künstlern und Kulturinstitutionen aufgebaut.[exhibition]=168&tx_kdvzerhapplications_pi5[action]=show&tx_kdvzerhapplications_pi5[controller]=Exhibition

Javier Téllez

Gent S.M.A.K. , 12.10.2013... 26.01.2014

The S.M.A.K. will launch itself into 2014 with a monographic show by the Venezuelan artist Javier Téllez (Valencia, 1969). His work was also shown as part of TRACK, as well as at Documenta 13.

In his films and installations, Téllez combines documentary and fictional storylines to question what is normal and abnormal, normative and pathological. In close cooperation with population groups that are usually ‘invisible’ (such as psychiatric patients, the disabled and the socially vulnerable), the artist rewrites stories, collective memories and moments from history and art history. In this way Téllez gives a voice to ‘the outsider’. This long-awaited exhibition will be organized in collaboration with, amongst others, Kunsthaus Zürich.

Captivating Qing-dynasty Ceramics

October 12 - December 15, 2013, Kyoto National Museum, Special Exhibition Hall

Among the celebrated, time-honored Chinese ceramic wares, the ceramics of the Qing dynasty (1644–1911) stand out for its exquisite, elaborate features. Qing ware are known to have been cherished by European royalty and nobility. These valuable objects, which greatly influenced ceramic production throughout Japan, were imported to the country both during its isolation period as well as after it opened its doors to the world. This special exhibition introduces exemplary works of Qing ware and examines how the Japanese admired them through the discoveries made in recent studies.

K u n s t & T e x t i l – Stoff als Material und Idee in der Moderne von Klimt bis heute

Kunstmuseum Wolfsburg, 12.Okt.2013 - 02.March.2014

Die Digitalisierung der Welt, das einseitige Arbeiten mit dem Kopf, ruft nach einem Abgleich mit Hand und Körper. Die Überlegungen zu einem Phänomen, das sich in der aktuellen Kunst u.a. durch eine Hinwendung zu alten Handarbeitstechniken spiegelt, bilden den Ausgangspunkt einer historisch übergreifenden Ausstellung, die sich mit dem Textilen beschäftigt. Das Projekt knüpft an thematische Ausstellungen wie etwa „Japan und der Westen“ und „Die Kunst der Entschleunigung“ an. Darin wurde die Gegenwart durch Sondierbohrungen in die Kunst- und Kulturgeschichte der Moderne historisch verankert, um daraus Orientierungslinien für deren Zukunft im 21. Jahrhundert zu entwickeln.
Der berühmte deutsche Architekt und Theoretiker Gottfried Semper beschrieb 1878 das Textile als die Urform aller Künste. Die Trennung von Kunsthandwerk und der sogenannten Hochkunst hatte in der Moderne jedoch zur Folge, dass alles „Kunsthandwerkliche“ über Jahrzehnte systematisch aus dem kunsthistorischen Kanon verdrängt wurde. Dabei bezog die Moderne aus der Verbindung von Kunst und Kunsthandwerk entscheidende Impulse. Die Entwicklung vom Faden in den Raum ist gleichsam eine Dynamisierung der Linie zum Bild in den Raum, die eng mit der Geschichte der Abstraktion verwoben ist. An einem künstlerischen Dialog der Werke von Gustav Klimt über Henri Matisse, Jackson Pollock und Eva Hesse bis hin zu Chiharu Shiota lässt sich diese Raumwerdung des Stofflichen sinnlich nachvollziehen. In der eigentümlichen Strukturanalogie von Web-Kunst und Web-Kultur, wie beispielsweise in den monumentalen Medieninstallationen von Peter Kogler, stehen sich Hand- und Kopfarbeit, Materialität und Immaterialität im digitalen Zeitalter des Internets gegenüber.–_Stoff_als_Material_und_Idee_in_der_Moderne_von_Klimt_bis_heute

Brent Birnbaum

Casino Luxembourg, 12.Okt.2013 — 5.Jan.2014

curateur(s): Leonor Comin

Le « Bureau » que Brent Birnbaum installe et dirige au Casino Luxembourg est une organisation à facettes multiples. Partant des Bureau of Apology dont les trois premières éditions ont eu lieu à New York, l'édition réalisée pour le Casino Luxembourg, d'ailleurs la première en Europe, sera poussée plus loin. Le Bureau of Apology rassemble des excuses anonymes de personnes voulant bien les présenter. Ces excuses sont notées sur papier et archivées. Le B.O.A. s'installe dans différents endroits publics à travers le monde ; ainsi, on peut faire ses excuses en personne ou bien les envoyer par courriel.

Chacun a des regrets. Les écrire sur papier permet de s'en débarrasser mentalement.

Brent Birnbaum fait le lien entre public et installation, entre ceux qui souhaitent se défaire de leur regrets et les mots eux-mêmes. Il est le maître de cérémonie de la performance mise en place.

En les glissant personnellement dans une boîte scellée, les excuses privées restent anonymes. Lorsque le Bureau est en déplacement, les excuses officielles sont faites à chaque nouvelle ville sous forme d'un document sur papier. C'est l'inverse d'un Key to the City.

Vous faudra-t-il un document officiel pour une personne à qui vous avez fait du mal ? Alors cherchez le personnage poilu et quasi-spirituel derrière le Bureau des Excuses.


10.10.2013 — 5.1.2014

Christodoulos Panayiotou

artiste(s): Christodoulos Panayiotou

curateur(s): Kevin Muhlen

Dans son œuvre, Christodoulos Panayiotou (né en 1978 à Limassol, Chypre) s'intéresse à la mémoire, aux temps révolus et aux traces laissés par le temps qui passe. Par ailleurs, la création d'une identité et d'une culture et la manipulation par l'image qui s'en suit, sont également au centre des préoccupations de l'artiste. Son œuvre - installations, vidéos, photographies - mêle habilement objets d'archives et approches nouvelles. Interpellé par l'aura et le charme historique du « Casino Bourgeois », Christodoulos Panayiotou entreprend, entre autres, de mettre à jour l'histoire cachée derrière les cloisons du centre d'art.

Coco’ Chanel

An exhibition by the Draiflessen Collection

Gemeentemuseum Den Haag, Expected from 10/Oct/2013 until 02/Feb/2014

The ‘Little Black Dress’, the Chanel suit and Chanel No. 5 – all still part of today’s universal fashion vocabulary. The designs of Gabrielle ‘Coco’ Chanel (1883-1971) revolutionised the way women dressed in the 20th century. Chanel stood for elegance, style and freedom of movement. Her designs became classics and still feature in today’s fashion scene. The designer’s colourful ‘rags to riches’ life story has captivated the public for generations and remains a source of lasting inspiration. The Chanel Legend tells the fascinating story of Coco Chanel and her celebrated fashion house. The exhibition includes a range of top items, including original Chanel designs of the 1920s and ’30s, women’s suits of the 1960s and creations once worn by star clients like Marlene Dietrich, Romy Schneider and Her Majesty Queen Paola of Belgium.

In addition to original clothing designs, The Chanel Legend includes accessories and a superb selection of Chanel costume jewellery borrowed from private collections: sparkling, colourful and as chic as it comes. An original 1921 bottle of Chanel No. 5 is touchingly simple. Years later, it was this most popular perfume in the world that prompted the famous Marilyn Monroe quip: “What do I wear in bed? Why, Chanel No. 5, of course”.
Chanel’s designs have always been imitated. Her much-coveted Chanel ‘2.55’ bag is still one of the most copied handbags in the world. The designer herself saw such imitations as a huge compliment. The more women dressed ‘à la Chanel’, the happier she was. Her comment on Yves Saint Laurent’s ‘little black dresses’ illustrates her attitude: ‘Saint-Laurent has excellent taste. The more he copies me, the better taste he displays.’ In addition to the many original designs on show, The Chanel Legend includes copies produced by companies like Hague fashion house C.H. Kühne & Zn and a line-up of ‘little black dresses’ by C & A Brenninkmeyer, Max Heymans, Yves Saint Laurent, Issey Miyake, Hussein Chalayan and other designers.

The Chanel Legend offers visitors a lightning tour of the life and work Coco Chanel but also spotlights the role of Karl Lagerfeld – the iconic German designer who joined the House of Chanel in 1983 and has since breathed new life into the company by combining the Chanel legacy with the zeitgeist of the 21st century. Always respectful and ever stylish, he preserves the authentic ‘esprit’ of his illustrious predecessor. As Coco Chanel maintained, ‘fashion fades, only style remains the same’.

The exhibition is accompanied by a lavishly illustrated 376-page catalogue in Dutch, English and German (€50).The publication features photography by renowned German fashion photographer Christin Losta. To cater for younger visitors, there will also be a Dutch-language children’s book by prize-winning illustrator and author Annemarie van Haeringen (€13.95).

The Chanel Legend is an exhibition conceived by the Draiflessen Collection, Mettingen. The exhibition is currently on show in Mettingen (Germany) from 6 April to 7 July 2013, after which it will come to the Gemeentemuseum Den Haag from 12 October 2013 to 2 February 2014 before transferring to the Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg in the spring of 2014.

Eileen Gray

Irish Museum of Art Dublin, 12 October – January/February 2014 (end date to be confirmed)
IMMA, Royal Hospital Kilmainham

IMMA presents a major retrospective of the work of Eileen Gray, one of the most celebrated and influential designers and architects of the 20th-century. Designed and produced by the Centre Pompidou, Paris, in collaboration with IMMA, this exhibition is a tribute to Gray’s outstanding career as one of the leading members of the modern design movement alongside such distinguished figures as Le Corbusier and Mies Van Der Rohe.
Eileen Gray at IMMA is a significant exhibition featuring many of the works shown at the Centre Pompidou. IMMA is the only other exhibiting venue after it is first shown at the
Centre Pompidou from 20 February to 20 May 2013. Gray’s work has often been split into two parts by critics, with decorative arts on the one hand and architectural modernism on the other. Now, Centre Pompidou and IMMA is seeking to approach the artist’s work as an unbroken whole, engaging as she did in drawing, painting, lacquering, interior decorating, architecture and photography.
This exhibition traces Gray’s journey from the outskirts of Enniscorthy, Co Wexford, to the modernist centre of 1920s Paris, and includes key works of furniture, photographs, scale models and documents brought together for the first time. Renowned in France during the early decades of the 20th-Century as a designer in lacquer furniture and interiors, she began to experiment with architecture in the late 1920s. The exhibition includes lacquer work influenced by her time spent under the Japanese artisan Seizo Sugawara, several of her little-known carpet designs, samples from her Paris shop
Jean Désert and key items of furniture from her work on the apartment of Madame Mathieu Levy and her own home, Tempe à Pailla.

Significant focus is given to her landmark piece of modernist architecture the French villa E-1027, built in Roquebrune-Cap-Martin in 1929, in close collaboration with Romanian architect Jean Badovici. Although interpreted by many as a homage to modernism, and the principles put forth by Le Corbusier, what Gray created in E-1027 was not the sometimes sterile ‘machine for living’, but an attempt to re-establish a connection to life, and to living. Gray’s thoughtful and tactile furnishings interact with her architecture to provide an interior space which acts as an anchor for the occupant, a temporary solution to the rootless conditions of modern life. The exhibition at IMMA will include key examples of furniture designed by Gray for E-1027, including the tubular steel designs with which her name has become synonymous.

Eileen Gray (1879-1976) was born near Enniscorthy and spent most of her childhood in between the family’s homes in Ireland and London. She attended classes at the Slade School of Fine Art where she studied painting.
Gray moved to Paris and continued her studies in Paris. At the end of World War I Gray decorated an apartment on the rue de Lota which was favourably reviewed. She opened up a small shop in Paris, Jean Desert, to exhibit and sell her work and that of her artist friends. In 1924 Gray began work on the house E-1027 in southern France. She also designed and furnished herself a new home, Tempe à Pailla, another icon of Modernist architecture. After World War II Gray returned to Paris and led a reclusive life. Shortly before her death a retrospective of Gray’s work, Eileen Gray. Pioneer of Design, was shown in London.
In an exciting new initiative IMMA has invited the
Irish Architecture Foundation to take over a gallery space during the run of the Eileen Gray exhibition, from which they will run a programme that will provide contemporary context to Gray’s work. The IAF will present an exhibition alongside a series of talks, screenings, happenings, experiments and workshops. The residency will focus on the resurgence of architectural initiatives and research in Ireland and elsewhere. The activities are intended to engage a diverse audience and to create opportunities (improvised and planned) for convergence.
A publication will accompany the exhibition.

The exhibition has been designed and produced by the Centre Pompidou, Paris, in collaboration with IMMA. The exhibition at IMMA is curated by Cloé Pitiot, Curator, Centre Pompidou, Paris, and project managed by Rachael Thomas and assisted by Georgie Thompson.
The exhibition is presented in partnership with the Irish Film Institute and is supported by the French Embassy in Ireland and THE IRISH TIMES.

Paralell with

Klara Lidden

IMMA presents the first solo exhibition in Ireland by Swedish-born artist Klara Lidén, featuring a selection of her Poster Paintings, accompanied by a film work. Central to the exhibition are Lidén’s recent Untitled (Poster Paintings), 2010–11; objects comprising layers of advertising posters removed by the artist from city streets, to which she has added a top coating of white paint. The Poster Paintings archive the advertisements that intersperse, and increasingly encroach upon, urban life. Simultaneously reflecting on the waste inherent in consumerism and on societal values, while harnessing the possibilities of the materials employed, they engage the viewer and ultimately allow for an open-ended dialogue with the work. In this body of work, as in much of her practice, Lidén’s aim is to ‘divert materials or spaces from their prescribed functions, inventing ways of making these things improper again’. In this way, her work reveals the creative potential and rebellion that lies just beneath the surface of our cities and their individual occupants.

Klara Lidden:

Ursula Mayer

Belvedere Wien, Von 13.10.2013 bis 12.01.2014

Ausstellungsort: 21er Haus

Ausgangspunkt der Einzelausstellung von Ursula Mayer sowie zugleich des ersten gemeinsamen Ausstellungsprojekts der Ursula Blickle Stiftung und des 21er Haus sind die Filme Gonda (2012) und Pheres (2013) sowie eine 16mm-Installation, die sich auf Michael Snows Two Sides to Every Story von 1974 bezieht. Die Hauptdarsteller dieser Trilogie, das Transgender-Model Valentijn de Hingh und die Musikerin JD Samson, sind Ausdrucksträger unserer Zeit. Zentrale Thematik von Gonda ist der Objektivismus der russisch-amerikanischen Philosophin Ayn Rand (1905–1982), insbesondere deren Theaterstück Ideal von 1934, in dem die Hauptdarstellerin Kay Gonda sich Fragen nach Individualismus und persönlicher Freiheit stellen muss. Dieses Thema wird über die Einbindung von Collagen zu Margaret Thatcher vertieft, welche die Philosophie Ayn Rands in ihre Politik übertrug und so die heutige Realität mitprägte. Der Film Pheres basiert auf der griechischen Mythologie der Medea und führt das Thema der persönlichen Freiheit durch die Gegenüberstellung des archaischen Universums und der rationalen, pragmatischen und kapitalistischen Welt weiter. Gonda und Pheres, von Ursula Mayer als Kritik an einer globalisierten Konsumgesellschaft und ihrer Massenkultur angelegt, entziehen sich durch eine fragmentierte Erzählstruktur und eine eigenwillige Filmsprache dem leichten Konsum. Ihre Synthese finden die Filme in der für das 21er Haus produzierten 16mm-Doppelprojektion, in der beide Hauptdarsteller zusammenfinden und nach Michael Snows Prinzipien der Objekt- und Erlebnishaftigkeit ein perfektes, aber auch ergebnisoffenes Gleichgewicht bilden, in dem sich die Grenze von Wirklichkeit und bildlicher Repräsentation aufzulösen scheint.

Die Schöne und das Biest. Richard Müller und Mel Ramos - Special Guest Joop

13. Oktober bis 12. Januar 2014, Museum der bildenden Künste Leipzig

Auf den ersten Blick ungewöhnlich ist das Zusammentreffen der Künstler Richard Müller (1874 Tschirnitz – 1954 Dresden) und Mel Ramos (geb. 1935 Sacramento, Kalifornien, lebt in Oakland, Kalifornien und Horta de San Juan, Spanien). Während Ramos eine sehr eigene Position innerhalb der Pop Art des 20. Jahrhunderts vertritt, ist Müller eine Wiederentdeckung für das breite Publikum. Müller, der als Vorläufer des magischen Realismus oder des Surrealismus bezeichnet wird, arbeitet in altmeisterlich ausformulierten Ölgemälden und Radierungen. Intensiv ist die jahrelange Auseinandersetzung mit dem weiblichen Körper. Die Akte geben sich ein Stelldichein mit Affe, Nasenbär, Gürteltier, Stier oder dem wiederkehrenden Marabu - Motive, die neben ihrer betont naturalistischen Präsenz auch als hintergründige Metaphern ausdeutbar sind. In den Animal Paintings bei Mel Ramos schmiegen sich die Nackten verspielt in die mächtigen Pranken eines Gorillas oder lagern auf dem Rücken eines Nashorns, stets in offensichtlichen erotischen Gestimmtheiten. Das Arrangement von verführerischen Frauen und animalischen Spielgefährten lässt kaum noch an eine historisch motivierte Symbolik denken. Bekannt geworden ist Mel Ramos in den 1960er Jahren durch seine erotisch aufgeladenen Commercial Paintings, in denen er Pin-Ups neben Konsumprodukte wie Coca-Cola Flaschen, Schokoladenriegel oder Zigarren platziert. Auf diese Weise bringt er Werbestrategien in einer Überpointierung auf den Begriff.
Richard Müller studierte von 1888 bis 1896 an der Porzellanmanufaktur Meißen und der Dresdner Kunstakademie. Als Graphiker erlangte er frühzeitig Ruhm durch Radierungen, die in der Nachfolge Max Klingers stehen. So wurde er schon 1897 für die Radierung "Adam und Eva" mit einem Reisestipendium für Rom ausgezeichnet. Von 1900 bis 1935 war Müller an der Dresdner Kunstakademie als Professor für die Zeichenklasse im Grundstudium in prägender Weise tätig. George Grosz gehörte zu seinen bekanntesten Schülern. Nach 1933 spielte Richard Müller eine unrühmliche Rolle im Windschatten der nationalsozialistischen Kulturpolitik. So war er an der Vorbereitung der Ausstellung „Entartete Kunst“ im Lichthof des Neuen Rathauses beteiligt, die als Vorläufer der berüchtigten Ausstellung in München von 1937 gilt. Müller fiel seinerseits bereits 1935 in Ungnade und wurde vom Amt des Rektors suspendiert. Nach 1945 geriet das Werk des Künstlers durch den Einfluss von Künstlern und Kunsthistorikern wie Hans Grundig und Fritz Löffler, die Müller zu Unrecht als "Nazi-Künstler" diffamierten, in Vergessenheit. Zu DDR-Zeiten fanden weder Ausstellungen noch eine wissenschaftliche Aufarbeitung statt. Die Leipziger Ausstellung würdigt Müller erstmals nach dessen Tod als Zeichner, Grafiker und Maler von Rang mit einer umfangreichen Anzahl von Werken.

Eine konzentrierte Auswahl von Werken Wolfgang Joops wird ebenfalls im Rahmen dieser Ausstellung präsentiert. Neben Gemälden werden Skulpturen und Stickereien des Künstlers Joop zu sehen sein. Bilder von Affen und Engeln verkörpern den tierischen aber auch himmlichen Aspekt des Menschen.

Die Ausstellung wird mit insgesamt rund 150 Gemälden, Graphiken und Zeichnungen faszinierende, vielleicht auch provozierende Gegenüberstellungen bieten.

Das Ausstellungssegment Richard Müller wird von Gastkurator Wolfgang Joop gestaltet.

Eröffnung: Sa. 12.10.2013, 19 Uhr


Revolutionär mit Feder und Skalpell

13. Oktober 2013 – 16. Februar 2014, Mathildenhöhe Darmstadt im Darmstadtium

Vernissage Samstag, 12. Oktober um 18.30 Uhr

Die umfassende multimediale Präsentation zu Leben und Werk des Dichters, Revolutionärs und Naturwissenschaftlers aus Anlass seines 200. Geburtstags (17. Oktober 1813) belegt, wie viel Gegenwart in Büchners Schriften sowie seinen politischen und wissenschaftlichen Aktivitäten bis heute steckt.

Die Ausstellung „Georg Büchner. Revolutionär mit Feder und Skalpell“ unter der Schirmherrschaft des Bundeskulturministers Bernd Neumann und des hessischen Ministerpräsidenten Volker Bouffier ist der Höhepunkt der „Georg Büchner Gedenkjahre 2012/2013“ – sowohl in Hessen als auch bundesweit.

Äußerer Anlass der großen interdisziplinären Schau ist der 200. Geburtstag des Dichters, Revolutionärs und Naturwissenschaftlers am 17. Oktober 2013, flankiert von der Uraufführung des Büchner-Dramas „Woyzeck“ vor 100 Jahren, am 8. November 1913. Innerer Anlass der Ausstellung ist die ungebrochene Aktualität der Schriften und der Sprache Georg Büchners jenseits historischer Wechselfälle. Die Ausstellung kann dabei auf den umfassenden Ergebnissen langjähriger Forschung zu Büchner aufbauen. Im Sommer 2013 wird der 18. und damit letzte Band der Marburger Büchner Ausgabe vorliegen, gefördert von der Mainzer Akademie der Wissenschaften.

Prof. Dr. Burghard Dedner, Leiter der Forschungstelle Georg Büchner an der Phillips- Universität Marburg, unterstreicht die wissenschaftliche Fundierung der Büchner-Schau: „Es ist ein ausgesprochen glücklicher Umstand, dass die Forschungsstelle Georg Büchner, die seit 1987 an der Herausgabe von Büchners Sämtlichen Werken und Schriften mit ausführlichen Kommentaren und Dokumentationen arbeitet, im finalen Jahr zugleich an einer Ausstellung zu Georg Büchner mitwirken kann.“

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1913: Bilder vor der Apokalypse

13. Oktober 2013 bis 19. Januar 2014, Franz Marc Museum Kochel am See

Das Werk Franz Marcs und vieler seiner Zeitgenossen ist vor dem Ersten Weltkrieg von der Vorahnung der Katastrophe geprägt. Im Rückblick lassen sich zahlreiche Hinweise auf die kommende Apokalypse ausmachen. Aus zeitgenössischer Sicht sind diese Jahre aber auch durch Ereignisse geprägt, die scheinbar in keinem Zusammenhang mit dem Krieg stehen.

In seinem Buch »1913« nimmt Florian Illies eine »objektive« Sichtweise ein und stellt Monat für Monat wichtige Ereignisse, Kunstwerke und Schriften nebeneinander, die von einer imaginären Folgerichtigkeit und einer schicksalhaften Zufälligkeit geprägt sind. Ausgehend von Illies` Perspektive stellt die Ausstellung Kunstwerke der Jahre 1912, 1913 und 1914 gegenüber, in denen sich die Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen zeigt: Denn was verbindet Marcs »Fabeltier« mit Meidners »Vulkanausbruch«, oder Klees »Friedhofsbau« mit Heckels »Parksee« in ihrer Spiegelung utopischer Hoffnung oder verzweifelten Aufbegehrens?

Léger: Modern Art and the Metropolis

Philadelphia Museum of Art, October 14, 2013 - January 5, 2014

This interdisciplinary exhibition will shed new light on the vitally experimental decade of the 1920s in Paris when the great French modernist Fernand Léger (1881-1955) played a leading role in redefining the practice of painting by bringing it into active engagement with the urban environment and modern mass media. This will be the first exhibition to take as its inspiration and focus Léger’s monumental painting The City (1919), a cornerstone of the Philadelphia Museum of Art’s collection and a landmark in the history of modern art, placing it in dialogue with the urban art and culture of modernity.

The exhibition will present a core group of Léger’s exceptional paintings on the theme of the city, along with film projections, theater designs, architectural models, and print and advertising designs by the artist and his contemporaries. In a multi-media installation of more than 120 works, including loans from American and European public and private collections, this exhibition will demonstrate the varied strategies through which artists and designers of the European avant-garde, with Léger in the lead, sought to participate in the complexity and excitement of the metropolis. The exhibition will also feature work by Cassandre, Robert and Sonia Delaunay, Theo van Doesburg, Alexandra Exter, Abel Gance, Le Corbusier, Piet Mondrian, Gerald Murphy, Francis Picabia, Man Ray, and many others.

Erwin Blumenfeld

Jeu de Paume Paris, du 15 octobre 2013 au 26 janvier 2014

L’œuvre d’Erwin Blumenfeld (Berlin, 1897–Rome, 1969) illustre le parcours artistique de l’un des plus grands photographes de mode du XXe siècle, dans le contexte sociopolitique de l’entre-deux-guerres.
Une grande partie de l’exposition du Jeu de Paume est notamment consacrée à l’époque où, d’abord à Paris, puis à New York, il réalise des photographies de mode et publicitaires. Ces photographies, souvent minimalistes, essentiellement en couleur, témoignent de son incessant désir d’expérimentation.
L’exposition réunit l’ensemble des médiums utilisés par Blumenfeld tout au long de sa carrière marquée par l’immigration : dessin, photographie, montage et collage. Les motifs, aujourd’hui devenus classiques, de ses photographies expérimentales en noir et blanc, y côtoient ses multiples autoportraits, portraits ainsi que ses photographies de mode.

Multipliant les effets spéciaux (superpositions, surimpressions, démultiplications...), Blumenfeld a été influencé par Dada dans sa jeunesse, comme l’illustrent ses recherches graphiques, ses collages, puis ses portraits et ses photographies de mode et publicitaires.
C’est au cours de son séjour à Amsterdam, où il s‘est exilé à la fin de la Première Guerre mondiale, qu’Erwin Blumenfeld commence à se livrer à des expérimentations photographiques en laboratoire. Il s’intéresse parallèlement à l’écriture et à la peinture. Les images qu’il crée montrent une appropriation photographique spécifique de la réalité de ces années-là. Ainsi voient le jour, par exemple, des portraits dans lesquels le thème de l’aliénation s’invite constamment. En 1936, il s’installe à Paris où il ne tarde pas à recevoir des commandes de portraits, de photographies de mode et de photographies publicitaires. L’artiste vit les variations d’un seul et unique thème, la femme.
La publication de ses portraits surréalistes et de ses photographies expérimentales dans les magazines Verve et Minotaure lui vaut d’être entouré d’admirateurs influents. Il obtient, dès 1938, un contrat avec l’édition française de Vogue et commence un an plus tard à travailler brièvement, à Paris, pour Harper’s Bazaar.
De 1940 à 1941, Blumenfeld est interné en tant que “ressortissant étranger ennemi”. À sa libération, il émigre aux États-Unis, où, jusqu’en 1943, il travaille comme photographe indépendant pour de nombreux magazines. Plus d’une centaine de ses photographies sont publiées en couverture de tous les grands magazines de mode Vogue, Harper’s Bazaar, Life, Look ou Cosmopolitan. En une quinzaine d’années, Erwin Blumenfeld invente à sa façon la photographie de mode. Il partage un studio de photographie de mode avec Martin Munkacsi jusqu’en 1943, date à laquelle il ouvre son propre studio à New York.
Au milieu des années 1950, le photographe se retire pour se consacrer à l’écriture. Ce n’est cependant qu’en 1975 que paraîtra son autobiographie intitulée Jadis et Daguerre.

L’exposition présentera près de 150 images, ainsi que des magazines permettant au visiteur de mesurer l’importance de la mise en page et de l’influence des rédacteurs. Des dispositifs sonores révèlent la radicalité de l’art du verbe chez Blumenfeld, tandis qu’un diaporama présente ses clichés de petit format, réalisés en dehors du studio et à ce jour inédits.

Ute Eskildsen, directrice adjointe et responsable des collections photographiques du Museum Folkwang, Essen.

From Cranach to Géricault

Van der Heydt Museum Wuppertal, 15.10.2013- 23.2.2014

Cranach, Dürer, Tizian, Bellini, Rubens, Rembrandt, Goya – these internationally renowned artists all have something in common: They are all represented with magnificent paintings and drawings in the collection of Jean Gigoux.
This extraordinary collection, however, has never been presented in Germany and is completely unknown in this country. Jean Gigoux (1806-1894) was a well-known painter and a highly esteemed illustrator in 19th century France. Through his artistic activities he made up a fortune which gave him the means to bring together a collection of masterful works of art. The Von der Heydt-Museum Wuppertal will show this rich collection of outstanding artworks for the very first time in Germany.
What is remarkable about this exhibition is that all these works of art were collected by a man who was himself an artist. Thanks to his profound knowledge of painting, his visual experience and skills and knowledge as a painter, Jean Gigoux was able to select for his private collection the most interesting and also the most unusual among the best works of art from Renaissance to 19th-century painting. Thus our exhibition presents a journey through the history of art as seen through the eyes of a perceptive painter. Gigoux was able to set himself apart from the mainstream tastes of his time – above all in the field of drawings with a collection including works from Mantegna, Cellini, Breughel, van Dyck, Jordaens, Fragonard and draughtsmen up to the 19th century such as David, Delacroix and Géricault – and to go against the grain of art history and arrive at unexpected and at the same time pleasing refinements.
The exhibition which includes approximately 100 carefully selected paintings and 30 drawings is realized in close cooperation with the Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie Besançon. It promises to offer our visitors a feast for the eyes as well as a great intellectual pleasure.

Warhol / Basquiat

Bank Austria Kunstforum, 16.10.2013 - 02.02.2014

Im Winter 2013/14 zeigt das Kunstforum eine große Werkschau mit Arbeiten von Andy Warhol und Jean-Michel Basquiat. In den Jahren 1984/85 entstanden zahlreiche Gemeinschaftsarbeiten der beiden Künstlerstars, die ein eindrucksvolles und facettenreiches Spannungsfeld dieser so unterschiedlichen Künstlercharaktere bilden. Eine komplementäre Bildsprache: Warhols emblematische, konzentrierte Handschrift versus der unmittelbaren Wildheit von Basquiat.

Neben den Kollaborationen werden auch Einzelwerke gezeigt, bei Warhol vor allem aus seiner parallelen Schaffensperiode, in der vor allem handschriftliche Bilder in Schwarz/Weiß entstanden sind. Diese konzentrierten und rein zeichnerische Resultate – meist sind es Markierungen von Alltagsgegenständen, Zeichen und Schrift – erinnern deutlich an Warhols Pionierphase der Pop-Art um 1960, als der Künstler sich Konsumgüter und Motive der realen Welt angeeignet hatte (Werbeannoncen in Zeitschriften, Schuhe, Autos, etc.). Diese Highlights der Pop-Art werden in der Ausstellung seinen Arbeiten aus den 1980er-Jahren gegenübergestellt. Nach einer langen Zeitspanne des Siebdruckverfahrens in Factory-Manier ist Warhol wieder zur persönlichen Handschrift zurückgekehrt. Dieser Umstand ist sicherlich auf die Kollaborationen mit Basquiat und dessen eruptiver Vorgangsweise zurückzuführen. Ergänzt wird das Warhol-Kapitel in der Ausstellung durch Ikonen der Pop-Art aus den 1960er- und 1970er-Jahren. Ein monumentales Retrospective Painting vereint Warhols legendäre Siebdrucksujets von Campbell’s Soup Can, Marilyn über Flowers bis Electric Chair. Zu finden sind auch die Superstars der Alten Meister in den Bildern von Mona Lisa und der Paraphrase von Leonardos Letztem Abendmahl: The Last Supper-Serie zählt auch zu Warhols letzten Höhepunkten seines künstlerischen Schaffens.

Auch von Basquiat werden Hauptwerke gezeigt: Gemälde und Zeichnungen, die zwischen 1981 und 1986 entstanden sind. Während seine frühe Phase noch Anklänge des Graffitistil haben, werden die Bilder ab Mitte der 1980er-Jahre in ihrer Struktur kleinteiliger, detaillierter in der motivischen Setzung. Dies kommt vor allem in den Zeichnungen zu tragen, die übersät sind mit textlichen und gegenständlichen Spuren. Eine der Hauptquellen stellt für Basquiat das klassische medizinische Lehrbuch Gray’s Anatomy dar, sowie die anatomischen Meisterzeichnungen von Leonardo da Vinci. Basquiats Werk ist einer der großen Meilensteine der Neuen Malerei-Bewegung der 1980er-Jahre, ein authentisch expressives Zeugnis des Künstlers, abseits vom kultivierten und inszenierten Malerfürstentum der Postmoderne.

Natalia Goncharova. Between East and West

16 october 201316 february 2014, State Tretjakov Gallery Moscow

Alfred Flechtheim. Kunsthändler der Avantgarde

Eine Werkpräsentation in 15 Museen und eine Dokumentation im Internet

Kunsthalle Bremen 16. Oktober 2013 bis 16. Februar 2014

Der Galerist Alfred Flechtheim (1878–1937) gehört zu den bedeutenden und einflussreichen Figuren der Kunstszene im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts. Er setzte sich für den rheinischen Expressionismus und den französischen Kubismus ein und förderte Künstlerpersönlichkeiten wie beispielsweise Max Beckmann, George Grosz und Paul Klee. Die massiven antisemitischen Attacken gegen ihn und seine Künstler deutete er bereits 1933 unfehlbar: Er verließ Deutschland. Von London aus ging er weiter seiner Tätigkeit als Kunsthändler nach. Dort starb er 1937 an den Folgen eines Unfalls. Seine Witwe kehrte nach Deutschland zurück, wo sie 1941 einen Deportationsbescheid erhielt und sich daraufhin das Leben nahm. Ihr Besitz, darunter Kunstwerke, fiel an das Deutsche Reich.
Bis heute haben Alfred Flechtheims kunsthändlerische Aktivitäten in zahlreichen deutschen Museen ihre Spuren hinterlassen: Er hat die Sammlungen der Moderne aktiv mit geprägt. Es ist das Ziel dieses Forschungsprojektes, seine Spuren zu verfolgen, sie anschaulich in den Museen zu vermitteln und die Ergebnisse zugleich auf einer Plattform im Internet international zugänglich zu machen. Auf diese Weise werden Mechanismen des Kunsthandels und Sammlungsstrategien der Institutionen aufgedeckt.

Insgesamt beteiligen sich an dem Projekt 15 renommierte Museen wie u.a. die Staatsgalerie Stuttgart, die Kunsthalle Hamburg, das Sprengel Museum Hannover, die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen München und das Städel in Frankfurt am Main. Die Kunsthalle Bremen ist mit 44 Werken an dem Projekt beteiligt, die Zeichnungen, Druckgrafik, Skulpturen und Gemälden umfassen von Künstlern wie Ernst Barlach, Max Beckmann, Marc Chagall, Edgar Degas, Rudolf Grossmann, George Grosz, Marie Laurencin, Renée Sintenis und Henri Toulouse-Lautrec. Die Bremer Kunsthalle leistet damit einen wichtigen Beitrag zur Provenienzforschung und legt ein Zeugnis der Ankaufspolitik von 1919 bis 1933 unter dem damaligen Direktor Emil Waldmann ab.



Bozar Brüssel, Wednesday 16.10.2013 > Sunday 26.01.2014

The splendours of the Moghuls and maharajahs, spirituality, light and colours but also poverty and the caste system are all aspects of India that have struck travellers of all eras when discovering this country. But how do Western artists see India? And how has their perception changed over time? Indomania tells the story of a passion for India shared by many artists. Painters, sculptors, photographers, writers, filmmakers and musicians with an aesthetic admiration and intellectual curiosity for this country. For the first time, the works of these artists will be brought together, from Rembrandt to Rauschenberg, over Rodin and Cartier-Bresson to Pasolini. At the request of Europalia, a number of contemporary artists will also visit India to be inspired for new artworks that will be shown in the exhibition.
Around 250 objects: paintings, drawings, sculptures, textiles, jewellery, films, photographs, from the time of Alexander the Great until today.
Some masters: Rembrandt, Gustave Moreau, Auguste Rodin, Pier Paulo Pasolini, Roberto Rossellini, Henri Cartier-Bresson,…
Artists to whom an order was given for the residences in India: Hans Op de Beeck, Max Pinckers, …
Top collections: British Museum, British Library, Victoria & Albert Museum, Louvre, Musée Guimet, Musée Rodin, Centre Pompidou, Fondation Custodia…
Curator: Deepak Ananth, Dirk Vermaelen
In collaboration with the MAS, Antwerp

Paul Klee

Tate Modern London, 16 October 2013 – 9 March 2014

Paul Klee is one of the great innovators among twentieth-century artists, celebrated for his inventiveness, wit and extraordinary use of colour. A major new exhibition at Tate Modern provides a revelatory experience of the work of this modern master and a unique chance to explore his innovations and ideas.

Bringing together drawings, watercolours and paintings from collections around the world, Paul Klee: Making Visible will span the three most productive decades of his career. From his emergence in Munich in the 1910s, through his years of teaching at the Bauhaus in the 1920s, up to his final paintings made after the outbreak of the Second World War, this fascinating exhibition highlights important groups of paintings from key moments in his life. Having since been dispersed across museums and private collections, Tate Modern will once again show these exhilarating works alongside each other, often for the first time since Klee did so himself.

Paul Klee was renowned for his teaching at the Bauhaus, and was both a playful and a radical figure in European Modernism. Born in Switzerland in 1879, he started out as a musician like his parents but soon resolved to study painting in Munich, where he eventually joined Kandinsky's ‘Blue Rider’ group of avant-garde artists in 1912.

Paul Klee: Making Visible begins with his breakthrough during the First World War, when he first developed his individual abstract patchworks of colour. The many technical innovations that followed will be showcased throughout the exhibition, including his unique ‘oil transfer’ paintings like They’re Biting 1920, the dynamic colour gradations of Hanging Fruit 1921 and the multicoloured pointillism used in Memory of a Bird 1932.

The heart of the exhibition will focus on the decade Klee spent teaching and working at the Bauhaus. The abstract canvases he produced there, such as the rhythmical composition Fire in the Evening 1929, took his reputation to new international heights by the end of the 1920s.

The 1930s then brought about radical changes, as Klee was dismissed from his new teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland with his family, while his works were removed from collections and labelled ‘degenerate art’ in Germany. Despite the political turmoil, financial insecurity and his declining health, he nevertheless became even more prolific. Paul Klee: Making Visible will bring together a group of his final works from the last exhibition staged before his death in 1940.

Although he saw his art as a process of spontaneous creativity and natural growth, exemplified by his famous description of drawing as “taking a line for a walk”, Klee actually worked with great rigour. He inscribed numbers on his works in accordance with a personal cataloguing system and wrote volumes on creative practice and detailed lecture notes. In grouping these works as Klee himself did, this exhibition presents an extraordinary opportunity to explore them in a new light and understand them as the artist intended.

EL GRECO  El Greco's Visual Poetics

Osaka, National Museum of Art, October 16 (Tue.)–December 24 (Mon.,Holiday), 2012

As we approach the 400th anniversary of the Spanish master El Greco's death (1541-1614), the museum is honored to present the largest retrospective of the artist's work ever held in Japan. The approximately 50 works, primarily oil paintings, will include the legendary altarpiece The Virgin of the Immaculate Conception (making its first appearance in Japan), and a selection of other pieces from over a dozen museums around the world such as the Museo del Prado in Madrid and a number of churches in Toledo.

Michel Comte

Kunst- Haus Wien, 17. Oktober 2013 bis 16. Februar 2014

Der 1954 geborene Schweizer Fotograf Michel Comte ist ein Meister des Spontanen und der Wandlung, der stets neue Herausforderungen sucht. In den mehr als 30 Jahren seiner Karriere hat er Filmstars, Supermodels, Größen des Jazz und der Kunst ebenso fotografiert wie Menschen auf den Krisenschauplätzen der Welt. Comte bewegt sich fotografierend auf dem roten Teppich der Filmfestspiele und der Luxushotels genauso wach und neugierig wie in den Ruinen der Kriegszonen von Afghanistan oder Bosnien.



Schirn Kunsthalle Frankfurt, 18. OKTOBER 2013 – 26. JANUAR 2014

Im Herbst 2013 präsentiert die Schirn Kunsthalle die erste Einzelausstellung zu Théodore

Géricault (1791–1824) in Deutschland. Sie rückt zwei der zentralen Themenkomplexe des

bedeutenden französischen Malers der romantischen Schule in den Mittelpunkt: das physische Leiden des modernen Menschen, wie es eindrücklich in Stillleben von abgeschnittenen Köpfen und Gliedmaßen als das Ineinander von Leben und Tod zum Ausdruck kommt, sowie die psychische Qual, wie sie seine Porträts von Geisteskranken zeigen. Diese komplett neuartigen Darstellungen von existenziellen Situationen, von Wahnsinn und Krankheit, von Leiden und Tod stehen beispielhaft für Géricaults besondere Modernität, die solchen mit Abscheu und Ekel besetzten Sujets Bildwürdigkeit und eine verstörende Aktualität verleiht. Angesiedelt zwischen dem romantischen Geschmack an Horror und dem unsentimentalen Blick der Wissenschaft spielte Géricault mit seinen Bildern von Wahnsinn und Tod bei der Konstituierung und Sichtbarmachung des modernen Subjekts eine entscheidende Rolle. Im Dialog mit Arbeiten von Zeitgenossen wie Francisco de Goya, Johann Heinrich Füssli oder Adolph Menzel stellt die Schau das traditionelle Verständnis von Realismus und Romantik als zwei einander ausschließende Epochenstile in Frage.

Jonas Mekas

The Fluxus Wall

Bozar Brüssel, Friday 18.10.2013 > Sunday 26.01.2014

The Lithuanian-American artist Jonas Mekas is widely considered the godfather of avant-garde cinema. After the war he started to document his own life in New York with a Bolex camera. He soon took up with the experimental film crowd, creating Film Culture magazine and founding the Film-Makers’ Cooperative with a group of other artists.
Mekas, who recently turned 90, is still prolific. The exhibition provides an overview of his creative endeavours with films, photos, poems, installations and a video diary. The in-situ installation Fluxus Wall consists of objects by the influential Fluxus movement which revolved around the Lithuanian-American artist, George Macunias, a kindred spirit of Mekas.

Serge Poliakoff

Le reve des formes

du 18 octobre 2013 au 16 février 2014

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

consacre au peintre abstrait Serge Poliakoff (1900-1969) une importante rétrospective de près de 150 oeuvres réalisées entre 1946 et 1969. Depuis 1970, aucune exposition parisienne de grande ampleur n’a été consacrée à cet artiste majeur de l’Ecole de Paris, soutenu par les plus grands historiens de l’abstraction (Charles Estienne, Michel Ragon, Dora Vallier) et qui, par l’intermédiaire de ses marchands (Denise René, Dina Vierny), a su éveiller l’intérêt de nombreux collectionneurs privés.

Zeng Fanzhi

du 18 octobre 2013 au 16 février 2014

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

présente la première rétrospective française du peintre chinois Zeng Fanzhi du 18 octobre 2013 au 16 février 2014. Aussi bien reconnu par les collectionneurs que par le milieu institutionnel, Zeng Fanzhi utilise depuis les années 1990 un langage original, marqué par son évidente filiation à l’art asiatique ainsi que par les nombreuses influences occidentales parvenues jusqu’à lui. C’est au travers de cette écriture totale que le regardeur se souvient de la tradition du paysage dans la peinture chinoise, tout autant qu’il pense à Warhol, Bacon, Balthus ou Pollock.

Cependant, l’oeuvre de Zeng Fanzhi peut difficilement être réduite à une assimilation de parangons traditionnels et modernistes. En ayant multiplié les styles et les thématiques, l’artiste fait preuve d’une volonté de recherche, tant picturale qu’intellectuelle, et d’une technique contrôlée. La confrontation à ces toiles laisse le spectateur seul face à une infinité, comme une étreinte dans le monde intérieur de l’artiste.

Paralell with:

Making Space. 40 ans d'art vidéo

Musee cantonales des beaux arts Lausanne, Du 18 octobre 2013 au 5 janvier 2014

En 1973, l'art vidéo souffle ses dix bougies, et voit la création de vidéos légendaires, dont Global Groove de Nam June Paik, Television Delivers People de Richard Serra et Limite E de Jean Otth. La même année, le Musée cantonal des Beaux-Arts fait entrer cette œuvre dans ses murs, inaugurant ainsi sa collection de vidéos. Depuis, de l'expérimentation avec le médium lui-même à son utilisation pour capter des actions, du poste de télévision à la projection, du rapport frontal avec les spectateurs à leur implication dans l'espace de l'installation, la vidéo s'est déclinée sur des modes radicalement divers. L'occasion de traverser quarante ans d'art vidéo dans les espaces ouverts par l'image en mouvement.

Kazimir Malevich en de Russische avant-garde

Stedelijk Museum Amsterdam , 19 okt 2013 — 2 feb 2014


In October 2013 the Stedelijk Museum Amsterdam presents an exhibition devoted to Kazimir Malevich (1878 –1935). It is the largest survey in twenty years to explore the work of an artist who was arguably one of the most important founders of abstract art. The exhibition is a tribute to the Russian avant-garde, and includes more than 500 objects from the collection of the Stedelijk Museum, the Khardzhiev Collection (under the stewardship of the Stedelijk), the Costakis Collection (housed by the State Museum of Contemporary Art, Thessaloniki), and diverse lenders.

Best known for his purely abstract work, Malevich was inspired by diverse art movements of his day. Through oil paintings, gouaches, drawings, and sculptures, the exhibition traces the rich variety of his oeuvre. It will be surprising to many to recognize those influences in the work of Malevich: the light touches of Impressionism, the spirituality of Symbolism, Fauvism and exotic colored geometric cubism and primitivism next to futuristic dynamism.

In the exhibition we follow Malevich's development to his 'own' Suprematism, as he established in paintings, spatial 'arkhitektons' and designs for opera and film. Attention is also paid to the figurative works from the period, which in the West initially were not valued, partly because they were totally unknown. The Khardzhiev and Costakis collections provide a context for this varied oeuvre by including many works by Malevich’s fellow artists of the Russian avant-garde.

Willi Baumeister International

19. Oktober 2013 - 2. März 2014, Kunstmuseum Stuttgart

Der Stuttgarter Willi Baumeister zählt zu den wichtigsten deutschen Künstlern der Nachkriegszeit. Nicht nur für die Kunstentwicklung in der noch jungen Bundesrepublik war Baumeister eine wichtige Figur. Auch auf die Entwicklung der abstrakten Malerei in Europa nahm er als Teil der Avantgarde großen Einfluss. Im Besitz des Kunstmuseums befindet sich nicht nur die weltweit umfangreichste Sammlung seiner Werke, auch das Archiv Baumeister ist dort beherbergt. In einer umfassenden Werkschau wird Baumeister als international agierender und wahrgenommener Künstler präsentiert. Teile seiner aus Künstlerfreundschaften hervorgegangenen Kunstsammlung – darunter Werke von Hans Arp, Wassily Kandinsky und Fernand Léger – werden im Rahmen der Ausstellung erstmals öffentlich gezeigt.;Vorschau_Details&id=71

Cindy Sherman - Untitled Horrors

Stockholm Moderna Museet, 19 oktober 2013 - 19 januari 2014

Cindy Sherman is one of the most important artists of our time. Since her breakthrough with Untitled Film Stills in the early 1980s, she has overturned both contemporary art and the attitude to photography. Her images became key works in an era when the concept of art was in constant turmoil, and she has continued to challenge notions of representation, identity and portraiture ever since.

Sherman’s photographic project is intriguing; what at first glance appears straightforward and consistent, soon proves to be contradictory. The artist is almost always present in her images, and yet they could not be called portraits. These works suggest characters, narratives, even though the enactments do not reveal anything in themselves. Like other artists of her generation, Sherman explores popular culture and cultural codes, where the spectator infuses the work with meaning. What elements of the image do we want to believe in, and why?
The catalogue includes texts by the authors and dramatists Kathy Acker, Sibylle Berg, Miranda July, Karl Ove Knausgård, Lars Norén, Sjón and Sara Stridsberg. Rather than adding to the plethora of theoretical commentary, the catalogue lets Cindy Sherman’s imagery inspire some of the most seminal contemporary voices in literature.

Curatorer: Daniel Birnbaum, Lena Essling, Gunnar B. Kvaran, Hanne Beate Ueland


19 | 10 | 2013 – 12 | 01 | 2014, Kunsthaus Bregenz

Nach ihrem Kunst- und Design-Studium nahm Barbara Kruger (geboren 1945) eine Stelle als Grafikerin und Bildredakteurin beim Condé Nast Verlag in New York an und arbeitete unter anderem für die Zeitschriften Mademoiselle und House and Garden. Die hier gemachten Erfahrungen in Bezug auf die Macht der Bilder, ihr Potenzial zur Abschreckung wie auch zur Verführung hatten schon früh Einfluss auf das Werk der Künstlerin.
Ihre Arbeiten zeichnen sich durch ihr hohes politisches Engagement aus und setzen sich für die Rechte der Frau, für Meinungsfreiheit und für ein kritisches Bewusstsein gegenüber der Konsumkultur ein. Ihre Installationen, Videos und Fotografien bestechen darüber hinaus durch eine bewusste Reflexion des Kunstsystems, dessen begrenzten Radius sie immer wieder verlässt, indem sie Projekte für Zeitschriften, Plakatwände oder andere Medien des öffentlichen Raumes entwickelt.

Barbara Kruger hatte große Einzelausstellungen in renommierten Institutionen, wie dem Museum of Contemporary Art in Los Angeles, dem New Yorker Whitney Museum of American Art und dem Moderna Museet in Stockholm. Außerdem nahm sie sowohl an der documenta 7 (1982) als auch 8 (1987) in Kassel teil und erhielt 2005 auf der Biennale in Venedig den »Goldenen Löwen« für ihr Lebenswerk.

In der Ausstellung im Kunsthaus Bregenz wird Barbara Kruger einen Überblick ihrer Medienvielfalt geben und neue Installationen speziell für die besondere Architektur von Peter Zumthor realisieren.

GLAM! The Performance of Style
Musik | Mode | Kunst

Lentos Kunstmuseum Linz, 19. Oktober 2013 bis 2. Februar 2014

Die Ausstellung widmet sich dem Phänomen Glam, das in den frühen 1970er Jahren in Großbritannien seinen Ausgang nahm und Opulenz, Glanz und Extravaganz als Ausdrucksformen in die unterschiedlichsten Kunstsparten trug. Mit einer Fülle an Exponaten spannt die Schau den Bogen von David Bowie über Glitter Rock und Roxy Music, über Stylisten und Modedesigner wie Ossie Clark und Antony Price über Film, Fotografie und Grafikdesign bis zur bildenden Kunst – mit Künstlern wie Gilbert & George, David Hockney, Allen Jones und Richard Hamilton.
Glam markiert jenen historischen Moment, als die Barrieren zwischen E- und U-Kultur zusammenbrachen. Glam kann aber auch als Fortführung der Agenda der Avantgarde mit neuen Mitteln betrachtet werden: auf trotzige Weise realitätsfern, mit Ironie, Respektlosigkeit, Übertreibung und androgynen Masken. Erstmals werden mit dieser anspruchsvollen Ausstellung die Subkultur, der Stil und die Kunst des Glam sowie die visuelle Kultur jener Zeit einer Bestandsaufnahme unterzogen.

Die Ausstellung ist eine Produktion der Tate Liverpool und wird in Kooperation mit der Schirn Kunsthalle Frankfurt und dem LENTOS Kunstmuseum Linz präsentiert. Das Projekt wird mit Fördergeldern der Europäischen Union unterstützt.

Kurator: Darren Pih (Tate Liverpool)

Projektleitung LENTOS: Stella Rollig, Magnus Hofmüller

The Hague School - Intermediators from Barbizon to Van Gogh

Hiroshima Museum of Art, 19 October – 23 December, 2013

Sie. Selbst. Nackt.

Paula Modersohn-Becker und andere Künstlerinnen im Selbstakt

Paula Modersohn-Becker Museum Bremen, 20. Oktober 2013 – 2. Februar 2014

Ausgehend von Paula Modersohn-Beckers Selbstbildnis am 6. Hochzeitstag (1906), das zur Sammlung des Paula Modersohn-Becker Museums gehört und als erster weiblicher Selbstakt in die Kunstgeschichte einging, zeigt die Ausstellung Künstlerinnen, die sich selbst nackt darstellten.

Als Pionierin der Moderne legte Paula Modersohn-Becker (1876–1907) mit ihren Selbstakten den Grundstein für die Aktmalerei der Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts. Noch vor Richard Gerstl (1908) und Egon Schiele (1910) hatte sie bereits 1906 in einem nahezu lebensgroßen Gemälde eine Selbstinszenierung als Ganzkörperakt vorgenommen und sich damit einem zu diesem Zeitpunkt kaum bekannten und durchaus brisanten Bildthema zugewandt. Denn auch unter männlichen Künstlern war ein Selbstakt damals eine Seltenheit. Somit verhalf sie, als Frau, dem verkannten Sujet zu neuem Ansehen in der Kunstgeschichte.

Dieser Entwicklung geht die Ausstellung nach und zeigt erstmalig vereint die wichtigsten Positionen weiblicher Selbstdarstellung im Akt der Kunstgeschichte vom Beginn des 20. Jahrhunderts bis heute, mit Beispielen von u. a. Marianne Breslauer (GER), Anne Brigman (USA), Imogen Cunningham (USA), Xenia Hausner (AUT), Rachel Lewis (GBR), Clare Menck (South Africa), Ana Mendieta (USA), Anita Rée (GER), Joan Semmel (USA), Amrita Sher-Gil (IND), Renée Sintenis (GER), Jo Spence (GBR), Cecile Walton (GBR), Hannah Wilke (USA).

La Grande Magia

MAM Bologna, 20 ottobre 2013 – 16 febbraio 2014

Dal 20 ottobre saranno visibili al MAMbo i capolavori e le opere più significative della Collezione UniCredit.

I 93 lavori in mostra - selezionati dai due curatori Gianfranco Maraniello (Direttore del MAMbo) e Walter Guadagnini (Presidente della Commissione Scientifica “UniCredit per l'Arte”), in collaborazione con Bärbel Kopplin (curatrice della Collezione HypoVereinsbank – UniCredit Bank AG) – racconteranno la magia come “trama” ricorrente nella storia dell'arte, coprendo un arco di tempo che va dal Cinquecento ai giorni nostri.

Magia quale trasformazione della materia vivificata in opera d'arte, come capacità di possedere la realtà in immagini, come forza simbolica di un sapere non scientifico che interviene sul mondo tangibile, magia quale forma di seduzione per lo sguardo.

Happy Birthday! 20 Jahre Sammlung Goetz

Sammlung Goetz München, 20.10.2013 - April 2014

Anlässlich des Jubiläums öffnet die Sammlung Goetz ihre Archive und zeigt circa 80 Arbeiten von elf Künstlern, die lange Zeit oder noch gar nicht in Ausstellungen zu sehen waren. Es gibt ein Wiedersehen mit alten Bekannten in eigens dafür eingerichteten Künstlerräumen, aber auch einige Neuentdeckungen in spannungsreicher Gegenüberstellung. Dazu gehören u.a. eine frühe figurative Installation von Yayoi Kusama aus dem Jahr 1966, ein großes Schattenspiel von Hans-Peter Feldmann und Skulpturen von Louise Bourgeois aus allen Schaffensphasen. Neben Installationen, Gemälden und Skulpturen werden auch Arbeiten auf Papier präsentiert, die den Ausgangspunkt der Sammlung darstellen.

Künstler: Shuzaku Arakawa, Mária Bartuszová, Louise Bourgeois, Michael Buthe, William Copley, Walther Dahn, Hans-Peter Feldmann, Neil Jenney, Anselm Kiefer, Yayoi Kusama und George Segal.

Albrecht Dürer

Seine Kunst im Kontext ihrer Zeit

Städel Museum Frankfurt, 23. Oktober 2013 bis 2. Februar 2014

Anhand von rund 180 Werken aus den wichtigsten Sammlungen der Welt wirft das groß angelegte Ausstellungsprojekt im Städel Museum einen umfassenden Blick auf Albrecht Dürer. Die Ausstellung zeigt Dürers Schaffen in seiner ganzen Breite und in der ganzen Vielfalt seiner künstlerischen Ausdrucksmöglichkeiten: vom Tafel- und Leinwandbild über die Handzeichnungen und Blätter in unterschiedlichen druckgrafischen Techniken bis hin zu den von ihm verfassten und illustrierten Büchern. Dürers Meisterwerke werden mit Arbeiten von Vorläufern oder Zeitgenossen konfrontiert, die für den Künstler wichtig waren: sei es, dass Dürer sich kreativ mit ihnen auseinandergesetzt hat, sei es, dass seine eigenen Arbeiten zum Ausgangspunkt einer schöpferischen Neubearbeitung im Werk eines Künstlerkollegen wurden. Durch diese Art der Kontextualisierung wird dem Betrachter nicht nur die besondere Gestaltungskraft Dürers, sondern auch dessen entscheidender Beitrag für die Entstehung der nordeuropäischen Renaissancekunst verständlich. Zur Ausstellung kommen u. a. weltberühmte Leihgaben aus dem J. Paul Getty Museum in Los Angeles, der National Gallery in London und dem Kunsthistorischen Museum in Wien nach Frankfurt am Main.

Kurator: Prof. Dr. Jochen Sander (Städel Museum)

Gerhard Richter

ATLAS / Im Kunstbau München / 23. Oktober 2013 - 9. Februar 2014

Gerhard Richter wird den „Atlas“, an dem er seit 1962 arbeitet, mit einer Reihe weiterer Tafeln 2013 zum Abschluss bringen. Dieses große Werk begleitet Richters gesamten künstlerischen Werdegang und stellt zugleich ein Kompendium seiner Bildideen dar. Im „Atlas“ sind Photographien, Zeitungsausschnitte, Skizzen und Collagen zusammengefasst, die vielfältige Einblicke in sein künstlerisches Vorgehen erlauben.

Die Bildmotive spiegeln biographische, künstlerische wie historische Fakten und verdeutlichen wesentliche Etappen Richters Schaffens. Bildideen, die den Künstler beschäftigten, sich aber nicht in Gemälden oder anderen großen Werken umsetzen ließen, werden hier offensichtlich. Einem riesigen Werkbuch gleichend, vereint der „Atlas“ eine Vielzahl unterschiedlicher Ansätze, die den konzeptuellen Charakter von Gerhard Richters Kunst verdeutlichen.

Der „Atlas“ wurde seit 1996 von der Städtischen Galerie im Lenbachhaus erworben. Er gehört heute zu den wichtigsten Beständen der zeitgenössischen Kunst in unserem Haus. Mit ihm wird auch die Position Gerhard Richters im Lenbachhaus untermauert, die weitere zentrale Werke wie „Zwei Skulpturen für einen Raum von Blinky Palermo“ (1971/1984), abstrakte Gemälde aus der KiCo-Stiftung, die Skulptur „4 stehende Scheiben“ (2002, erworben durch den Förderverein Lenbachhaus e.V.) sowie anderen Arbeiten umfasst. Für die Ausstellung im Kunstbau werden in Absprache mit dem Künstler weitere Werke ausgewählt.

Anlässlich des Abschlusses der Arbeit am „Atlas“ ist eine Publikation des gesamten Werkes in fünf Bänden vorgesehen, in der alle Tafeln in der Hälfte der Originalgröße abgebildet sein werden.

Metamatic Reloaded

Neue Kunstprojekte im Dialog mit Tinguelys Zeichenmaschinen

23.Okt. 2013 – 26.Jan. 2014, Tinguely Museum Basel

Tinguelys ‚Méta-Matic‘-Zeichenmaschinen waren eine seiner radikalsten Erfindungen. Die ‚Metamatic Research Initiative‘ in Amsterdam hat 2009 einen grossen Wettbewerb ausgeschrieben, mit dem deren Potential für die heutige Kunst befragt wurde. Zehn ausgewählte Projekte aus unter-schiedlichsten Perspektiven beweisen die andauernde Brisanz des Themas, darunter eine Perfor-mance von Marina Abramovic, ein grosses Environment von Thomas Hirschhorn, und eine Installa-tion von Jon Kessler.

Langzeit und Endlager

Museum Allerheiligen Schaffhausen, CH, 24. Oktober 2013 - 23. März 2014
Eröffnung: Mittwoch, 23. Oktober 2013, 18.15 Uhr im Münster

Mit der Ausstellung Langzeit und Endlager greift das Museum zu Allerheiligen ein Thema von grosser Brisanz auf. Die Lagerung radioaktiver Abfälle stellt die Menschheit vor eine ihrer schwierigsten Aufgaben. Es gilt Sicherheitskonzepte für mindestens 4000 Generationen zu entwickeln. Aus der Geschichte kennen wir keine Institution von vergleichbarer Beständigkeit mit ungebrochener Überlieferung der Führungsverantwortung.Die Ausstellung will keine Aussagen zur Standortwahl von Tiefenlagern machen. Sie will vielmehr die Zeitdimensionen vor Augen führen, um die es bei der Entsorgung radioaktiver Abfälle geht. Der Betrachtungsraum bezüglich Langzeitsicherung beträgt 100'000 Jahre für schwach- und mittelaktive- und 1 Million Jahre für hochradioaktive Abfälle. In der Ausstellung durchwandert man sowohl geologische als auch kulturgeschichtliche Zeiträume. Von den Eiszeitmenschen über Altägypten bis zu den mittelalterlichen Klostergründungen begegnet man den Langzeitplanungen früherer Kulturen.

9 Artists

Walker Minneapolis, October 24, 2013 – February 16, 2014

9 Artists takes place in a contemporary moment that lacks the apparent clarity of the past. Nevertheless, the exhibition attempts to galvanize a temporary canon—to pretend the artists included constitute a movement, while recognizing the improbability of their actually doing so.

The show includes some of the most engaged and provocative artists working today. Rarely considered together, they each use their own backgrounds or identities as material, frequently in antagonistic or subversive ways. The artists follow individual and subjective tenets, and are less than amenable to being captured within a catch-all frame. They use a variety of strategies—from deep satire, nihilism, and a determined opacity to provocation, humor, and aesthetics of mediation—to avoid ideological positioning. Their loyalty is to the individual, but not the individual who exists in splendid isolation—rather one who acts within a community, even if this community has yet to be invented.

Artists include: Yael Bartana (b. Israel, lives and works in Berlin), Liam Gillick (b. England, lives and works in New York), Natascha Sadr Haghighian (see, Renzo Martens (b. the Netherlands, lives and works in Brussels and Kinshasa), Bjarne Melgaard (b. Australia, lives and works in New York), Nástio Mosquito (b. Angola, lives and works in Luanda), Hito Steyerl (b. Germany, lives and works in Berlin), and Danh Vo (b. South Vietnam, lives and works in Basel).

A catalogue accompanies the exhibition.

Walker curator: Bartholomew Ryan

Damage Control: Art and Destruction Since 1950

Hirshorn Museum Washington. D.C., October 24, 2013 to February 9, 2014

Damage Control: Art and Destruction Since 1950 is the first in-depth exploration of the theme of destruction in international contemporary visual culture. In all areas of art production since the mid-twentieth century, the notion of destruction has played an important role, whether as spectacle, as catharsis, as a reaction to world-weariness, as a means of depersonalizing emotional or cultural angst, as a form of rebellion against institutions, or as an essential component of re-creation. This ground-breaking exhibition includes works by a diverse range of international artists working in painting, sculpture, photography, film, installation, and performance. It begins in the aftermath of World War II, under the looming fear of total annihilation in the atomic age, and explores the continuing use that artists have made of destruction as part of the creative process—sometimes sinister, sometimes playful, often iconoclastic, and always challenging. The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue containing essays by the exhibition curators as well as scholars from a variety of disciplines in order to investigate this rich and complex subject from a range of perspectives, including art historical, historical, cultural, and psychological points of view.

Zurich Art Prize 2013: Adrián Villar Rojas

Haus Konstruktiv Zürich, 24. Oktober 2013 bis 2. Februar 2014

Das Haus Konstruktiv sieht eine seiner wesentlichen Aufgaben auch darin, die Kreativität von Künstlerinnen und Künstlern einer jungen Generation zu fördern, die sich in einem erweiterten Sinne mit den Inhalten des Museums beschäftigen. Dieses Anliegen teilt das Museum mit der Versicherungsgesellschaft Zurich Group, einem Patronatspartner der Stiftung: Aus einer intensivierten Zusammenarbeit zwischen der Zurich Group und dem Museum ist der «Zurich Art Prize» entstanden, der seit 2007 jährlich vergeben wird. Mit einer Preissumme von 80.000 CHF, die für die Realisierung einer Ausstellung im Museum Haus Konstruktiv verwendet wird, zählt er zu den hoch und dotierten Kunstpreisen weltweit.

Jedes Jahr werden sieben renommierte Ausstellungsmacherinnen und -macher, Künstlerinnen und Künstler eingeladen, jeweils eine junge Künstlerposition zu benennen. Aus den vorgeschlagenen Künstlerinnen und Künstlern wählt die hochkarätige, international besetzte Experten-Jury den/die PreisträgerIn aus.

Lorna Simpson

Haus der Kunst München,25.10.13 – 02.02.14

Die Retrospektive bietet einen Überblick über das Werk der afrikanisch-amerikanischen Künstlerin Lorna Simpson (geb. 1960, New York); sie zeigt Fotografie, Film, Video und Zeichnung aus über 30 Jahren. Simpson wurde Mitte der 1980er-Jahre mit großformatigen Fotografie-Text-Arbeiten bekannt. Obwohl die Bilder durch den Text an Bedeutung gewinnen, bleibt die Verbindung zwischen beiden offen. Die Erzählweise ist nicht direkt und dokumentarisch, sondern anspielungsreich und kodiert; Geschichte und Handlung zu gestalten, ist der Fantasie des Betrachters überlassen.
Lorna Simpson nutzt die Figur der afrikanisch-amerikanischen Frau, um den konventionellen Blick auf Geschlechterrollen, Identität, Kultur, Geschichte und Gedächtnis herauszufordern und zu untersuchen, wie sich Interaktionen, Beziehungen und Erfahrung formen. Mitte der 1990er-Jahre begann sie große, auf Filz gedruckte und aus mehreren Tafeln bestehende Fotografien herzustellen; auch diese sind meist von Text begleitet und deuten unterschiedliche Orte und Begegnungen an. In den letzten zehn Jahren hat sie sich verstärkt Film- und Videoarbeiten zugewandt, in denen Personen intime und rätselhafte Konversationen führen, und Themen wie Identität und Sehnsucht gleichermaßen anklingen. Die Ausstellung zeigt außerdem eine große Auswahl an Zeichnungen und Aquarellen sowie die jüngsten Arbeiten der Künstlerin, in denen sie Replikationen von Fotografien der 1950er-Jahre nachstellt, in denen sie selbst die Position und Mimik der Dargestellten einnimmt.[tt_news]=6322&cHash=4058c473ef9ae0c5192939c9c5b5c1f2

Marge Monko

MUMOK Wien, 25.10.2013- 02.02.2014

Eröffnung: 24.10.2013

2012 ging der Henkel Art.Award. zum ersten Mal nach Estland: Die 1976 in Talinn geborene Film- und Fotokünstlerin Marge Monko erhielt den mit 7.000 Euro und zwei Einzelausstellungen dotierten Preis. Ab 25. Oktober 2012 gibt sie im mumok einen Einblick in ihre Arbeit. Im Mittelpunkt ihres Interesses stehen der historische Wandel vom Kommunismus zum Kapitalismus und die damit verbundene Veränderung gesellschaftlicher Rollenbilder. Sorgsam recherchiert die Künstlerin die Alltagsgeschichte der Arbeitswelt in ihrem zeitgenössischen politischen Kontext und unterzieht sie einer kritisch-analytischen Betrachtung aus weiblicher Perspektive. Dabei werden die Propaganda und das Pathos kommunistischer Ideologie ebenso einer Revision unterzogen wie die Fortschrittsgläubigkeit kapitalistischen Gewinnstrebens. Die einstigen Versprechen des Kommunismus und seiner kulturellen Industrie von Glück, Zufriedenheit und Selbstbestimmung werden als hohle und dem Verfall unterworfene Gesten erkennbar. Im Karrieredenken neoliberaler Eliten kehren sie nun unter veränderten Bedingungen und in neuen Erscheinungsformen wieder. So hat Monko bereits 2009 in der Videoarbeit Shaken Not Stirred die Brüche im Leben einer weiblichen Existenz nachgezeichnet: Nach außen dem Bild einer erfolgreichen Geschäftsfrau entsprechend, entpuppt sich die Hauptfigur als privat gescheitertes und zutiefst enttäuschtes menschliches Wesen, in dessen Umfeld die Verwerfungen zwischen den unterschiedlichen Gesellschaftsschichten tiefreichender sind als je zuvor.

Rainer Fuchs

Emil Nolde

Unteres Belvedere Wien, 25. Oktober 2013 bis 2. Februar 2014

Christopher Wool

Guggenheim New York, October 25, 2013–January 22, 2014

At the heart of Christopher Wool’s creative project, which spans three decades of highly focused practice, is the question of how a picture can be conceived, realized, and experienced today. This retrospective will fill the museum’s Frank Lloyd Wright–designed rotunda and an adjacent gallery with a rich selection of paintings, photographs, and works on paper, forming the most comprehensive examination to date of Wool’s career.

Franz Gertsch Geheimnis Natur

Museum Frieder Burda Baden Baden, 26. Oktober 2013 - 16. Februar 2014

Franz Gertsch, 1930 in Möringen im Kanton Bern geboren, zählt zu den wichtigsten Schweizer Künstlern der Gegenwart. In der Ausstellung sind rund 35 großformatige Gemälde und Holzschnitte zu sehen, die einen Querschnitt durch das gesamte künstlerische Schaffen vorstellen.

Bekannt wurde Franz Gertsch mit fotorealistischer und hyperrealistischer Malerei. Später kam ein in Technik und Formaten einzigartiges Holzschnittwerk hinzu. In seinem malerischen und graphischen Werk nähert er sich auf besondere Weise der Wirklichkeit. Ausgehend von Fotos beziehungsweise von Diaprojektionen folgen die mit Pinseln gemalten Bilder einer eigenen, innerbildlichen Logik, die auf absolute Stimmigkeit aller Elemente zielt.

Seit seiner Teilnahme an der documenta 5 in Kassel 1972 zählt Franz Gertsch zu den international bedeutendsten Künstlern.

Von Istanbul bis Yokohama: Die Reise der Kamera nach Osten 1839-1900

Museum für ostasiatische Kunst Köln, 26. Oktober 2013 - 23. Februar 2014

350 historische Fotografien, aufgenommen von europäischen und einheimischen Fotografen, lassen die Reiserouten der Globetrotter nach Asien lebendig werden. Nach der Öffnung des Suez Kanals 1869 etablierten sich in den großen Hafenstädten kommerzielle Fotostudios. Sie deckten den Bedarf der Touristen nach Reisefotografien, die ihre Erinnerungen an Sehenswürdigkeiten und Menschen ferner Länder und Kulturen festhielten. Ausgehend von London oder Southampton führten die populärsten Dampferrouten nach Istanbul, und über Alexandria, Port Said, Aden, Bombay, Colombo, Madras, Kalkutta, Singapur, Hong Kong bis nach Yokohama.

Die Gründer des Museums für Ostasiatische Kunst in Köln, Adolf Fischer (1856-1914) und seine Frau Frieda (1874-1945), reisten auf ihren Ankaufsreisen über diese Schiffsrouten nach Ostasien. Mit der Ausstellung wird erstmalig eine erlesene Auswahl ihrer Sammlung historischer Fotografien aufgeschlüsselt und zu den historischen Reiseführern in Beziehung gesetzt. Die Fotografien bezeugen nicht nur das hohe künstlerische Niveau der frühen Fotopioniere, sie machen aus heutiger Sicht auch die romantische Verklärung und den unwiederbringlichen Verlust alter, gewachsener Kulturen im vorderen Orient sowie in Ost- und Südostasien deutlich.
Von Istanbul bis Yokohama: Die Reise der Kamera nach Osten 1839-1900 feiert das 100-jährige Bestehen des im Oktober 1913 eröffneten Museums für Ostasiatische Kunst Köln.

Honoré Daumier (1808-1879)

26 October 2013—26 January 2014

Royal Academy London, In The Sackler Wing of Galleries, Burlington House

Described by Baudelaire as the artist with the capacity to capture ‘the heroism of modern life,’ this exhibition will showcase every facet of Daumier’s output, concentrating on his paintings, drawings and watercolours, supported by a selection of complementary lithographs. The exhibition will broadly follow the chronological span of the artist’s lifetime, which saw extensive political and social change in France together with the development of the Romantic and Realist movements. Daumier’s finely attuned visual memory allowed him to recall his perceptive observations of daily life and his practice of endless revision reveals his sensitivity to anything false or borrowed.

This exhibition explores themes that bring out the meaning and originality of Daumier’s work such as judgement, spectatorship and reverie. The contrast between the role of the spectator viewing art, and the isolation of the artist in the studio alone with a blank canvas will be addressed.

Passport to Paris

Denver Art Museum, October 27, 2013 – February 9, 2014

Passport to Paris brings together works from the rock stars of the art world—Claude Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Henri de Toulouse-Lautrec, and more. This exhibition's trio of shows focuses on French art from the late 1600s to early 1900s and explores changes in art and society during three important centuries in art history.

Revealing how art mirrors society, guests will get a sense of the changes that took place from the time of the powerful and absolute monarchy of Louis XIV to the individualistic café society. The museum also will offer numerous activities that highlight France and the French aesthetic and is thrilled to partner with the Colorado Symphony Orchestra to create an immersive, on-site experience that will beckon visitors back throughout the season.

Included in the fall suite are:

Court to Café: Three Centuries of French Masterworks from the Wadsworth Atheneum

Features 50 masterpieces from the collection of the Wadsworth Atheneum in Hartford, Conn. The artworks visually unfold the richness of French painting, ranging from the 1600s through the early 1900s and include religious and mythological subjects, portraits, landscapes, still lifes and genre scenes. This exhibition tour is the first time that all of these works have been shown as a group. Artists featured include Nicolas Poussin, François Boucher, Edgar Degas, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, and Claude Monet.

Nature as Muse: French Impressionist Landscapes

Displays the stunning work of 19th century Impressionist artists. Focusing on landscape paintings, the exhibition will feature about 36 artworks from a Colorado collector and the DAM’s own holdings. Impressionists focused on a specific time and place and, for the first time, artists could take their easels and paints and work outside, free from the constraints of studio space and light. Artists featured include Paul Cézanne, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, and Alfred Sisley.

Drawing Room: An Intimate Look at French Drawings from the Esmond Bradley Martin Collection

Inspired by the drawings cabinets of gentlemen and connoisseurs, this exhibition will offer a space where visitors can get close to artworks whose intimate nature invites contemplation and close-up viewing. Comprised of approximately 39 works-on-paper, the exhibition includes a range of techniques from rapid sketches to finished pastels. The artworks represent exquisite examples of draughtsmanship by some of the most celebrated French masters and allow an in-depth look into the creative process of artists. The entire exhibition is drawn from the private collection of Dr. Esmond Bradley Martin. Artists featured include François Boucher, Jacques-Louis David, Théodore Géricault, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Henri de Toulouse-Lautrec, Claude Monet, and Alfred Sisley.

Ein Ursprung der afrikanischen Skulptur

30. Oktober 2013 bis 23. Februar 2014, Liebieg Haus Frankfurt

Die Archäologen der Frankfurter Goethe Universität graben seit einigen Jahren mit ungewöhnlich großem Erfolg in Nigeria. Ihre spektakulären Funde, mehr als 2000 Jahre alte Tonfiguren der Nok-Kultur werden augenblicklich in Deutschland restauriert. Die besonders ausdrucksstarken Skulpturen, erste Zeugnisse der afrikanischen Plastik, sind gleichzeitig mit den Kunstwerken der ägyptischen Spätzeit, aber auch der griechischen Klassik entstanden. Ein Austausch war durch die Sahara blockiert. Die großartigen, freien Formen der Nokkunst stehen somit völlig eigenständig und setzen sich stolz von der mediterranen Kunst ab. Bevor die Frankfurter Sensationsfunde nach Nigeria zurückkehren werden sie in der Liebieghaus Skulpturensammlung der Weltöffentlichkeit zum ersten Mal – und zwar in der Konfrontation mit der zeitgleichen mediterranen Kunst, aber auch im Kontext der Forschung – vorgestellt.

Kurator: Vinzenz Brinkmann (Liebieghaus Skulpturensammlung)


30 OCTOBRE 2013 – 3 MARS 2014

Centre Pompidou, Paris

Commissaire : Didier Ottinger

Autour d’une centaine de sculptures et d’une quarantaine de photographies, cette exposition permet de suivre toute l’histoire du mouvement surréaliste depuis sa fondation dans les années 1920, à sa reconnaissance à New York pendant la Seconde Guerre mondiale, en passant par son succès international dans les années 1930, à travers un prisme original : celui du rapport à l’objet.

Le Surréalisme et l’objet, co-organisée avec le musée Hirshhorn de Washington, met en lumière les différents thèmes surréalistes, parmi lesquels l’articulation de la conscience individuelle avec la société ou encore le refus de l’ethnocentrisme occidental qui se manifeste par un fort intérêt pour les arts d’Afrique, des Amériques et d’Océanie.

Cette exposition exceptionnelle met en lumière les fortunes de la sculpture surréaliste en présentant des œuvres d’André Masson, Joan Miró, Jean Arp, Hans Bellmer, Alexander Calder, Joseph Cornell, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Max Ernst, Alberto Giacometti, Isamu Nogushi, Man Ray, Claude Cahun, Valentine Hugo... Le contrepoint contemporain apporté par des œuvres de Mona Hatoum, Ed Ruscha, Cindy Sherman, Arnault Labelle-Rojoux, Paul Mc Carthy..., souligne la pérennité des questions soulevées par le Surréalisme autour de la sculpture et de l’objet.

Featuring about one hundred sculptures and forty photographs, this exhibition spans the whole history of the surrealist movement, from its foundation in the

1920s to its recognition in New York during World War II, including its international success in the 1930s, all viewed from an original angle: that of the relationship with the object.

Surrealism and the object, co-organized with the Hirshhorn Museum in Washington, highlights the different surrealist themes, among which the articulation of individual awareness with society and the rejection of Western ethnocentrism, which manifests itself as a strong interest in the arts of Africa,

the Americas and Oceania. This exceptional exhibition highlights the fortunes of surrealist sculpture, showing works by André Masson, Joan Miró, Jean Arp, Hans Bellmer, Alexander Calder, Joseph Cornell, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Max Ernst, Alberto Giacometti, Isamu Nogushi, Man Ray,

Claude Cahun, Valentine Hugo...

The contemporary counterpoint brought by works by Mona Hatoum, Ed Ruscha, Cindy Sherman, Arnault Labelle-Rojoux, Paul Mc Carthy..., stresses the persistence of the issues raised by Surrealism around sculpture and the object.

forever young

Kunsthalle Nürnberg, 31.10.2013 – Mitte Januar 2014

Im Oktober 2013 feiert das Gebäude der heutigen Kunsthalle Nürnberg seinen 100. Geburtstag. Ursprünglich als „Kunst-Ausstellungs-Halle“ für regionale Kunst erbaut, wurde es immer wieder auch für überregionale und internationale Ausstellungen genutzt. Mit der Gründung der Kunsthalle Nürnberg im Jahr 1967 hat es sich schließlich programmatisch als städtisches Ausstellungshaus für deutsche und internationale Gegenwartskunst etabliert. Was die 1913 mit einer Ausstellung der

Nürnberger Kunstgenossenschaft

eröffnete „Kunst-Ausstellungs-Halle“ mit der heutigen Kunsthalle Nürnberg verbindet, ist die klare Ausrichtung auf das jeweils Zeitgenössische,

auf die wechselnde Präsentation immer neuer Werke und frischer Tendenzen. Das Jubiläum wird mit der Ausstellung forever young. Über den Mythos der Jugend gefeiert. Zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler thematisieren mit ihren Arbeiten kollektive Erfahrungen der Kindheit und Jugend, aber zeigen ebenso Bilder von Menschen, für die das Altern einen Makel darstellt. In den skulpturalen wie installativen Arbeiten, in der Fotografie, der Malerei und der Videokunst wird die Übergangsphase in die Erwachsenenwelt nicht zuletzt auch als Frage nach den Werten und prägenden Merkmalen der menschlichen Identität verhandelt. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.



Art and Literature in Japan 1926 - 1936

Hyogo Prefecturial Museum Kobe, JP, Nov. 2 − Dec. 29

The first decade of the Showa period starting in 1926 was a culturally productive time when several important artistic trends were born. This exhibition is centered around painting and literature in this period, displaying works that represent such movements as proletarian art, modernism and renaissance in order to introduce the energetic spirit, atmosphere and charms of “Showa modernism.”

Your Portrait: A Tetsumi Kudo Retrospective

National Museum of Art, Osaka, November 2 – January 19, 2014

After first receiving attention as a champion of Anti-Art, Osaka-born Tetsumi Kudo (1935-1990) established a base in Paris in 1962 and while working throughout Europe, evolved a unique world of art by fusing a critical perspective of civilization with scientific reasoning. Known for boldly incisive and provocative works and happenings that dealt with issues such as sex, pollution, atomic power, and genetics, Kudo’s practice has recently prompted renewed interest internationally. In this retrospective, we trace the artist’s spiritual trajectory over a period of some 30 years through approximately 200 important works from both Japan and abroad.

Idea: Pintura Fuerza

En el gozne de los años 70 y 80

Museo Reina Sofia Madrid, 5 noviembre, 2013 - 18 mayo, 2014

Idea: Pintura Fuerza es una exposición ensayo que aborda una situación específica de la escena artística española de ese momento centrándose para ello en el trabajo de cinco artistas: Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano, Ferran Garcia Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido. Las obras reunidas, fechadas entre 1978 y 1984, ejemplifican la toma de posición artística y estética de sus autores, quienes asumen la práctica pictórica como territorio de pensamiento y de producción de estrategias creativas.



Schirn KunsthalleFrankfurt, 6. NOVEMBER 2013 – 2. FEBRUAR 2014

Das mutige und außergewöhnliche Werk des US-amerikanischen Malers Philip Guston (1913–1980) war eines der meistdiskutierten seiner Zeit. Er brachte als Erster die Figur zurück in die amerikanische Nachkriegsmalerei, leistete durch die Verbindung von „hoher Kunst“ und Bildern der Populärkultur Bahnbrechendes und wird heute als Vorreiter der postmodernen, figürlichen Malerei gefeiert. 1950 fasst der Autodidakt in der New Yorker Kunstszene um Jackson Pollock, Willem de Kooning und Mark Rothko Fuß und wird einer der bedeutendsten Vertreter des Abstrakten Expressionismus. Ende der 1960er Jahre beginnt eine intensive Phase des Zeichnens, die schließlich im malerischen Bruch mit dem „Reinheitsgebot“ der Abstraktion gipfelt: Guston führt derbe Figuren und Figurenfragmente in seine Werke ein; rauchend, trinkend, nicht selten auch malend bevölkern sie die in den Farben Pink, Rot, Schwarz und Blau gehaltenen Leinwände. Große Köpfe, abgetrennte haarige Beine, klobige Schuhe un

d allerlei Architekturfragmente wie Mauern, Türen und Glühbirnen gehören zu Gustons Sujets, die an Comics der 1920er - Jahre erinnern. Die erste Ausstellung dieser mit anarchischem Sinn für Humor und das Groteske ausgestatteten Gemälde gerät 1970 zum Kunstskandal, denn den „Verrat“ an der Abstraktion nehmen ihm viele Kritiker übel. Mit einer konzentrierten Auswahl von rund 40 Werken seiner spannendsten Periode würdigt die Schirn Kunsthalle Frankfurt Philip Guston anläßlich seines 100. Geburtstages als einen Meilenstein der amerikanischen Malerei.

Josef Koudelka

National Museum of Modern Art Tokyo, 2013. Nov.6 – 2014. Jan.13

Czechoslovakia-born Josef Koudelka (b. 1938) is known as a leading photographer of our time. This retrospective aims to provide a full view of his work, ranging from his early works in the late 1950s, his representative works Gypsies (1962 – 1970) and Exiles (1968 – 1994) that Koudelka shot while wandering around Europe, to his latest pieces focusing on social landscapes shot with panoramic cameras that he began using in the later half of 1980s.

and materials and money and crisis

Mumok Wien, 8. Nov. 2013 – 2. Feb. 2014

Eröffnung: 07.11.2013

Die Gruppenausstellung and materials and money and crisis ist eine experimentelle Auseinandersetzung mit Materialität und der Bedeutung des Kapitals in der Kunst. Materialität wird von den beteiligten KünstlerInnen in ihrer zweifachen Bedeutung aufgegriffen: Zum einen in Form einer inhaltlich-künstlerischen Auseinandersetzung mit Material- und Geldflüssen, zum anderen, - wesentlicher noch für die ausgestellten Werke - in Form der Frage, wie die Materialität, die physische Beschaffenheit der Kunstwerke selbst in Beziehung zur gegenwärtig zu beobachtenden Entkoppelung von Kapital und Produktion steht.

Die Begriffe „Material“, „Geld“ und „Krise“ verweisen auf eine Entwicklung der letzten Jahrzehnte, in der die Finanzsysteme maßgeblich dazu beigetragen haben, dass Wert nurmehr als abstrakte Größe begriffen werden kann. Zugleich sind „Material“, „Geld“ und „Krise“ auch die wesentlichen Bezugsgrößen für die Arbeiten der in der Ausstellung vertretenen KünstlerInnen. KünstlerInnen, denen es weniger darum geht, Bedingungen und Beziehungen abzubilden oder zu repräsentieren, sondern die vielmehr anerkennen, dass ihre Arbeit immer schon Teil der hier zur Diskussion stehenden Prozesse ist.
and materials and money and crisis präsentiert sowohl neu in Auftrag gegebene Arbeiten als auch historische Positionen, und bildet das breite Spektrum der künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Gegenstand Kapital ab. Kuratiert von Richard Birkett (Artists Space, New York), entsteht die Ausstellung im Dialog mit dem in New York lebenden Künstler Sam Lewitt, dessen neue Werke ebenso gezeigt werden wie Arbeiten von Gareth James, Henrik Olesen, Pratchaya Phinthong, R. H. Quaytman, Cheyney Thompson u. a.

Kurator Richard Birkett.

Die Avantgarden im Kampf

8. November 2013 bis 23. Februar 2014, Bonn Kunsthalle d. Bundes

Der Erste Weltkrieg gilt als „Urkatastrophe des 20. Jahrhunderts". 70 Millionen Soldaten standen in Europa, Afrika, Asien und auf den Weltmeeren unter Waffen, 17 Millionen Menschen verloren ihr Leben. Die prägenden Jahre von 1914 bis 1918 waren Endpunkt und Neubeginn zugleich. Mitten in den Auseinandersetzungen kämpften auch die Künstler, und die Ereignisse hinterließen in ihren Werken deutliche Spuren. Während vor dem Krieg die europäischen Avantgarden einen engen Austausch untereinander pflegten, zerstörte der große Krieg dieses fruchtbare Zusammenspiel auf brutale Weise. Bei Kriegsende waren die Weichen für die richtungsweisenden Strömungen des 20. Jahrhunderts gestellt. Die Ausstellung präsentiert die künstlerischen Aktivitäten dieser dramatischen Zeit anhand herausragender Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen von Beckmann, Dix, Kandinsky, Kirchner, Klee, Lehmbruck, Macke, Malewitsch, Marc, Picasso, Schiele und weiteren Künstlern.

Raffael und das Porträt Julius’ II. – Das Bild eines Renaissance-Papstes

Städel Museum Frankfurt, 8. November 2013 bis 16. Februar 2014

Das Bildnis Papst Julius’ II. gehört zu Raffaels berühmtesten Werken. Das Porträt dieses außerordentlich kunstsinnigen, aber auch durchsetzungsfähigen und jähzornigen Papstes ist zwischen Juni 1511 und März 1512 in Rom entstanden und in mehreren Fassungen überliefert. Das Städel Museum konnte jüngst eine bislang unbekannte Fassung des Porträts von Papst Julius II. von Raffael und seiner Werkstatt erwerben, die seit Dezember 2011 in der Altmeistersammlung des Städel hängt. Eine Kabinettausstellung im Städel Museum wird sich vom 8. November 2013 bis 16. Februar 2014 dem Thema des Papstbildnisses aus unterschiedlichen Blickwinkeln nähern. Zunächst wird das für das Städel Museum erworbene Papstbildnis mit der bisher schon für Raffael und seine Werkstatt in Anspruch genommenen Fassung in den Uffizien in Florenz sowie mit der um 1545/50 entstanden Kopie Tizians im Palazzo Pitti zusammengeführt, um so den direkten Vergleich der Gemälde zu ermöglichen. Parallel zu dieser Begegnung der Originale wird die Präsentation der gemäldetechnologischen Befunde der drei Gemäldeversionen aus Frankfurt, Florenz und London das Verhältnis der unterschiedlichen Bildfassungen diskutieren. Ein wissenschaftlicher Katalog stellt die Befunde detailliert vor und beleuchtet das Bildnis Julius’ II. aus verschiedenen Blickwinkeln.

Kurator: Prof. Dr. Jochen Sander (Städel Museum)

Treasure of the Imperial Family

The Quintessence of Modern Japanese Art

National Museum of Modern Art Kyoto, 2013/Nov/09- 2014/Jan/13

Susan Philipsz & Julius Bissier

Düsseldorf K21 STAENDEHAUS, 09.11.2013 – 30.03.2014

Für die Ausstellung in der Bel Etage des K21 befasst sich Susan Philipsz mit den Grenzbreichen von Klang, Malerei und Architektur. Im Fokus ihrer Installation werden dabei die historischen, räumlichen sowie ästhetischen Kontexte von Ständehaus und Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen stehen. Mit dem Werk Julius Bissiers wird in dieser Auseinandersetzung ein besonderer Komplex der Sammlung ins Zentrum der Aufmerksamkeit rücken.

Durch die vielschichtige Bezugnahme auf ihren jeweiligen Ort gelingt es den Arbeiten Susan Philipsz’ immer wieder eindrucksvoll, dem Betrachter eine vollkommen andere Wahrnehmung der ihn umgebenden Räume zu ermöglichen. 2010 wurde die in Glasgow geborene Künstlerin mit dem prestigeträchtigen Turner-Preis ausgezeichnet, in diesem Jahr war sie mit einem eindrucksvollen Beitrag bei der documeta 13 beteiligt.

Rudolf Steiner

Alchemy of the Everyday

Kunsthal Rotterdam, 10 November 2013 to 12 January 2014

Rudolf Steiner (1861-1925) is one of the most important reformists of the twentieth century, with a remaining influence on our life today. The Kunsthal presents a comprehensive overview of the anthroposophical reformist and places his work in the context of contemporary social issues, such as sustainability and social entrepreneurship. Design, sculptures, (blackboard) drawings and film material tell the story of his broad philosophy, work and life. The first part of the exhibition introduces Steiner in the context of his time. The second part shows his strong influence on everyday aesthetics, in which great attention is paid to his meaning for contemporary design. The third and last part of the exhibition explores the practical expressions of anthroposophy today: from medical science to biodynamic agriculture, nothing is left out! The exhibition is realised in close cooperation with the Vitra Museum in Weil am Rhein.

Asger Jorn & Jackson Pollock
Revolutionary Roads

Louisiana Museum Humlebaek DK, 15 November 2013 - 23 February 2014

The exhibition Asger Jorn & Jackson Pollock. Revolutionary Roads focuses on two of the greatest artists of the twentieth century and on what was happening in expressionist painting in the years 1943-1963 – the period between the war years and the emergence of Pop Art. This is the first time one can experience a comparison of the two artists’ works.
These two prominent artists, the American
Jackson Pollock and the Dane Asger Jorn, never met. They were of the same generation, one born in Cody, Wyoming, USA in 1912 and the other in Vejrum, in Jutland, in 1914. Both were influenced by the same currents – the local tradition and the influence of the great European avant-gardists, especially Picasso. Both were fascinated by Surrealism’s liberation of the unconscious material in the human psyche, and both worked with automatic drawing, drip techniques, canvases on the floor and an experimental application of the paint. Both artists were intensely interested in myths: in Jorn’s case figures of Norse legend and imaginary beings formed the basis for the idea of a kind of fundamental images, of freer, more direct communication between art and the viewer. Pollock was preoccupied with the sand-paintings of the Native Americans and other folk art, and linked this ornamental tradition with the dynamics of ‘drip’ or ‘action’ painting.
Each in his own way, the two artists revolutionized painting in the post-war years. Pollock represents the climax of modernism, while Jorn with his formal idiom also seeks both to subvert and liberate painting as communication.

Francisco Sierra

Kunstmuseum St. Gallen, 15. November 2013 – 16. Februar 2014

Contemporary Japanese Art

15 November 2013 - 9 February 2014
Hermitage St. Petersburg, The General Staff Building

Macht der Machtlosen

Staatl. Kunsthalle Baden Baden, 16.11.2013 – 16.2.2014

Wie können die bestehenden Verhältnisse im Medium der Kunst verändert werden? Welche Beziehungen bestehen zwischen Kunst und Zivilgesellschaft? Kann man Kunst als eine Praxis verstehen, die uns zum Modell werden kann?

Die Gruppenausstellung „Macht der Machtlosen“ in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden wird solchen Fragen anhand zeitgenössischer künstlerischer Positionen nachgehen und dabei eine erweiterte Perspektive auf den sozialen Wandel eröffnen. Demokratisierung, Meinungsfreiheit und Partizipation vor dem Hintergrund des „Arabischen Frühlings“ gehören ebenso dazu wie Transformationsprozesse in Südosteuropa bzw. im globalen Süden. Diese disparaten Entwicklungen werden jedoch nicht abgesondert von unserer eigenen Lage betrachtet, sind sie doch auf vielfältige Weise mit dem europäischen Verständnis von Gesellschaft und Gemeinschaft verbunden.

Eröffnung: Freitag, 15.11.2013, 19 Uhr

Barbara Klemm – Fotografien

Martin Gropius Bau Berlin, 16. November 2013 bis 9. März 2014

Für den Martin-Gropius-Bau entwickelt die berühmte Fotografin Barbara Klemm eine große retrospektive Werkschau. Mit dieser Ausstellung wird das weltweit ausgreifende Werk der großen Fotografin gewürdigt. Viele Jahre war Barbara Klemm als Redaktionsfotografin der FAZ tätig und hatte mit deren Tiefdruck-Beilage „Bilder und Zeiten“ ein denkwürdiges Forum für ihre fotografischen Arbeiten.

To Open Eyes
Kunst und Textil vom Bauhaus bis heute

Kunsthalle Bielefeld, 17 11 2013 - 16 02 2014

Mit Blick auf die Industriegeschichte der Leineweberstadt Bielefeld zeigt die Kunsthalle eine Ausstellung zum Textilen in der Kunst. Spätestens seit dem Bauhaus haben textile Arbeiten ihren Status als rein handwerkliche Kunstform verloren. Teppiche und Wandbehänge wurden nicht nur als Produkt manuellen, sondern auch kognitivkonzeptuellen Gestaltens verstanden. Vom Studium ornamentaler, außereuropäischer Kunst über Farbuntersuchungen bis zur Befragung der Materialität und dem ironischen und kritischen Umgang mit Stoff und Gewebe reicht im 20. und 21. Jahrhundert die Bandbreite der künstlerischen Annäherungen an das Thema Textil. Ausgehend von Webarbeiten nach Gemälden Ernst Ludwig Kirchners und Stoffentwürfen Sonia Delaunays liegt ein Schwerpunkt der Ausstellung auf Tapisserien, Stoffmustern und Entwürfen von Künstlerinnen des Bauhauses, vor allem von Anni Albers, die eng mit Philip Johnson, dem Architekten der Kunsthalle Bielefeld, befreundet war und deren Arbeiten sehr von ihm geschätzt wurden.
Ein spezieller Fokus der Ausstellung gilt der Bauhauskünstlerin Benita Koch-Otte, die zwanzig Jahre ihres Lebens als Leiterin der Weberei in den von Bodelschwinghschen Anstalten in Bielefeld tätig war. Ihr Nachlass wird hier erstmals dank der großzügigen Unterstützung der Historischen Sammlung Bethel einer breiten Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Von textilen Werken der 1960er- und 1970er-Jahre unter anderem von Blinky Palermo, Alighiero e Boetti und Sigmar Polke, bis zu Positionen zeitgenössischer Künstler, z. B. von Olaf Nicolai, Aiko Tezuka, Sergej Jensen oder Erzen Shkololli, die das textile «Handwerk» erneut für sich entdeckten, es neu hinterfragen und an ihm neue Ausdrucksformen erproben, reicht die Spannweite der gezeigten Arbeiten.
Die Ausstellung wird von der Kunststiftung NRW gefördert.

Indische Malerei

Schenkungen und Ankäufe der letzten Jahre

Rietberg Museum Zürich, 19. November 2013 − 16. März 2014

Die Sammlung indischer Malerei am Museum Rietberg – eine der weltweit bedeutendsten Sammlungen auf diesem Gebiet – umfasst rund 1700 Objekte. Die auf mehrschichtigen Papier (wasli) gefertigten Pigmentmalereien machen den grössten Teil der Sammlung aus, daneben zählen aber auch gebundene Bücher, bemalte Textilien und eingeritzte und gebeizte Palmblätter zu den Beständen.

Das Museum Rietberg sammelt seit den 70er Jahren indische Malerei. Durch wichtige Schenkungen und Legate, so etwa die Sammlungen Alice Boner, Georgette Boner, Horst Metzger, Konrad und Eva Seitz, Werner Reinhart und weitere kann für Sonderausstellungen auf die grossen Bestände zurück gegriffen werden. Weil die Sammlung, insbesondere die Malerei der Pahari-Region, von grosser Wichtigkeit ist, ist das Museum Rietberg immer wieder mit Leihgaben an internationalen Sonderausstellungen beteiligt.

Durch die Grosszügigkeit von privaten Gönnern und Schenkern wächst die Sammlung bis auf den heutigen Tag. Die Ausstellung vereint rund 60 der wichtigsten Neuzugänge der letzten Jahre und bietet einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Museums.

Zwischen «Brücke» und «Blauer Reiter». Hanna Bekker vom Rath als Wegbereiterin der Moderne

Zentrum Paul Klee Bern, 20. Nov. 2013 - 23.Feb. 2014

Noa Eshkol

Opelvillen, Rüsselsheim, November 20, 2013 to March 2014

The exhibition will display the pictorial oeuvre of Noa Eshkol (1924–2007) outside Israel for the first time. On the outbreak of the Yom Kippur War the dancer and choreographer began making “tapestries” from old pieces of fabric she had found or that had been donated. Over the years the diverse patterns and types of fabric became intricate compositions. Eshkol's tapestries highlight the unique relationship between modern art and dance.

Das Künstlerhaus als Gesamtkunstwerk

21. November 2013 bis 2. März 2014, Villa Stuck München

2013 jährt sich zum 150. Mal der Geburtstag des Münchner Künstlerfürsten Franz von Stuck. Als einer der Protagonisten der Kunstszene um 1900 und als Vorreiter einer Avantgarde an der Schwelle vom 19. Jahrhundert in die Moderne gehört Stuck zu den bedeutenden Künstlerpersönlichkeiten Deutschlands. Aus diesem Anlass bereitet die Villa Stuck ein internationales Jubiläumsprogramm vor, das die Rolle Stucks als wegweisenden Künstler unter Beweis stellt. Das Jubiläumsprogramm besteht aus großen Ausstellungsprojekten, flankiert durch ein umfangreiches Vermittlungsprogramm und ergänzt durch Publikationen.

Das Haus ist höchster Ausdruck des Lebensgesamtkunstwerks des Künstlerfürsten Franz von Stuck. In ihm vollendet sich sein Streben nach einer Vereinigung aller Künste einschließlich der Musik. Sein antik anmutende Villa war ein Kosmos seiner geistigen Welten, persönliches Pantheon, Inkarnation seiner Selbst und vor allem farbig lodernde Inspirationsquelle seines Schaffens; alles was ein Künstlerhaus zu leisten vermochte, weit über Repräsentation und Selbstdarstellung hinaus.

Im Herbst 2013 präsentiert die Villa Stuck eine Ausstellung zum Thema »Das Künstlerhaus als Gesamtkunstwerk«, kuratiert von Margot Th. Brandlhuber, die erstmals den Typus Künstlerhaus in einen internationalen Kontext stellt und an zwanzig herausragenden Beispielen die Faszination zeigt, die eine derartige gebaute Künstlerphantasie bis heute auf den Menschen ausübt. Die Ausstellung zeigt sowohl berühmte existierende Künstlerhäuser als auch verloren gegangene, zerstörte und vergessene Projekte, die in ihrer Zeit von einzigartiger Bedeutung waren und bis heute faszinierende Strahlkraft besitzen. Ausgewählte Werke der Künstler, die in engem Zusammenhang mit den Häusern stehen, sowie Fotografien, Pläne und Modelle, geben ein lebendiges Bild vom Einklang zwischen Kunst und Leben und einer Harmonie der Künste, die sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts im historischen Begriff des Gesamtkunstwerks nach Richard Wagner widerspiegelt. Die Auswahl umfasst u. a. das John Soane’s Museum, London, das Red House von William Morris in Bexleyheath, das Tiffany House von Louis Comfort Tiffany in New York City, die Villa von Fernand Khnopff in Brüssel, den MERZbau von Kurt Schwitters, das Maison Theo van Doesburg in Meudon-Val-Fleury bei Paris sowie Max Ernsts Haus in Sedona/Arizona, USA.


22. November 2013 bis 9. März 2014 in Bonn Bundeskunsthalle

Florenz fasziniert seit jeher durch sein reichhaltiges Kulturerbe. Philosophen, Schriftsteller, Architekten, Ingenieure, Maler und Bildhauer haben in der Stadt am Arno über Jahrhunderte unzählige Meisterwerke geschaffen. Florenz, das ist die Stadt von Dante und Boccaccio, von Donatello und Michelangelo, von Amerigo Vespucci und Machiavelli und die Heimat der Medici.
Die Ausstellung geht dieser Faszination nach, indem sie – zum ersten Mal in Deutschland – der toskanischen Hauptstadt und dem "wunderbaren florentinischen Geist" (Jacob Burckhardt) eine umfangreiche Präsentation widmet. zeichnet das Porträt der Stadt über eine Zeitspanne von fast 700 Jahren: von der Wirtschaftsmacht des Mittelalters über die Wiege der Renaissance bis zur Bedeutung als intellektuelles und kosmopolitisches Zentrum im 19. Jahrhundert.
Eine Ausstellung der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland in Zusammenarbeit mit der Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Firenze und mit dem Kunsthistorischen Institut in Florenz – Max-Planck-Institut.

Dix/Beckmann: Mythos Welt

22. November 2013 bis 23. März 2014, Kunsthalle Mannheim

Der Begriff „Neue Sachlichkeit“ wurde 1925 in der Kunsthalle Mannheim durch die gleichnamige Ausstellung von Gustav F. Hartlaub geprägt. Jetzt treten in Mannheim erstmals die beiden großen Künstlerpersönlichkeiten dieser Epoche – Otto Dix (1891 - 1969) und Max Beckmann (1884 - 1950) – in einen Dialog. Persönlich sind sie sich wohl nie begegnet, aber als Künstler treffen Dix und Beckmann gemeinsam den magischen Moment: wenn das Gewohnte plötzlich fremd wird und die Welt zum Mythos.
Das Werk beider Maler zeichnet nach dem Ersten Weltkrieg und in Abgrenzung zum Expressionismus ein neuartiges Verhältnis zur Wirklichkeit aus. Dix ist mit seinem kritischen Superrealismus der Protagonist des sogenannten „linken Flügels“ der Neuen Sachlichkeit, während Beckmann in der Balance von reiner Malerei und subjektiver Symbolik seine „transzendentale Sachlichkeit“ entwickelt.
Die Kunsthalle Mannheim präsentiert in „Dix/Beckmann: Mythos Welt“ über 250 Gemälde und Papierarbeiten und feiert mit der großen Ausstellung die Wiedereröffnung ihres Jugendstilflügels (1907) nach einer dreijährigen Generalsanierung. In Kooperation mit der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung München.

karla black

Kestner-Gesellschaft Hannover, 22. november 2013 - 31. januar 2014

Karla Black (*1972, Glasgow) schafft ortsspezifische Installationen aus ungewöhnlichen Materialien wie Puder, Mascara, Badekugeln, Holzspänen oder Cellophanfolie. Diese industriellen Rohstoffe werden in großformatige Skulpturen verwandelt, die massiv und fragil zugleich sind. Sie wiegen oft mehrere Tonnen und werden über Wochen mit präzisen Handgriffen gefertigt, gleichzeitig bestechen sie durch ihre Schwere- und Mühelosigkeit. Inhaltlich erinnern die Arbeiten an romantische Landschaften genauso wie an festliche Dekorationen und Konfekt, allerdings sind sie nie eindeutig figurativ sondern pendeln zwischen Abstraktion und Figuration. Der Betrachter wird visuell verführt und mit üppigen Farben und Formen in festliche und kindliche Welten entführt.

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kitty kraus

Salvador Dali and the Surrealism in Catalonia

23 November 2013 - 16 February 2014
Hermitage St. Petersburg, Twelve-Column Hall


Secession Wien, 23. November 2013 – Jänner 2014

Seitdem die Young British Artists (YBA) in den späten 1980er-Jahren bekannt wurden, gilt Sarah Lucas als eine ihrer prominentesten VertreterInnen. Deren Hang zu Provokation, gepaart mit kolportiert wildem und ausgeprägtem Selbstbewußtsein, sorgte vor allem in den 1990er-Jahren in der internationalen Kunstwelt für Furore.
Lucas’ Oeuvre verkörperte von Anfang an ihre kritische Haltung gegenüber gesellschaftlichen Normierungen, sexuellen Stereotypen und geschlechtspezifischen Rollenzuschreibungen. In Self-Portrait with Fried Eggs (1999) blickt die in Jeans und T-Shirt gekleidete Künstlerin in Macho-Pose in einem schäbigen Sessel lümmelnd, zwei Spiegeleier auf ihren Brüsten, unerschrocken in die Kamera. Die unverblümte Direktheit der Arbeiten, die pornografische oder feministisch motivierte Assoziationen auslösen, wurde stets als Provokation empfunden. Es ist diese Direktheit, mit der die Künstlerin vorherrschende sexuelle Klischees bloßstellt und unterwandert. Beispielhaft dafür sind ihre Bunny-Objekte (1997): Ausgestopfte Nylonstrumpfwürste, die weibliche Körper versinnbildlichen, sind in lasziver Pose auf unterschiedlichen Stühlen drapiert. Auch Lucas’ Arrangements mit Früchten, Gemüse und Alltagsgegenständen sind leicht als eindeutige sexuelle Anspielungen zu entziffern, wie in Au Naturel (1994).
Mit ihren Skulpturen, Objekten, Installationen und Fotografien hat Lucas eine unverwechselbare Material- und Bildsprache entwickelt, die stets einen tiefgründigen Humor erahnen lässt. Zu ihren bevorzugten Mitteln zählen scheinbar wertlose, benutzte Alltagsgegenstände wie Kleiderbügel, Bierdosen, Nylonstrümpfen und, immer wieder, Zigaretten und Hausrat wie Matratzen, Toilettenschüsseln und Glühbirnen.

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Guido van der Werve

Der niederländische Video- und Performance-Künstler Guido van der Werve sucht in seinen Arbeiten Zugänge zur Welt- und Selbsterfahrung, indem er als Protagonist seiner Filme die Unberechenbarkeit der Natur herausfordert und sich zum Teil großen körperlichen Strapazen und Gefahren aussetzt. Als Soundtrack verwendet der Künstler, der über eine klassische Ausbildung als Pianist verfügt, dabei stets selbst komponierte, klassische Musikstücke. So entstehen Filme, die in ihrem Pathos an die Romantik erinnern und in ihrer Melancholie und der Verarbeitung von Verlust und Einsamkeit Assoziationen an Caspar David Friedrich wecken.
In dem Film
Nummer Negen: The Day I Didn’t Turn with the World (2007) beispielsweise verharrt van der Werve 24 Stunden lang auf dem Nordpol, um sich der natürlichen Drehung der Erde entgegenzusetzen; in Nummer Vier: I don’t want to get involved in this, I don’t want to be part of this, talk me out of it (2005) sehen wir einen Klavierspieler auf einem ruhig dahinschwimmenden Floß, begleitet von einem ein Requiem singenden Chor, um plötzlich von einem buchstäblich aus dem Himmel fallenden Mann überrascht zu werden.
Neben der klassischen Musik, die in vielen seiner Filme auch thematisch eine Hauptrolle spielt, umkreisen die Arbeiten van der Werves auch Ereignisse,
die routinemäßige Abläufe des Lebens, das Vergehen der Zeit und die Unkontrollierbarkeit des Zufalls behandeln. In der Performance Effugio no. 1 Chamomile, Russia’s national flower or Running to Rachmaninov (2010) für das MoMA P.S.1 in New York forderte er bei seinem zweiten Lauf zum Grab Rachmaninows Kunst- und Sportinteressierte auf ihn zu begleiten, um dort symbolisch eine Kamille niederzulegen. Kamillenblüten sind bekannt für ihre lindernde Wirkung bei Hysterie, an der der Komponist gelitten hat.

Isa Genzken: Retrospective

MoMA New York, November 23, 2013–March 10, 2014

Isa Genzken (German, b. 1948) is arguably one of the most important and influential female artists of the past 30 years. This exhibition, the first comprehensive retrospective of her diverse body of work in an American museum, and the largest to date, encompasses Genzken’s work in all mediums over the past 40 years. Although a New York art audience might be familiar with Genzken’s more recent assemblage sculptures, the breadth of her achievement—which includes not only three-dimensional work but also paintings, photographs, collages, drawings, artist’s books, films, and public sculptures—is still largely unknown in this country. Many of the nearly 200 works in the exhibition are on view in the United States for the first time.

Genzken’s work has been part of the artistic discourse since she began exhibiting in the mid-1970s, but over the last decade a new generation has been inspired by her radical inventiveness. The past 10 years have been particularly productive for Genzken, who, with a new language of found objects and collage, has created several bodies of work that have redefined assemblage for a new era. These groups of sculptures range from smaller, diorama-like works to room-filling installations.

Videozone: Wael Shawky Cabaret Crusades

Aachen, Ludwig Forum intern.Kunst, 23. November 2013 – 26. Januar 2014, Eröffnung: Fr 22.11.13, 20 Uhr

Der Ägypter Wael Shawky widmet sich in seinen Videoarbeiten der Inszenierung historischer und politischer Ereignisse und thematisiert Interpretationsräume von Geschichte. Die Arbeit Cabaret Crusades: The Horror Show Files (2010) ist der erste Teil einer Trilogie. Shawky setzt sich auf Grundlage des Sachbuches "Der heilige Krieg der Barbaren" von Amin Maalouf mit der Geschichte der Kreuzzüge aus arabischer Perspektive auseinander. Mit 200 Jahre alten Marionetten spielt er Ereignisse nach, die eine Schlüsselrolle für die nachfolgenden Entwicklungen einnahmen – und bis heute die politische Gegenwart prägen.

Wael Shawky (*1971 in Alexandria) studierte Bildende Kunst an der Universität von Alexandria und an der Graduate School of Fine Arts der University of Pennsylvania (USA). Er hatte u. a. Einzelausstellungen im Nottingham Contemporary (2011) und in der Cittadellarte – Fondazione Pistoletto, Biella (2010). Außerdem war er Teilnehmer der Istanbul Biennale (2011) und der Biennale di Venezia (2003), sowie der documenta 13 (2012). 2010 gründete Shawky das Bildungszentrum MASS Alexandria.

Laura Lima

Migros Museum Zürich, 3. November 2013 – 19. Januar 2014

Eröffnung: Freitag, 22. November 2013

Erste Schweizer Einzelausstellung von Laura Lima (*1971, Governador Valadares, Brasilien; lebt und arbeitet in Rio de Janeiro, Brasilien)
Laura Limas Arbeiten sind geprägt von ihrer Faszination für die Komplexität sozialer Beziehungen und menschlicher Verhaltensweisen. Die brasilianische Künstlerin lotet in ihren Werken, für die sie Medien wie Zeichnung, Performance und Installation verwendet, Grenzen der Wahrnehmung von Traum und Fiktion, Alltäglich-Realem und Absurdität aus. Mit ihren Gala Chickens etwa – einer Arbeit, die sie seit 2004 mehrfach re-inszeniert hat und die unter anderem bei der Lyon Biennale 2011 gezeigt wurde – entführte Lima die Betrachter scheinbar in eine Traumwelt surrealer Paradiesvögel: Inspiriert vom Karneval, der es den Individuen erlaubt, ihre gesellschaftlichen Rollen und Normen für eine gewisse Zeit zu verlassen, schmückte sie 40 Hühner mit bunten fremden Federn und stellte sie in einem Gehege aus. Im Lauf dieser verordneten Maskerade entwickelten die Vögel mitunter völlig neue Verhaltensmuster. Die Gala Chickens sind ein weiteres Beispiel dafür, dass ihre Welten geheimnisvolle Überraschungen bergen.

Limas Arbeiten waren unter anderem bei der Ruhrtriennale in Essen (2012), der Biennale in Lyon, in der Bonniers Konsthall in Stockholm und der Manchester Art Gallery (alle 2011) zu sehen. Zudem ist sie Mitbegründerin und seit 2003 künstlerische Beraterin der Künstlergalerie A Gentil Carioca in Rio de Janeiro.
Die Ausstellung wird kuratiert von Heike Munder (Leiterin Migros Museum für Gegenwartskunst).

Calder and Abstraction: From Avant-Garde to Iconic

November 24, 2013–July 6, 2014, Los Angeles County Museum

One of the most important artists of the twentieth century, Alexander Calder revolutionized modern sculpture. Alexander Calder and Abstraction, with significant cooperation from the Calder Foundation, explores the artist’s radical translation of French Surrealist vocabulary into American vernacular. His most iconic works, coined by Marcel Duchamp as mobiles, are kinetic sculptures in which flat pieces of painted metal, connected by wire, move delicately in the air, propelled by motors or air currents. His later stabiles are monumental structures, whose arching forms and massive steel planes continue his engagement with dynamism and daring innovation. Although this will be his first museum exhibition in Los Angeles, Calder holds a significant place in LACMA’s history: the museum commossioned a major work by him for the building’s opening in 1965. This exhibition features installation design by architect Frank O. Gehry, and is accompanied by a fully illustrated catalogue with essays by exhibition curator Stephanie Barron as well as scholars Ilene Fort, Aleca Le Blanc, Jed Perl, and Harriet Senie.

Formas biográficas

Construcción y mitología individual

Museo Reina Sofia Madrid, 27 noviembre, 2013 – 31 marzo, 2014

El objetivo de esta exposición es examinar las formas biográficas en el arte moderno. La biografía es un constructo, tanto si investiga la realidad histórica como si se adentra en la invención. La exposición examina el modelo constructivo de la biografía, tal como se ha aplicado a la actividad artística, a partir de elementos documentales o ficticios; es también un análisis de las formas experimentales adoptadas por la cuestión del sujeto biográfico, sobre todo a partir de la década de los 50, con el despliegue en el arte de la autobiografía como mitología individual.

Henri Matisse

Figur und Ornament
Picasso Museum Münster, 23. November 2013 - 16. Februar 2014

In der Polarität von Figur und Ornament werden zwei grundlegende Aspekte im Werk von Henri Matisse beleuchtet. Insbesondere in der Thematik der Odalisken, der vorderorientalischen Damen in ihren Gemächern, umkreist Matisse immer wieder diese bildnerische Problematik. Er interessierte sich für Stoffe und Muster außereuropäischer Kulturen, insbesondere der islamischen Welt, und baute diesbezüglich eine eigene Sammlung auf, die ihm immer wieder als künstlerische Inspirationsquelle diente. Neben den Kunstwerken von Matisse wird auch eine repräsentative Auswahl dieser Stoffe in der Ausstellung gezeigt. Die Präsentation vereint Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und Grafiken. Die hochkarätigen Leihgaben stammen aus amerikanischen und europäischen Museen und Sammlungen und spannen einen Bogen von den frühen 1920er Jahren bis in die späten 40er Jahre.

Koji Kakinuma “Exploring Calligraphy”

21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, November 23, 2013 - Sunday March 2, 2014

Calligraphy (Shodo)―a pillar of Japanese culture and art. Through the calligraphy of representative works by KAKINUMA Koji, this exhibition will probe the questions “What is contemporary calligraphy?” and “What are the artistic and creative aspects of calligraphy?” Kakinuma, who considers himself a “person, artist, and calligrapher,” has called calligraphy an artistic medium “expressing the now with sincerity, freshness and vitality, while drawing from roots in the classics.” We will present the world of Kakinuma Koji, who approaches calligraphy as a contemporary expressive means, without fear of its venerable history.

Franz von Zülow

Arbeiten auf Papier

MAK-Kunstblättersaal Wien, Mi, 27.11.2013–So, 11.05.2014

Anlässlich des 130. Geburtstags von Franz von Zülow, eines vom modischen Hang zum Ländlichen und der Besinnung auf bäuerliche Herkunft geprägten Künstlers, werden Arbeiten auf Papier aus der MAK-Sammlung und dem Nachlass gezeigt. Seine Ausbildung erfuhr er an der Kunstgewerbeschule, wo er bereits Illustrationen und Entwürfe für die Wiener Werkstätte schuf. Vielseitig tätig, entwarf Zülow Stoffmuster, Tapeten, Keramik und Interieurs und entwickelte neue grafische Techniken. Besonders hervorzuheben sind die 1909 bis 1915 mit Redisfeder in Tusche gezeichneten und im Papier- Schablonendruck hergestellten Monatshefte, die von KünstlerInnen, u. a. Josef Hoffmann, Gustav Klimt oder Egon Schiele, abonniert wurden. An diesen Arbeiten wird seine vom Jugendstil herrührende, dekorative Flächenkunst, die er mit Inspirationen aus der Volkskunst kombiniert, deutlich. Parallel entstanden bühnenartige Aquarelle und Kulissenbilderbücher in der Art eines Dioramas im expressiven Stil.
Kuratorin Kathrin Pokorny-Nagel, Leitung Bibliothek und Kunstblättersammlung



ALBERTINA Wien, 29. November 2013 - 16. Februar 2014

Rund 200 Werke aus der Sammlung des Malers Georg Baselitz und aus der Albertina demonstrieren in dieser Ausstellung auf beeindruckende Weise die Entstehung und künstlerische Entwicklung des Clair-obscur-Holzschnitts im 16. Jahrhundert. Gezeigt werden besonders schöne, seltene, teilweise nur einmalig existierende Drucke von Lucas Cranach, Albrecht Altdorfer oder Hans Burgkmair.

Rasch griffen die Künstler aus dem Dürer-Kreis, Baldung Grien und Hans Wechtlin, sowie Meister wie Albrecht Altdorfer das Verfahren auf, mit dem sich einzigartige Farbwirkungen in der Druckgraphik erzielen ließen. Nur wenige Jahre nach seiner Erfindung in Deutschland entstanden in Italien die ersten Meisterwerke des Clair-obscur-Holzschnitts von Ugo da Carpi. Wenngleich dieser zu Unrecht behauptete, die neue Technik erfunden zu haben, war er doch für deren revolutionierende Weiterentwicklung verantwortlich, indem er sukzessive auf die schwarze Linienplatte verzichtete, und die Komposition aus Tonplatten mit unregelmäßig geschnittenen Farbfeldern zusammensetzte. Die Darstellung erhält dadurch eine extrem malerische Wirkung, als sei sie durch Licht und Farbe modelliert. Seine Nachfolger Antonio da Trento und Niccolò Vicentino haben die neuen Errungenschaften weiterentwickelt und andere Formschneider bis hin zu Andrea Andreani beeinflußt, der mit teilweise extrem großen Formaten neue Maßstäbe in dieser Technik setzte. Außergewöhnliche Lösungen schuf der Sieneser Künstler Beccafumi, der in einigen seiner faszinierenden Blätter den Kupferstich mit dem Farbholzschnitt kombinierte. Neben Frankreich wurden auch in den Niederlanden die neuen technischen Möglichkeiten des Farbholzschnitts aufgegriffen, wo sie ihr bedeutendster Vertreter, Hendrik Goltzius, extrem verfeinerte.

Eva Hesse

One more than one

Kunsthalle Hamburg, Galerie der Gegenwart, 29. November 2013 bis 2. März 2014

Eva Hesse gilt als eine der bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Das Serielle und Reduzierte des Minimalismus der sechziger Jahre verband sie mit Emotion, Sinnlichkeit und Körperhaftigkeit. Das Transparente und Vergängliche der von ihr verwandten neuen Materialien machen zu großen Teilen die solitäre Stellung von Eva Hesse in der Kunst ihrer Zeit aus.
1936 in Hamburg geboren, emigrierte Eva Hesse 1938 mit ihrer Familie nach New York. In den 50er Jahren studierte sie Malerei an der Cooper Union Art School in New York und an der Yale School of Art and Architecture als Meisterschülerin von Josef Albers. Auf Einladung des deutschen Sammlerehepaars Scheidt verbrachte Eva Hesse zusammen mit ihrem Ehemann Tom Doyle 1964/65 ein Jahr in Kettwig an der Ruhr. Diese Zeit wird als Wendepunkt im Werk von Eva Hesse angesehen: Inspiriert durch die dort in einer Textilfabrik gefundenen Materialen, begann Eva Hesse mit ersten dreidimensionalen Arbeiten. Zurück in New York wandte sie sich vollkommen der Skulptur zu und schuf fragile Werke aus Polyester, Glasfaser und Latex. Eva Hesse starb 1970 mit nur 34 Jahren an einem Gehirntumor.
Die Ausstellung, die die erste Werkschau der Künstlerin in ihrer Geburtsstadt ist, konzentriert sich auf ihre späte, höchst produktive Phase, in der es ihr gelang, ein umfangreiches Werk von Skulpturen und Zeichnungen zu schaffen.

Zeitgleich zur Ausstellung Eva Hesse

wird im 2. Obergeschoss der Galerie der Gegenwart die Ausstellung

Gego. Line as Object with

zu sehen sein. Mit den beiden Ausstellungen werden erstmals zwei international hochkarätige Künstlerinnen und gebürtige Hamburgerinnen im Dialog vorgestellt. So gelten Eva Hesse und Gego, d.i. Gertrud Goldschmidt (1912-1994), auf je eigene Weise als Pionierinnen für Rauminstallationen und die Verwendung ungewöhnlicher Materialien im Kunstkontext.

In den Ausstellungen werden rund 100 Kunstwerke in verschiedenen Medien (Zeichnung, Collage, Installation und Skulptur) in Werkgruppen zusammengefasst zu entdecken sein, die höchst selten bzw. in Deutschland noch nie zu sehen waren.

Baustelle Gotik

Augustinermuseum Freiburg i. Breisgau, 30. November 2013 bis 25. Mai 2014

Die Baukunst des Mittelalters versetzt uns heute immer wieder in Staunen. Mit der Vollendung des Chors des Freiburger Münsters im Jahr 1513 erlebte die Gotik am Oberrhein einen letzten glanzvollen Höhepunkt. Wie damals herausragende architektonische Meisterwerke geschaffen werden konnten, wird anlässlich des 500. Jubiläums der Chorweihe in einer Ausstellung von Augustinermuseum und Münsterbauverein Freiburg gezeigt. Mittelalterliches Bauen in allen Facetten – von der Planung über die Organisation bis hin zur technischen Realisierung und Finanzierung – wird hier erfahrbar.,Lde/348287.html

Jan Fabre – Insekten

Pfalzgalerie Kaiserslautern, 30. November 2013 - 02. März 2014

Eröffnung: Freitag, 29.11.2013, 19 Uhr

Die Ausstellung fokussiert die Faszination des belgischen Künstlers Jan Fabre (*1958 in Antwerpen) für Insekten. Dieses leidenschaftliche Interesse durchzieht sein Œuvre wie ein roter Faden. In Zeichnungen, Skulpturen und Installationen setzte sich Fabre unter Verwendung realer Tierkörper, schon in seinem 1975 bis 1979 entstandenen Frühwerk mit Gliederfüßern auseinander. Es ist richtungsweisend für die darauffolgenden Jahre seines Kunstschaffens und bildet den Schwerpunkt der Ausstellung. Komisch und tragisch zugleich, fabelhaft und einfallsreich inszeniert Jan Fabre essenzielle Themen wie Leben und Tod, Schönheit und Ekel, Verwundbarkeit und Gewalt, wobei Mensch- und Tiernatur eigenartige Symbiosen eingehen. Überraschende Mutationen stellen die natürliche Ordnung auf den Kopf und offenbaren eine experimentelle Imaginationskraft, die uns Jan Fabre als Visionär zeigt.
Das Ausstellungsprojekt entsteht in Zusammenarbeit mit dem Museum für Zeitgenössische Kunst, Eupen (ikob) und der Kunsthalle Recklinghausen. Leihgaben kommen aus privaten und öffentlichen Sammlungen innerhalb Europas.

“Archivi del vedutismo”

Dal 30 Novembre 2013 al 28 Aprile 2014
Ca’ Rezzonico Venezia, – Museo del Settecento veneziano

Inaugura a Ca’Rezzonico, luogo simbolo del Settecento veneziano, l’iniziativa “Archivi del vedutismo”, dedicata ai protagonisti meno noti e ad alcuni aspetti specifici di uno dei generi più amati della pittura del XVIII secolo. Il primo appuntamento ha come protagonista Pietro Bellotti nipote di Canaletto e fratello minore di Bernardo Bellotto.

L’esposizione ripercorre la lunga attività del pittore riunendo, accanto alle poche opere conservate in collezioni pubbliche come quelle del Yale Center for British Art o della Mauritshuis de L’Aia, circa quaranta dipinti, fra i quali i pochi firmati provenienti da collezioni private di tutta Europa.



Fotomuseum Winterthur, 30.11.2013 - 09.02.2014

Der Amerikaner James Welling (*1951) legt seit 35 Jahren Werkgruppe um Werkgruppe mit sehr schöner und zugleich herausfordernder Fotografie vor. Er agiert im vielfältigen, „zwiespältigen“ Feld zwischen Malerei, Skulptur und traditioneller Fotografie. Seit Mitte der 1970er Jahre hat er einen Fächer von Fragestellungen und Feldern aufgeworfen: Er spielt mit der Spannung zwischen Realismus und Transparenz, Abstraktion und Repräsentation, dem Optischen und dem Beschrei-benden, dem persönlichen und dem kulturellen Gedächtnis, und natürlich auch mit der physika-lischen und chemischen Natur der Fotografie. Sein Infragestellen von Gegebenem, die Zweifel und die Lust, das Vergangene und das Bestehende mit neuen künstlerisch-fotografischen Behauptungen herauszufordern, wirken sich direkt und aufregend auf sein Werk aus. In Zusammenarbeit mit dem Cincinnati Art Museum entsteht James Welling – Werkübersicht als erste grosse Retrospektive des Künstlers. Hauptsponsor: George Foundation




Fondazione Maxxi Rom, 5 December 2013 – 27 April 2014
curated by Pippo Ciorra

From the role of Giacomo Quarenghi in St Petersburg to the work of Lina Bo Bardi in Brazil and through to Pietro Belluschi in the United States and Romaldo Giugola – still active in Australia – or even Renzo Piano, the migratroy paths followed by some of our leading talents are well known and well established within the international historiography of architecture.

The exhibition One Way/Solo Andata investigates the progressive acceleration that the phenomenon of “migrant” Italian architecture has undergone in recent decades. From the work of the established international companies to the projects and built works of the young Italian studios, shedding light on both the “widespread quality” of their work and the dense network of collaborations and trans-national ateliers born in the wake of the “Erasmus generation”.

And lastly, the “star” migrants, not just architects, but voices, faces and stories capable of recounting a very extensive phenomenon and to lend energy and substance to the commitment of those striving to ensure that this precious Italian talent may return home.

Shimomura Kanzan:

A Retrospective

Yokohama Art Museum, December 7 2013 - Feburary 11, 2014

StillLeben. Carl Schuch und die zeitgenössische Stilllebenfotografie

Kunstsammlung Zwickau, 07.12.2013 – 16.02.2014

Stillleben faszinieren seit Jahrhunderten Betrachter und Künstler gleichermaßen. Das empfanden auch die Käufer der Gemälde, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts auf den Markt kamen. Stillleben als Gattungsbegriff entstand sowohl im Deutschen wie stil leven im Niederländischen und gleichermaßen im Englischen still life: Bilder von sorgfältig arrangierten stillen Gegenständen in Gestalt üppiger Blumenarrangements, exotischer Früchte, Jagdwild, Tellern, Karaffen oder Musikinstrumenten.
In den Niederlanden des Goldenen Zeitalters erreichte die Stilllebenmalerei ihre höchste Blüte. Im Verlauf des 19. Jahrhunderts wird das Stillleben zum bevorzugten Motiv der Künstler und zu einem wichtigen Träger künstlerischer Innovationen. Der außergewöhnliche Reiz der Darstellungen – dies gilt für das Stillleben als Gattungsbegriff allgemein – liegt nicht allein nur in ihrer eigentümlichen Rätselhaftigkeit und verborgenen Symbolik, sondern auch in ihrer Bedeutung für das Verhältnis von Raum und Fläche, von Form und Farbe.
Die Ausstellung stellt einer Auswahl von Stilllebenmalerei mit Blumen-, Essens- und Vanitasmotiven von Carl Schuch (aus der Sammlung des Morat-Instituts für Kunst und Kunstwissenschaft Freiburg im Breisgau) aktuelle Stilllebenfotografie gegenüber. Schuch, Mitglied des Kreises um Wilhelm Leibl, war zu Lebzeiten wegen materieller Unabhängigkeit nur einem engen Freundeskreis bekannt. Nach seinem Tod wurde sein Werk in den Kunsthandel gebracht und über ganz Mitteleuropa verstreut. Die ihm gegenübergestellte Fotografie (Manfred Hamm, Anett Stuth, Dieter Nuhr u.a.) interpretiert den traditionell aus der Malerei abgeleiteten Begriff
vom Stillleben neu und gibt damit dieser Gattung einen anderen Stellenwert und eine neue Sichtweise auf das Genre selbst.
Es erscheint ein Katalog.
Eröffnung: Freitag, 6.12.2013, 17 Uhr

Georg Baselitz

Besuch bei Ernst Ludwig

Kirchner Museum Davos, 8. Dezember 2013 - 21. April 2014

Die Ausstellung Georg Baselitz: Besuch bei Ernst Ludwig versammelt Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen aus verschiedenen Schaffensperioden des Künstlers von 1980 bis zur Gegenwart. Den Ausgangspunkt bilden zentrale Werke der frühen 1980er Jahre wie Die Familie (1980), Das Liebespaar (1984), Nachtessen in Dresden (1983) sowie die Remix-Versionen The Bridge Ghost’s Supper (2006) und die zeitgleich entstandenen Serien der Tuschezeichnungen mit Köpfen (Brücke-Künstler), Stiefeln/Schuhen und Variationen der Hand der Sylvia von Harden, die Baselitz dem bekannten Gemälde von Otto Dix entliehen hat. Das Familien-Thema wird von Georg Baselitz 2011 in mehreren großformatigen Gemälden wieder aufgegriffen und 2012 entstehen nach Negativvorlagen Doppelporträts von Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff und Erich Heckel, die wiederum an die Brücke-Geister anschließen. Ferner wird die monumentale Holzskulptur Sing Sang Zero (2011) mit begleitenden Skulpturenzeichnungen in der Ausstellung vertreten sein.


Sammlung Essl. Klosterneuburg bei Wien, 6.12.2013 – 02.03.2014

Mit dieser Ausstellung gibt das ESSL MUSEUM einen breiten und vielschichtigen Einblick in die junge Kunstszene Zentral- und Südosteuropas. Was bewegt junge Künstlerinnen und Künstler in dieser Region Europas, wie verarbeiten sie die sozialen, politischen und kulturellen Umbrüche und Veränderungen? Welche Rolle spielt das Private für sie, welche internationalen Kunsttrends werden von ihnen reflektiert? Zu sehen sind Werke der 16 Preisträger des ESSL ART AWARD CEE 2013, der heuer bereits zum 5.Mal von einer internationalen Jury an Künstler aus Bulgarien, Kroatien, Rumänien, Tschechien, Ungarn, der Slowakei, Slowenien und erstmals auch der Türkei vergeben wird.

The Taoism in Korea: Deities and Immortals

National Museum of Korea, Dec 10-2013 ~ March 2-2014

The Taoism in Korea: Deities and Immortals will be the first major exhibition ever held on the theme of Taoism and its influence on Korean life and culture. The exhibition is going to display the comprehensive collection of Taoist cultural artifacts including paintings, books, documents, crafts, and archaeological achievements from the ancient times to the Joseon Dynasty. It is expected that the exhibition will be an opportunity for the visitors to deepen their understanding on Taoism which has been a significant element of Korean traditional culture along with the Confucianism and Buddhism.

Marijke van Warmerdam. Life

11 December 2013 - 27 January 2014
Hermitage St. Petersburg, The General Staff Building

Painting the Vast World with Fingers: Finger Paintings by Gao Qipei (1660-1734)

20 December 2013 through 20 Februray 2014
Palace of Prolonging Happiness Bejing(Yanxi gong)



Mori Art Museum 10th Anniversary Exhibition Andy Warhol: 15 Minutes Eternal

February 1 - May 6, 2014, Mori Art Museum, JP

The exhibition and its Asian tour are organized by The AndyWarhol Museum, one of the four Carnegie Museums of Pittsburgh. The presentation of the exhibition in Tokyo is organized by The AndyWarhol Museum and Mori Art Museum. Lead Sponsor: BNY Mellon Supporting Sponsors: Christie's,The Economist and Bloomberg

Andy Warhol (1928-1987) was the standard-bearer of pop art. Against the backdrop of the age of the consumer society and popular culture in the United States, he made his name as a crossdisciplinary creator spanning multiple media and genres and rose to become one of the leading artists of the second half of the 20th century through his activities as a commercial designer, painter, music producer, photographer, filmmaker, and socialite. Andy Warhol: 15 Minutes Eternal" is a major retrospective that provides a comprehensive" introduction to Warhol's artwork from the start of his career through to his final years. It features some 400 works including paintings, silkscreens, drawings, films, sculptures, and photographs many being shown for the first time in Japan - from the vast collection at The Andy Warhol - Museum (Pittsburgh, USA) including some 300 personal letters, newspaper and magazine clippings, photographs, and so on - some relating to Japan - from the boxes of miscellanea Warhol dubbed "Time Capsules." The exhibition, which is currently travelling around Asia, will make its final stop in Tokyo, and as the host, the Mori Art Museum intends to add to and reconfigure the exhibited works, guaranteeing visitors a unique experience on an unprecedented scale.

Your Portrait: A Retrospective of Kudo Tetsumi

National Museum of Modern Art Tokyo, 2014. Feb.4 - March.30

Kudo Tetsumi (1935 – 1990) attracted wide attention as a champion of “anti-art” just after graduation from the Tokyo University of Fine Arts and Music. Though grotesque at first glance, his works came out of the artist’s interest in civilized society, physics and chemistry. This exhibition is his first retrospective held in Tokyo. The exhibits include his early works shown at the Yomiuri independent exhibitions, those produced after he moved to Paris (in 1962), and documentary photographs of his performances.



Schirn Kunsthalle, 7. FEBRUAR – 25. MAI 2014


Centre Pompidou Paris, 12 FÉVRIER - 9 JUIN 2014


Pontormo e Rosso. Le divergenti vie della ''maniera''

Fondazione Palazzo Strozzi; Firenze, 8 marzo-20 luglio 2014

A cura di: Carlo Falciani e Antonio Natali
Nel 1956 Palazzo Strozzi ospitò la Mostra del Pontormo e del primo manierismo fiorentino. Si trattava della prima importante rassegna dedicata al protagonista di un movimento che aveva da poco avuto una piena rivalutazione critica. Quasi sessant’anni dopo Palazzo Strozzi ripropone una mostra dedicata ai due soli protagonisti di quel movimento: Pontormo e Rosso Fiorentino. Entrambi nacquero nel 1494, al chiudersi di un secolo che per Firenze e l’Italia aveva visto rompersi un equilibrio politico che aveva garantito prosperità e sicurezza, ed aprirsi una travagliata età di scontri religiosi e politici che portarono ad un mutamento definitivo degli equilibri fra gli stati ma anche ad infrangersi di armonia ed equilibrio delle arti che avevano caratterizzato il passaggio dal Quattrocento al Cinquecento.
Attraverso le opere dei due massimi protagonisti fiorentini di quella pittura che la critica novecentesca ha definito ‘manierista’, la mostra intende seguire lo svolgimento cronologico di quel movimento che Giorgio Vasari colloca agli inizi della “maniera moderna” e che prende l’avvio, sia per il Pontormo che per il Rosso Fiorentino, in rapporto con Andrea del Sarto.

Come nel caso della recente fortunatissima mostra del Bronzino si è preferito puntare su un percorso ampio e articolato dei capolavori dei due sommi artisti, privilegiando lo splendore formale e l’altissima poesia del Pontormo e del Rosso, tale da renderla leggibile e chiara non solo agli specialisti ma anche al grande pubblico attraverso sezioni tematiche disposte in ordine cronologico.

Vincent van Gogh / Antonin Artaud. Le suicidé de la société

Musée d'orsay Paris, 11 mars - 15 juin 2014

Quelques jours avant l'ouverture d'une rétrospective Van Gogh à Paris en 1947, le galeriste Pierre Loeb suggéra à Antonin Artaud (1896-1948) d'écrire un texte sur le peintre.
Prenant le contrepied de la thèse de l'aliénation, Artaud s'attacha à démontrer comment la lucidité supérieure de Van Gogh gênait les consciences ordinaires. En voulant l'empêcher d'émettre "d'insupportables vérités", ceux que sa peinture dérangeait le poussèrent au suicide.
En s'appuyant sur les catégories ou les désignations singulières mises en avant par Artaud dans Van Gogh le suicidé de la société, le parcours de l'exposition se déroule à travers une trentaine de tableaux, un choix de dessins et de lettres de Van Gogh ainsi qu'une sélection d'oeuvres graphiques du poète-dessinateur.[backPid]=254&cHash=602ad3b13e

Quadriennale Düsseldorf

Kandinsky, Malewitsch, Mondrian - Der weiße Abgrund Unendlichkeit

05.04.2014 – 20.07.2014
K20 Grabbeplatz



Link zum vergangenen Ausstellungs-kalender Januar - Juli 2013